Le Sabre et la comète © Ayumi Sakamoto
LE SABRE ET LA COMÈTE – espetáculo com 6 representações de 14 a 22 de Dezembro de 2019
O Sabre e o Cometa é um show musical e sem palavras que destaca a técnica tradicional de manipulação de marionetes tradicionais japonesas kuruma ningyo - em que o marionetista, à vista, se move em uma prancha enquanto manipula os braços, pernas e cabeça de sua marionete. Cada apresentação começa com o sanbaso, uma dança divina que se refere aos primeiros tempos da humanidade no Japão. Esta dança é uma forma de oração para alcançar o sucesso no palco e afastar as más energias. Também é praticada para obter uma boa colheita ou uma boa pesca. A ação é acompanhada por um narrador que personifica os diferentes personagens e uma partitura musical que inclui um shamisen, uma forma de alaúde japonesa. O Sabre e o Cometa é uma fábula narrativa que conta os caminhos paralelos de dois personagens no crepúsculo de sua existência: um samurai amargado pela morte prematura de seu filho e que mergulha no crime, e um astrônomo que coloca sua última força na busca de um cometa, ajudado por sua jovem aprendiz. Este espectáculo, que combina a arte tradicional da marionete com uma cenografia contemporânea, é o resultado do encontro artístico sem precedentes entre o mestre japonês Koryu Nishikawa V e o marionetista americano Tom Lee.
Musée du quai Branly–Jacques Chirac - Théâtre Claude Lévi-Strauss - 37 quai Branly, 75007 Paris
Chae Yongsin 채용신, 1850-1941
Retrato de Kim Jedeok
1921
A. 96 cm L. 66 cm
Retrato de Kim Jedeok (1855-1925), nobre da época Joseon, vestimento Hakchangui e chapéu Jeongjagwan
TEKKAL, cores da Coreia – exposição de 20 de Novembro a 14 de Fevereiro de 2020
A maneira de perceber as cores e seu simbolismo não é a mesma em todas as latitudes. Dependem da cultura, da visão de mundo e dos hábitos e costumes que diferem em cada país. A exposição Tekkal, que em coreano significa "uma cor cintilante que lisonjeia os olhos", através de 208 obras de arte tradicionais e contemporâneas, permite compreender o significado profundo das cores na vida e na cultura dos coreanos. O sistema tradicional de cores da Coreia é inspirado no conceito do Eumyang (Ying e Yang) Ohaeng. Este sistema corresponde à crença coreana de que o mundo tem a sua origem na interação sutil de duas forças elementares e complementares, Ying e Yang. Estas forças também se encontram na origem da criação dos cinco elementos Ohaeng, madeira, fogo, terra, metal e agua. Com base neste sistema de forças e elementos, as cores coreanas estão associadas às cinco direções. O amarelo simboliza a Terra e corresponde ao centro do universo. O amarelo era usado principalmente no vestuário real, pois era considerado uma das cores mais nobres. O azul, associado à madeira e ao leste, representa a primavera. Significa criação e traz sorte. O branco é o símbolo do metal, do outono e do oeste. O vermelho está associado à paixão, sentimentos e ação, e governa o sol, o fogo e o sangue. Está ligada ao sul e ao verão, é a cor que pode exorcizar os maus espíritos. Finalmente, o negro, que representa a agua, o inverno e o norte, controla a sabedoria dos homens.
Centre Culturel Coréen - 20, rue La Boétie - 75008 Paris
Luca Giordano, Diana e Endimião (Diana ed Endimione),
1675-1680, 203 x 246 cm, oleo em tela,, Museu de Castelvecchio, Verona, Italia © Verona, Museo di Castelvecchio, Archivio fotografico (foto
Umberto Tomba, Verona)
LUCA GIORDANO, o triumfo da pintura napolitana – exposição de 14 de Novembro de 2019 a 23 de Fevereiro de 2020
A retrospectiva dedicada ao pintor napolitano Luca Giordano (1634-1705), um dos artistas mais virtuosos do Seicento é organizada cronologicamente e permite a confrontação com grandes pinturas de outros artistas. Aprendiz de Jusepe de Ribera (1591-1652), artista espanhol que vivia em Nápoles, Giordano assimilou o seu tenebrismo. Uma estadia de treinamento em Roma por volta de 1653 o colocou em contato com a modernidade barroca e as inovações de Rubens e de Cortone. Graças à sua capacidade de integrar as inovações do seu tempo e os mestres do passado, a obra de Giordano evoluiu continuamente do naturalismo para produções barrocas vibrantes. Rapidamente reconhecido em toda a península italiana, ele recebeu muitas encomendas executando pinturas e afrescos. Tornou-se o pintor por excelência das igrejas de Nápoles cujos altares se encheram de suas telas. Estas imensas composições impressionam pela sua complexa dramaturgia. A exposição destaca o contraste entre composições atormentadas e o registro sensual herdado de Ticiano. A partir de 1692 mudou-se para a corte de Carlos II da Espanha onde realizou imensos afrescos para o Cazón del Buen Retiro, em Madri, o mosteiro do Escorial e a catedral de Toledo. De volta a Nápoles, em 1702, Giordano morreu menos de três anos depois, deixando sua marca na cidade onde suas obras fascinaram gerações de pintores.
Petit Palais - Avenue Winston Churchill, 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr
A retrospectiva dedicada ao pintor napolitano Luca Giordano (1634-1705), um dos artistas mais virtuosos do Seicento é organizada cronologicamente e permite a confrontação com grandes pinturas de outros artistas. Aprendiz de Jusepe de Ribera (1591-1652), artista espanhol que vivia em Nápoles, Giordano assimilou o seu tenebrismo. Uma estadia de treinamento em Roma por volta de 1653 o colocou em contato com a modernidade barroca e as inovações de Rubens e de Cortone. Graças à sua capacidade de integrar as inovações do seu tempo e os mestres do passado, a obra de Giordano evoluiu continuamente do naturalismo para produções barrocas vibrantes. Rapidamente reconhecido em toda a península italiana, ele recebeu muitas encomendas executando pinturas e afrescos. Tornou-se o pintor por excelência das igrejas de Nápoles cujos altares se encheram de suas telas. Estas imensas composições impressionam pela sua complexa dramaturgia. A exposição destaca o contraste entre composições atormentadas e o registro sensual herdado de Ticiano. A partir de 1692 mudou-se para a corte de Carlos II da Espanha onde realizou imensos afrescos para o Cazón del Buen Retiro, em Madri, o mosteiro do Escorial e a catedral de Toledo. De volta a Nápoles, em 1702, Giordano morreu menos de três anos depois, deixando sua marca na cidade onde suas obras fascinaram gerações de pintores.
Petit Palais - Avenue Winston Churchill, 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr
Kashmir. Resident’s boat on the Dhul Canal
[Jammu-e-Caxemira.
Dal]
William Baker (ativo 1861-1873)
& John Burke (1843-1900)
1868, cópia em papel albuminado , compra (2012)
AP17946
© MNAAG, Paris, Distr. RMN-Grand Palais / image
musée Guimet
L’INDE, AU MIROIR DES PHOTOGRAPHES – exposição de 6 de Novembro de 2019 a 17 de Fevereiro de 2020
O Museu Guimet desvenda a sua rica coleção fotográfica da segunda metado do século XIX na India e o importante trabalho realizado por fotógrafos profissionais no país, um vasto território que estimulou o desenvolvimento da fotografia desde o início. Por volta de 1850, dez anos após o nascimento da fotografia divulgada pela imprensa britânica, Madras e Calcutá tornaram-se o foco do seu desenvolvimento tanto técnica como artisticamente. O Raj britânico, fundado em 1858, fornece um ambiente propício ao seu crescimento, inclusive através das forças armadas, mesmo antes da chegada de civis talentosos. Entre eles, o sargento Linnaeus Tripe, considerado como um dos principais autores dos primórdios da fotografia, que se apresentou na exposição de Madras, onde o júri descreveu seu trabalho como a melhor série de vistas fotográficas em papel. William Baker, um sargento aposentado, fundou o estúdio Baker & Burke por volta de 1861 em Murree (hoje Paquistão). Em 1873, as primeiras fotos de paisagens foram criadas na Caxemira, graças a John Burke e seu associado. Samuel Bourne obtém vistas extraordinárias da Caxemira feitas durante três expedições de 1863 a 1870. Neste imenso país, cada estado apresenta uma fonte de temas variados e inesgotáveis para os fotógrafos. Sobretudo o norte da Índia, pela suntuosidade de sua arquitetura e paisagens, além da diversidade de sua população etnográfica. Cidades como Delhi, Agra ou Benares, sítios arqueológicos ou monumentos famosos, como o Taj Mahal, fascinaram os fotógrafos que captaram a sua monumentalidade utilizando técnicas de registo de uma grande riqueza de detalhes. A exposição apresenta quase cem fotografias que ilustram a grandeza da civilização indiana.
Musée national des arts asiatiques – Guimet - 6, place d’Iéna, 75016 Paris
O Museu Guimet desvenda a sua rica coleção fotográfica da segunda metado do século XIX na India e o importante trabalho realizado por fotógrafos profissionais no país, um vasto território que estimulou o desenvolvimento da fotografia desde o início. Por volta de 1850, dez anos após o nascimento da fotografia divulgada pela imprensa britânica, Madras e Calcutá tornaram-se o foco do seu desenvolvimento tanto técnica como artisticamente. O Raj britânico, fundado em 1858, fornece um ambiente propício ao seu crescimento, inclusive através das forças armadas, mesmo antes da chegada de civis talentosos. Entre eles, o sargento Linnaeus Tripe, considerado como um dos principais autores dos primórdios da fotografia, que se apresentou na exposição de Madras, onde o júri descreveu seu trabalho como a melhor série de vistas fotográficas em papel. William Baker, um sargento aposentado, fundou o estúdio Baker & Burke por volta de 1861 em Murree (hoje Paquistão). Em 1873, as primeiras fotos de paisagens foram criadas na Caxemira, graças a John Burke e seu associado. Samuel Bourne obtém vistas extraordinárias da Caxemira feitas durante três expedições de 1863 a 1870. Neste imenso país, cada estado apresenta uma fonte de temas variados e inesgotáveis para os fotógrafos. Sobretudo o norte da Índia, pela suntuosidade de sua arquitetura e paisagens, além da diversidade de sua população etnográfica. Cidades como Delhi, Agra ou Benares, sítios arqueológicos ou monumentos famosos, como o Taj Mahal, fascinaram os fotógrafos que captaram a sua monumentalidade utilizando técnicas de registo de uma grande riqueza de detalhes. A exposição apresenta quase cem fotografias que ilustram a grandeza da civilização indiana.
Musée national des arts asiatiques – Guimet - 6, place d’Iéna, 75016 Paris
Kiki Smith, Untitled III (Upside-Down Body with Beads), 1993
Photograph by Ellen Page Wilson
© Kiki Smith, courtesy Pace Gallery
KIKI SMITH – exposição de 18 de Outubro de 2019 a 9 de Fevereiro de 2020
A exposição reune uma centena de obras da artista americana Kiki Smith, nascida em 1954 em Nova York. A arte de Kiki Smith é simbolicamente nutrida pelas memórias de sua infância. Uma de suas características mais surpreendentes é a inspiração profunda, tanto espiritual como formal, que a artista retira da religião católica em que foi criada. Um dos aspectos mais fortes e singulares do trabalho de Kiki Smith é colocar a mulher de volta no centro de uma iconografia artística onde ela foi esquecida, relegada a pequenos papéis ou distorcida pelo olhar masculino. Entre as poucas artistas mulheres envolvidas nessa redescoberta, ela se distingue pela profundidade semântica de sua exploração, do visceral para o vegetal e o cosmológico, sem perder de vista o essencial: o ponto de vista de uma mulher que recompõe o mundo em torno de um feminino pacífico, unificador e sincrético. A partir da década de 2000, os grandes mitos das origens chamam sua atenção, e a cosmogonia se torna um capítulo por si só. Ao mesmo tempo, mulheres e animais muitas vezes convivem em harmonia: seus corpos às vezes se conectam e as fusões operam, tornando o trabalho de Kiki semelhante a uma travessia, uma busca romântica pela união dos corpos com todos os seres vivos e o cosmos. Se a escultura ocupa um lugar central na sua obra, Kiki Smith produz muitos desenhos, muitas vezes de dimensões importantes. Todos os períodos de seu trabalho são representados, desde as obras históricas da década de 1980 até as produzidas para a exposição. Bronze, vidro, cera, gesso, tapeçaria e desenho coexistem, de modo que alguns dos motivos são voluntariamente produzidos em diferentes escalas e em diferentes materiais. O percurso da exposição foi construído pela artista para que nem o cronológico nem o temático sejam necessários.
Le 11 Conti - Monnaie de Paris - 11, Quai de Conti 75006 Paris
A exposição reune uma centena de obras da artista americana Kiki Smith, nascida em 1954 em Nova York. A arte de Kiki Smith é simbolicamente nutrida pelas memórias de sua infância. Uma de suas características mais surpreendentes é a inspiração profunda, tanto espiritual como formal, que a artista retira da religião católica em que foi criada. Um dos aspectos mais fortes e singulares do trabalho de Kiki Smith é colocar a mulher de volta no centro de uma iconografia artística onde ela foi esquecida, relegada a pequenos papéis ou distorcida pelo olhar masculino. Entre as poucas artistas mulheres envolvidas nessa redescoberta, ela se distingue pela profundidade semântica de sua exploração, do visceral para o vegetal e o cosmológico, sem perder de vista o essencial: o ponto de vista de uma mulher que recompõe o mundo em torno de um feminino pacífico, unificador e sincrético. A partir da década de 2000, os grandes mitos das origens chamam sua atenção, e a cosmogonia se torna um capítulo por si só. Ao mesmo tempo, mulheres e animais muitas vezes convivem em harmonia: seus corpos às vezes se conectam e as fusões operam, tornando o trabalho de Kiki semelhante a uma travessia, uma busca romântica pela união dos corpos com todos os seres vivos e o cosmos. Se a escultura ocupa um lugar central na sua obra, Kiki Smith produz muitos desenhos, muitas vezes de dimensões importantes. Todos os períodos de seu trabalho são representados, desde as obras históricas da década de 1980 até as produzidas para a exposição. Bronze, vidro, cera, gesso, tapeçaria e desenho coexistem, de modo que alguns dos motivos são voluntariamente produzidos em diferentes escalas e em diferentes materiais. O percurso da exposição foi construído pela artista para que nem o cronológico nem o temático sejam necessários.
Le 11 Conti - Monnaie de Paris - 11, Quai de Conti 75006 Paris
Capa de disco da banda sonora do Circo, United Artists Records, 1969, direitos reservados
CHARLES CHAPLIN, o homem orquestra – exposição de 11 de Outubro de 2019 a 26 de Janeiro de 2020
A exposição nos faz redescobrir com emoção o trabalho de Chaplin em sua dimensão musical e em sua estreita relação com a dança, o ritmo, a fala e o som. Músico autodidata desde a adolescência, Charlie Chaplin deixou o mundo da música aos vinte e cinco anos para o mundo do cinema. Com a invenção de Charlot, o cineasta declarou a supremacia da pantomima. Sua linguagem corporal, quase musical, é o principal trampolim poético e cômico de sua arte. Tanto que, em 1927, quando o cinema mundial passou do mudo para a fala, Chaplin resistiu e deu mais ênfase à eloquência musical de seus filmes. Ele começou a assinar a partitura de todos os seus trabalhos e inventou uma comédia sonora onde efeitos sonoros e música se encontram. Confrontando a arte cinematográfica de Chaplin com inúmeras obras, máquinas, partituras e manuscritos, esta exposição recria toda a eloqüência de seu gênio, cuja influência se estende da vanguarda à cultura popular. Examinando tudo em seu trabalho que faz "barulho" e "fala" tanto aos olhos quanto ao ouvido, ela mostra o quanto a busca por uma expressão sonora e musical catalisou toda sua imaginação. A pantomima muda de Charlot se estabeleceu como um dos "corpos sonoros" mais emblemáticos do século XX, e até um dos mais visionários e politicamente engajados.
Cité de la musique – Philhamonie de Paris – 221, avenue Jean-Jaurès, 75019 Paris
A exposição nos faz redescobrir com emoção o trabalho de Chaplin em sua dimensão musical e em sua estreita relação com a dança, o ritmo, a fala e o som. Músico autodidata desde a adolescência, Charlie Chaplin deixou o mundo da música aos vinte e cinco anos para o mundo do cinema. Com a invenção de Charlot, o cineasta declarou a supremacia da pantomima. Sua linguagem corporal, quase musical, é o principal trampolim poético e cômico de sua arte. Tanto que, em 1927, quando o cinema mundial passou do mudo para a fala, Chaplin resistiu e deu mais ênfase à eloquência musical de seus filmes. Ele começou a assinar a partitura de todos os seus trabalhos e inventou uma comédia sonora onde efeitos sonoros e música se encontram. Confrontando a arte cinematográfica de Chaplin com inúmeras obras, máquinas, partituras e manuscritos, esta exposição recria toda a eloqüência de seu gênio, cuja influência se estende da vanguarda à cultura popular. Examinando tudo em seu trabalho que faz "barulho" e "fala" tanto aos olhos quanto ao ouvido, ela mostra o quanto a busca por uma expressão sonora e musical catalisou toda sua imaginação. A pantomima muda de Charlot se estabeleceu como um dos "corpos sonoros" mais emblemáticos do século XX, e até um dos mais visionários e politicamente engajados.
Cité de la musique – Philhamonie de Paris – 221, avenue Jean-Jaurès, 75019 Paris
Peter Hujar, Ethyl Eichelberger como Minnie the Maid, 1981 Filme de gelatina e prata, The Morgan Library & Museum, comprado em 2013 graças ao Charina Endowment Fund © Peter Hujar Archive, LLC, cortesia de Pace
PETER HUJAR, SPEED OF LIFE – exposição de 15 de Outubro de 2019 a 19 de Janeiro de 2020
A vida e as imagens de Peter Hujar (1934-1987) são inseparáveis da cidade de Nova Iorque. Independente por natureza, voluntariamente combativo, cultivado e muito bem introduzido no mundo artístico, Hujar evoluiu dentro de uma cena de vanguarda composta por dançarinos, músicos, artistas plásticos e travestis. Sua realização como fotógrafo foi contemporânea à evolução e visibilidade do estilo de vida gay entre 1969 - data dos motins de Stonewall - e a crise do AIDS na década de 1980. A exposição acompanha o percurso de Hujar desde o seu início, em meados dos anos 50, até 1980, quando ele foi uma das principais figuras da cena artística do East Village. Organizada em duas partes, a exposição cobre todos os diferentes aspectos da sua prática fotográfica, que é marcada pela mesma beleza austera: o retrato de estúdio, geralmente pousado, que constitui o âmago da sua prática, mas também o nu, especialmente o masculino, e a paisagem urbana de Nova Iorque e arredores. Em preto e branco, o conjunto não só descreve o universo íntimo de Peter Hujar, mas também esboça um retrato da boêmia e do underground de Nova Iorque desses anos, através de algumas das suas figuras mais notáveis. Uma seleção de aproximadamente 140 fotografias deste artista particularmente importante e influente.
Jeu de Paume - 1, Place de la Concorde · 75008 Paris
www.jeudepaume.org
A vida e as imagens de Peter Hujar (1934-1987) são inseparáveis da cidade de Nova Iorque. Independente por natureza, voluntariamente combativo, cultivado e muito bem introduzido no mundo artístico, Hujar evoluiu dentro de uma cena de vanguarda composta por dançarinos, músicos, artistas plásticos e travestis. Sua realização como fotógrafo foi contemporânea à evolução e visibilidade do estilo de vida gay entre 1969 - data dos motins de Stonewall - e a crise do AIDS na década de 1980. A exposição acompanha o percurso de Hujar desde o seu início, em meados dos anos 50, até 1980, quando ele foi uma das principais figuras da cena artística do East Village. Organizada em duas partes, a exposição cobre todos os diferentes aspectos da sua prática fotográfica, que é marcada pela mesma beleza austera: o retrato de estúdio, geralmente pousado, que constitui o âmago da sua prática, mas também o nu, especialmente o masculino, e a paisagem urbana de Nova Iorque e arredores. Em preto e branco, o conjunto não só descreve o universo íntimo de Peter Hujar, mas também esboça um retrato da boêmia e do underground de Nova Iorque desses anos, através de algumas das suas figuras mais notáveis. Uma seleção de aproximadamente 140 fotografias deste artista particularmente importante e influente.
Jeu de Paume - 1, Place de la Concorde · 75008 Paris
www.jeudepaume.org
Na rua dos antiquários, a vitrine de um vendedor de pincéus, Pequim,
Dezembro de 1948.
© Fondation Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos
HENRI CARTIER-BRESSON : CHINE 1948-1949 / 1958 – exposição de 15 de Outubro de 2019 a 2 de Fevereiro de 2020
Henri Cartier-Bresson recebeu uma comissão da revista Life para relatar os últimos dias de Pequim antes da chegada das tropas maoístas em 25 de novembro de 1948. Vindo por duas semanas, ele vai ficar dez meses, principalmente em torno de Xangai, assistindo à queda da cidade de Nanking, controlada pelo Kuomintang, depois forçado a permanecer em Xangai sob controle comunista por quatro meses, e deixando a China alguns dias antes da proclamação da República Popular da China em 1 de outubro de 1949. Ao longo dos meses, seus depoimentos sobre o estilo de vida tradicional e o estabelecimento de uma nova ordem, fazem muito sucesso nas melhores revistas internacionais. A longa permanência na China se revelou um momento fundador na história do fotojornalismo, trazendo um novo estilo, menos agitado, mais poético e distante, atento tanto às pessoas como ao equilíbrio da imagem. Em 1958, Henri-Cartier-Bresson partiu para uma aventura em condições opostas: sob a orientação de um guia durante quatro meses, percorreu milhares de quilômetros para relatar os resultados da Revolução e da industrialização forçada do campo. No entanto, também consegue mostrar os aspectos menos positivos, a exploração do trabalho humano, a influência das milícias, etc. Mais uma vez, o relatório é um êxito a nível internacional. A exposição inclui 114 impressões originais de 1948-1949, 40 impressões de 1958 e muitos documentos de arquivo.
Fondation Henri Cartier-Bresson- 79 Rue des Archives, 75003 Paris
www.henricartierbresson.org
GRECO (Dominikos Theotokopoulos) - L'ouverture du cinquième sceau, dit aussi, La vision de saint Jean 1610-1614
222,3 X 193 cm, oleo em tela, New York, The Metropolitan Museum of Art; Rogers Fund, 1956. Foto © The Metropolitan Museum of Art, Dist, RMN-Grand Palais/image of the MMA
GRECO – exposição de 16 de Outubro de 2019 a 10 de Fevereiro de 2020
Nascido em 1541 em Creta, Doménikos Theotokópoulos, conhecido como El Greco, fez seu primeiro aprendizado na tradição bizantina antes de completar sua formação em Veneza e depois em Roma, mas foi na Espanha que sua arte floresceu e criou raízes na década de 1577. Atraído pelas promessas da obra do Escorial, o artista importa a audácia de Tintoretto e o estilo heróico de Michelangelo. Essa síntese original, concede a El Greco um lugar especial na história da pintura: a do último grande mestre do Renascimento e o primeiro grande pintor do século de ouro. Greco é também um insaciável inventor de formas, desenvolvendo composições inovadoras e audaciosas às quais nunca deixará de retornar ao longo de sua carreira, variando os efeitos, os meios plásticos, as intenções de seu discurso. A independência de sua abordagem só é igualada pela liberdade elétrica de sua paleta e pincel. Impressiona a transformação do pintor no seu início com a arte dos ícones à sua adesão estética à corrente veneziana; suas invenções e variações, que permitem, sobre o mesmo tema, medir o caráter inovador de sua arte e acompanhar o progresso de seu estilo desde Veneza até Toledo; sua sensibilidade, mais humanista que mística, seu temperamento espiritual, ardente e literário. Sua abundante produção é articulada por obras fortes e decisivas. A retrospectiva da obra de El Greco contribuirá para descobrir e redescobrir um artista atemporal que impressiona pela modernidade.
Grand Palais - 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
https://www.grandpalais.fr/
Nascido em 1541 em Creta, Doménikos Theotokópoulos, conhecido como El Greco, fez seu primeiro aprendizado na tradição bizantina antes de completar sua formação em Veneza e depois em Roma, mas foi na Espanha que sua arte floresceu e criou raízes na década de 1577. Atraído pelas promessas da obra do Escorial, o artista importa a audácia de Tintoretto e o estilo heróico de Michelangelo. Essa síntese original, concede a El Greco um lugar especial na história da pintura: a do último grande mestre do Renascimento e o primeiro grande pintor do século de ouro. Greco é também um insaciável inventor de formas, desenvolvendo composições inovadoras e audaciosas às quais nunca deixará de retornar ao longo de sua carreira, variando os efeitos, os meios plásticos, as intenções de seu discurso. A independência de sua abordagem só é igualada pela liberdade elétrica de sua paleta e pincel. Impressiona a transformação do pintor no seu início com a arte dos ícones à sua adesão estética à corrente veneziana; suas invenções e variações, que permitem, sobre o mesmo tema, medir o caráter inovador de sua arte e acompanhar o progresso de seu estilo desde Veneza até Toledo; sua sensibilidade, mais humanista que mística, seu temperamento espiritual, ardente e literário. Sua abundante produção é articulada por obras fortes e decisivas. A retrospectiva da obra de El Greco contribuirá para descobrir e redescobrir um artista atemporal que impressiona pela modernidade.
Grand Palais - 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
https://www.grandpalais.fr/
Vincenzo Gemito, Buste d’Anna [Busto de Anna]
Em torno de 1886, mármore, 40 x 28 x 28 cm
Musée de Capodimonte, Naples, Italia
Photo Ministero per i beni e le attivita culturali/
Museo e Real Bosco di Capodimonte
VINCENZO GEMITO (1852-1929) Le sculpteur de l’âme napolitaine – exposição de 15 de Outubro de 2019 a 26 de Janeiro de 2020
A exposição apresenta 120 obra do escultor napolitano Vincenzo Gemito que, criança, foi criado nas ruas de Nápoles e que se tornou um dos maiores escultores de seu tempo, celebrado em sua cidade natal e depois no resto da Itália e Europa. O percurso da exposição é cronológico e oferece aos visitantes a oportunidade de acompanhar as diferentes etapas deste surpreendente destino. Como todas as crianças pobres de Nápoles, Gemito vive nas ruas com seu amigo Totonno. Aos dez anos, eles aprendem o básico de pintura e escultura e se inspiram da vida cotidiana. Aos 17 anos, com um grupo de jovens artistas, ele montou uma oficina em um claustro abandonado onde realizou muitas cabeças de adolescentes em terracota. Em 1873, aos 21 anos, empreendeu uma série de bustos em tamanho real de personalidades. Aos vinte e cinco anos, ele causou sensação no Salão de Paris e no ano seguinte na Exposição Universal de 1878. Criticado e/ou adorado pelos críticos, ele introduziu o realismo na escultura italiana. De volta a Nápoles, continuou o seu trabalho apesar das crises de loucura. Após a sua morte, desapareceu gradualmente da história, relegado à categoria de artista pitoresco. O seu papel primordial na escultura do seu tempo foi esquecido.
Petit Palais - Avenue Winston Churchill, 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr/
Suzanne Valadon (1865-1938)
A Acrobata, ou A Roda, 1916
oleo em tela, 38 × 46,2 cm
Fotografia © Stéphane Pons
COLLECTION WEISMAN & MICHEL - Fin de siècle - Belle époque (1880-1916)– exposição de 11 de Outubro de 2019 a 19 de Janeiro de 2020
A coleção de David Weisman e Jacqueline Michel concentra-se em artistas de vanguarda do final do século XIX e início do século XX que moravam ou trabalhavam em Montmartre, ou cuja arte reflete o espírito de Montmartre. Reúne, assim, um corpo importante de obras variadas de grande interesse estético e que permite reconstituir a história cultural deste período significativo da história da arte. Enquanto os últimos anos do século XIX são muitas vezes referidos como o fim do século por causa de um espírito de decadência que prevalecia nessa altura, a primeira década do século XX foi descrita como a Bela Época por ser marcada por um sentimento dominante de otimismo e confiança. Durante estes dois períodos, Montmartre foi o centro de atividades inovadoras e uma inspiração para muitos artistas. Os cafés-concertos, cabarés, circos, ruas e praças, os habitantes e aqueles que lá viviam foram verdadeiras fontes de inspiração para os artistas que desejavam romper com a arte acadêmica. Como repórteres, eles capturaram o instantâneo e foram capazes de captar a efervescência com realismo e humor. A coleção Weisman & Michel é uma coleção única de mais de 180 peças entre pinturas, aquarelas, pastéis, desenhos, cartazes, litografias e jornais. Entre os muitos artistas representados na coleção encontramos Toulouse-Lautrec, Suzanne Valadon, Steinlen, Georges Rouault e Pierre Bonnard.
Musée de Montmartre – 12, rue Cortot -75018 Paris
A coleção de David Weisman e Jacqueline Michel concentra-se em artistas de vanguarda do final do século XIX e início do século XX que moravam ou trabalhavam em Montmartre, ou cuja arte reflete o espírito de Montmartre. Reúne, assim, um corpo importante de obras variadas de grande interesse estético e que permite reconstituir a história cultural deste período significativo da história da arte. Enquanto os últimos anos do século XIX são muitas vezes referidos como o fim do século por causa de um espírito de decadência que prevalecia nessa altura, a primeira década do século XX foi descrita como a Bela Época por ser marcada por um sentimento dominante de otimismo e confiança. Durante estes dois períodos, Montmartre foi o centro de atividades inovadoras e uma inspiração para muitos artistas. Os cafés-concertos, cabarés, circos, ruas e praças, os habitantes e aqueles que lá viviam foram verdadeiras fontes de inspiração para os artistas que desejavam romper com a arte acadêmica. Como repórteres, eles capturaram o instantâneo e foram capazes de captar a efervescência com realismo e humor. A coleção Weisman & Michel é uma coleção única de mais de 180 peças entre pinturas, aquarelas, pastéis, desenhos, cartazes, litografias e jornais. Entre os muitos artistas representados na coleção encontramos Toulouse-Lautrec, Suzanne Valadon, Steinlen, Georges Rouault e Pierre Bonnard.
Musée de Montmartre – 12, rue Cortot -75018 Paris
Henri de Toulouse-Lautrec, Le Divan, em torno de 1893, oleo em cartão, 54x69 cm São Paulo, MASP©MASP/ foto / João Musa
TOULOUSE-LAUTREC, RÉSOLUMENT MODERNE – exposição de 9 de Outubro de 2019 a 27 de Janeiro de 2020
Esta exposição tem como objetivo realçar a singularidade de Toulouse-Lautrec. Lautrec traduziu o seu mundo com uma força única, uma leniência às vezes feroz, tornando a vida presente mais intensa e significativa sem julgá-la.Em vez de afiliá-lo à caricatura, ele deve ser relacionado a uma linha francesa de realismo expressivo, abrupto, engraçado e direto. Lautrec fêz da fotografia seu aliado. Mais do que qualquer outro artista do século XIX, ele associou-se a fotógrafos, era consciente de seu poder, serviu sua promoção, apropriou-se de seus efeitos na busca de movimento. Muitas exposições exploraram os elos da obra de Toulouse-Lautrec com a cultura de Montmartre, da qual ele seria, ao mesmo tempo, o cronista e o desprezador. Essa abordagem sociológica reduziu o escopo de um artista cujas origens, opiniões e estética aberta preservaram toda a tentação inquisitorial. Lautrec nunca foi acusador de vícios. Por seu nascimento, sua formação e suas escolhas de vida, ele preferiu ser o intérprete pugnaz e cômico de uma liberdade que deve ser melhor compreendida pelo público de hoje. Lautrec explorou a sociedade moderna, muitas vezes em desrespeito ao decoro. Ele desfrutou do espetáculo de Montmartre, celebrou a aristocracia do prazer e as sacerdotisas do vício. Lautrec aperfeiçoou os meios de comunicar a eletricidade do cancan, o brilho da iluminação e o movimento. A magia das máquinas não desumanizou sua pintura e suas gravuras, sempre encarnadas. A exposição reúne quase 200 obras.
Grand Palais - 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
Esta exposição tem como objetivo realçar a singularidade de Toulouse-Lautrec. Lautrec traduziu o seu mundo com uma força única, uma leniência às vezes feroz, tornando a vida presente mais intensa e significativa sem julgá-la.Em vez de afiliá-lo à caricatura, ele deve ser relacionado a uma linha francesa de realismo expressivo, abrupto, engraçado e direto. Lautrec fêz da fotografia seu aliado. Mais do que qualquer outro artista do século XIX, ele associou-se a fotógrafos, era consciente de seu poder, serviu sua promoção, apropriou-se de seus efeitos na busca de movimento. Muitas exposições exploraram os elos da obra de Toulouse-Lautrec com a cultura de Montmartre, da qual ele seria, ao mesmo tempo, o cronista e o desprezador. Essa abordagem sociológica reduziu o escopo de um artista cujas origens, opiniões e estética aberta preservaram toda a tentação inquisitorial. Lautrec nunca foi acusador de vícios. Por seu nascimento, sua formação e suas escolhas de vida, ele preferiu ser o intérprete pugnaz e cômico de uma liberdade que deve ser melhor compreendida pelo público de hoje. Lautrec explorou a sociedade moderna, muitas vezes em desrespeito ao decoro. Ele desfrutou do espetáculo de Montmartre, celebrou a aristocracia do prazer e as sacerdotisas do vício. Lautrec aperfeiçoou os meios de comunicar a eletricidade do cancan, o brilho da iluminação e o movimento. A magia das máquinas não desumanizou sua pintura e suas gravuras, sempre encarnadas. A exposição reúne quase 200 obras.
Grand Palais - 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
Armadura do príncipe, futuro
Henri II, entre 1536 e 1547,
Paris, musée de l'Armée
© Paris - Musée de l'Armée,
Dist. RMN-Grand Palais /
Émilie Cambier
LES CANONS DE L’ÉLÉGANCE – exposição de 10 de Outubro de 2019 a 26 de Janeiro de 2020
Na maioria das sociedades, a fonte do poder político é de origem bélica e as duas funções permanecem intimamente entrelaçadas, pois a guerra continua sendo um meio para os Estados se afirmarem, se manterem ou defenderem seus interesses. Como um senhor da guerra, o soberano associa o poder militar aos atributos da riqueza, significando assim o seu poder. A partir do século XVII, a organização hierárquica do exército é cada vez mais estruturada e se afirma como um grupo social distinto da sociedade civil. As tradições militares se desenvolvem e se fortalecem. Estes fenômenos dão origem ao aparecimento de um conjunto de sinais que permitem a todos exibir sua categoria dentro de corpos aparentemente uniformes. Uma cultura de distinção, condicionada pela origem social, reforça assim os códigos visuais militares em vigor. Os guerreiros, cada um de acordo com os seus meios, procuram afirmar-se através dos objetos apresentados nesta exposição : exibir sua hierarquia, o brilho dos seus triunfos e distinguir-se dos demais, civis que reivindicam ser membros de uma casta enobrecida pelo serviço das armas. A enorme quantidade de roupas de combate fabricadas durante a Segunda Guerra Mundial inundará o mundo civil e, na década de 1960, os movimentos de contracultura se apropriarão dos uniformes em um espírito subversivo e crítico em relação às instituições militares e a autoridade que eles representam. Adaptado às condições da vida na cidade, as roupas de combate se espalham e às vezes servem como sinal de reconhecimento às tribos urbanas. Essa exposição adota principalmente uma perspectiva antropológica para explicar as motivações do esplendor militar. Ela se interessa pelo significado dessas armas et uniformes, e também pela perfeição de sua fabricação. Através de mais de 200 peças de uniforme, armamento ou equipamento do século XVI até os dias atuais, o Museu do Exército destaca esses objetos excepcionais que distinguem os militares dos civis.
Musée de l’Armée – Les Invalides - 129 Rue de Grenelle, 75007 Paris
Na maioria das sociedades, a fonte do poder político é de origem bélica e as duas funções permanecem intimamente entrelaçadas, pois a guerra continua sendo um meio para os Estados se afirmarem, se manterem ou defenderem seus interesses. Como um senhor da guerra, o soberano associa o poder militar aos atributos da riqueza, significando assim o seu poder. A partir do século XVII, a organização hierárquica do exército é cada vez mais estruturada e se afirma como um grupo social distinto da sociedade civil. As tradições militares se desenvolvem e se fortalecem. Estes fenômenos dão origem ao aparecimento de um conjunto de sinais que permitem a todos exibir sua categoria dentro de corpos aparentemente uniformes. Uma cultura de distinção, condicionada pela origem social, reforça assim os códigos visuais militares em vigor. Os guerreiros, cada um de acordo com os seus meios, procuram afirmar-se através dos objetos apresentados nesta exposição : exibir sua hierarquia, o brilho dos seus triunfos e distinguir-se dos demais, civis que reivindicam ser membros de uma casta enobrecida pelo serviço das armas. A enorme quantidade de roupas de combate fabricadas durante a Segunda Guerra Mundial inundará o mundo civil e, na década de 1960, os movimentos de contracultura se apropriarão dos uniformes em um espírito subversivo e crítico em relação às instituições militares e a autoridade que eles representam. Adaptado às condições da vida na cidade, as roupas de combate se espalham e às vezes servem como sinal de reconhecimento às tribos urbanas. Essa exposição adota principalmente uma perspectiva antropológica para explicar as motivações do esplendor militar. Ela se interessa pelo significado dessas armas et uniformes, e também pela perfeição de sua fabricação. Através de mais de 200 peças de uniforme, armamento ou equipamento do século XVI até os dias atuais, o Museu do Exército destaca esses objetos excepcionais que distinguem os militares dos civis.
Musée de l’Armée – Les Invalides - 129 Rue de Grenelle, 75007 Paris
Marc Couturier, (nascido em 1946)
Folha de Aucuba,
2018, caixa luminosa
retroiluminada, 42 x 29 cm.
Galerie Laurent Godin.
© Marc Couturier, cortesia
Galerie Laurent Godin
Foto © Yann Bohac
LE REVEUR DE LA FORET – exposição de 27 de Setembro de 2019 a 23 de Fevereiro de 2020
A exposição «O Sonhador da Floresta» questiona o fascínio feito de um emaranhado de medo e encantamento que a floresta desperta no imaginário comum. Refúgio dos vivos, dos selvagens, do sagrado, o mundo da floresta representa o que escapa aos esforços humanos de domesticação do mundo. Num contexto marcado pela ascensão das preocupações ambientais e ecológicas, este projeto envolve uma reflexão antropológica e artística em torno de um tema que deu origem a muitas obras-primas desde o início da revolução industrial, e que permanece de ardente relevância para os artistas contemporâneos. Baseado em fontes poéticas, filosóficas e científicas, O Sonhador da Floresta atravessa eras, mídias e gêneros. A exposição reúne quase cem obras de cerca de quarenta artistas e lança nova luz sobre o trabalho de Ossip Zadkin, a materialidade viva de suas esculturas e sua conexão orgânica com a floresta. O percurso da exposição se faz como uma caminhada desde a borda da floresta, passando pelo ecossistema natural, até os mistérios da floresta. Desta forma, vemos a evolução e transformação da forma como olhamos para a floresta, um organismo vivo percebido por alguns como um refúgio de força vital.
Musée Zadkine - 100 bis rue d’Assas, 75006 Paris
www.zadkine.paris.fr
Marinheiro na escolta Dupetit-Thouars, France, 1963
© Raymond Depardon/TAM/ECPAD/Défense/PAR 496-3
RAYMOND DEPARDON, 1962-1963 PHOTOGRAPHE MILITAIRE – exposição de 1° de Outubro de 2019 a 30 de Janeiro de 2020
Raymond Depardon, nascido em 1942, é um fotógrafo, diretor, jornalista e roteirista francês. Considerado um dos mestres do documentário, criou junto com Gilles Caron a agência fotográfica Gamma em 1966 e é membro da Magnum Photos desde 1979. Sua carreira como fotógrafo começou quando criança na fazenda da família em Villefranche-sur-Saône. Aos vinte anos, Raymond Depardon, freelancer da agência Dalmas, se destacou profissionalmente e publicou regularmente nos principais jornais e revistas nacionais: France-Soir, Paris Match, etc. Durante uma reportagem na Argélia, em 1960, ele conheceu fotógrafos militares que lhe deram a idéia de prestar o serviço militar na revista do exército. Designado para o escritório editorial parisiense da TAM (revista Terre Air Mer) no posto de brigadeiro em julho de 1962, Raymond Depardon descobre uma atmosfera de trabalho com liberdade, reunindo oficiais e recrutas do mundo das artes e do jornalismo. É esse seu trabalho, composto apenas por negativos e folhas de contato e preservado nos arquivos da TAM, que a exposição Raymond Depardon, fotógrafo militar nos revela. Uma nova faceta da carreira de Depardon: entre manobras militares, treinamentos ou eventos esportivos, assuntos sociais ou institucionais, o fotógrafo, apesar de estar em um serviço controlado, viveu sua arte com grande liberdade. Por conta da TAM, entre os meses de julho de 1962 e agosto de 1963, Raymond Depardon realizou um verdadeiro tour militar pela França, fotografias do solo, do céu e do mar, produzindo um panorama do território. Depardon traçou um inventário sensível da França dos anos sessenta. Ele é um autor total, sem fronteiras ou limites, uma testemunha sensível e comprometida com seu tempo, com os territórios que atravessou e os habitantes que encontrou. A exposição apresenta cerca de uma centena de fotografias. O percurso é enriquecido com documentos de arquivo, filmes e entrevistas audiovisuais, testemunhos da criação da TAM e da experiência do serviço militar.
Musée du Service de Santé des Armées École du Val-de-Grace - 1, place Alphonse Laveran, 75005 Paris
Raymond Depardon, nascido em 1942, é um fotógrafo, diretor, jornalista e roteirista francês. Considerado um dos mestres do documentário, criou junto com Gilles Caron a agência fotográfica Gamma em 1966 e é membro da Magnum Photos desde 1979. Sua carreira como fotógrafo começou quando criança na fazenda da família em Villefranche-sur-Saône. Aos vinte anos, Raymond Depardon, freelancer da agência Dalmas, se destacou profissionalmente e publicou regularmente nos principais jornais e revistas nacionais: France-Soir, Paris Match, etc. Durante uma reportagem na Argélia, em 1960, ele conheceu fotógrafos militares que lhe deram a idéia de prestar o serviço militar na revista do exército. Designado para o escritório editorial parisiense da TAM (revista Terre Air Mer) no posto de brigadeiro em julho de 1962, Raymond Depardon descobre uma atmosfera de trabalho com liberdade, reunindo oficiais e recrutas do mundo das artes e do jornalismo. É esse seu trabalho, composto apenas por negativos e folhas de contato e preservado nos arquivos da TAM, que a exposição Raymond Depardon, fotógrafo militar nos revela. Uma nova faceta da carreira de Depardon: entre manobras militares, treinamentos ou eventos esportivos, assuntos sociais ou institucionais, o fotógrafo, apesar de estar em um serviço controlado, viveu sua arte com grande liberdade. Por conta da TAM, entre os meses de julho de 1962 e agosto de 1963, Raymond Depardon realizou um verdadeiro tour militar pela França, fotografias do solo, do céu e do mar, produzindo um panorama do território. Depardon traçou um inventário sensível da França dos anos sessenta. Ele é um autor total, sem fronteiras ou limites, uma testemunha sensível e comprometida com seu tempo, com os territórios que atravessou e os habitantes que encontrou. A exposição apresenta cerca de uma centena de fotografias. O percurso é enriquecido com documentos de arquivo, filmes e entrevistas audiovisuais, testemunhos da criação da TAM e da experiência do serviço militar.
Musée du Service de Santé des Armées École du Val-de-Grace - 1, place Alphonse Laveran, 75005 Paris
A CIDADE DE SÈTE E O MUSEU PAUL VALERY
A cidade de Sète, a 30 minutos de Montpellier, está localizada entre o Mediterrâneo e o lago de Thau. Com seus típicos bairros atravessados por canais que refletem as fachadas coloridas das docas, Sète é um balneário concorrido. Conservou toda a autenticidade devido aos seus portos, em pleno coração da cidade. O cume do Monte Saint-Clair oferece uma vista da cidade, também chamada de "Veneza de Languedoc", devido à sua rede de canais. Localizado nas encostas do Monte Saint Clair, em um terraço com vista para o Cemitério Marinho e o Mediterrâneo, o Museu Paul Valéry tem uma vista e localização excepcionais. Sua arquitetura projetada pelo arquiteto Guy Guillaume data do início dos anos 70 e se encaixa na lógica dos edifícios de Corbusier. Os jardins circundantes apresentam regularmente eventos ao ar livre. As coleções do museu abrangem cerca de 8.000 obras. A coleção de Belas Artes é composta de obras do século XVII até os dias de hoje complementadas por outras coleções sendo uma de Paul Valéry, o grande poeta da modernidade.
Musée Paul Valery - 148 Rue François Desnoyer, 34200 Sète
museepaulvalery-sete.fr
A cidade de Sète, a 30 minutos de Montpellier, está localizada entre o Mediterrâneo e o lago de Thau. Com seus típicos bairros atravessados por canais que refletem as fachadas coloridas das docas, Sète é um balneário concorrido. Conservou toda a autenticidade devido aos seus portos, em pleno coração da cidade. O cume do Monte Saint-Clair oferece uma vista da cidade, também chamada de "Veneza de Languedoc", devido à sua rede de canais. Localizado nas encostas do Monte Saint Clair, em um terraço com vista para o Cemitério Marinho e o Mediterrâneo, o Museu Paul Valéry tem uma vista e localização excepcionais. Sua arquitetura projetada pelo arquiteto Guy Guillaume data do início dos anos 70 e se encaixa na lógica dos edifícios de Corbusier. Os jardins circundantes apresentam regularmente eventos ao ar livre. As coleções do museu abrangem cerca de 8.000 obras. A coleção de Belas Artes é composta de obras do século XVII até os dias de hoje complementadas por outras coleções sendo uma de Paul Valéry, o grande poeta da modernidade.
Musée Paul Valery - 148 Rue François Desnoyer, 34200 Sète
museepaulvalery-sete.fr
Rosa Gérald Van Der Kemp
A ROSA GERALD VAN DER KEMP – jardins da Fundação Claude Monet
Uma nova variedade de rosa vem enriquecer o maravilhoso jardim de Giverny. Uma espécie de rosa esplêndida e polpuda que oferece a delicadeza e elegância de cerca de cinquenta pétalas cor-de-rosa com uma fragrância intensa. Concebida pelos viveiros e jardins de rosas Paul Croix, um estabelecimento criado em 1819, doada à Fundação Claude Monet, foi batizada com o nome de Gérald Van der Kemp, antigo diretor da fundação. Uma homenagem a essa grande figura. VDK, como era chamado, foi encarregado, de 1953 a 1980, da conservação do Château de Versailles e dos Trianons, onde liderou campanhas de restauração e restituição muito aclamadas. Para encontrar os fundos necessários para a realização de seus projetos, Gérald Van der Kemp, personalidade da vida social parisiense, com a ajuda de sua segunda esposa americana, solicitou suas relações na alta sociedade internacional e recebeu o apoio de muitos patronos e bilionários americanos. Ele foi o precursor do patrocínio moderno. Como o dinheiro público era escasso, ele trabalhou para convencer os maiores colecionadores do mundo da necessidade absoluta de apoiar e financiar a restauração do Château de Versailles. Além de Versalhes, este homem excepcional permitiu o renascimento da casa de Claude Monet de Giverny. A partir de 1976 e a pedido da Academia de Belas-Artes da qual ele foi membro, ele liderou a restauração da casa e dos jardins de Claude Monet
tirando o jardim de seu estado de abandono com a ajuda de sua esposa Florence. Uma rosa magnífica em homenagem a um homem excepcional.
Fondation Claude Monet - 84 Rue Claude Monet, 27620 Giverny
Uma nova variedade de rosa vem enriquecer o maravilhoso jardim de Giverny. Uma espécie de rosa esplêndida e polpuda que oferece a delicadeza e elegância de cerca de cinquenta pétalas cor-de-rosa com uma fragrância intensa. Concebida pelos viveiros e jardins de rosas Paul Croix, um estabelecimento criado em 1819, doada à Fundação Claude Monet, foi batizada com o nome de Gérald Van der Kemp, antigo diretor da fundação. Uma homenagem a essa grande figura. VDK, como era chamado, foi encarregado, de 1953 a 1980, da conservação do Château de Versailles e dos Trianons, onde liderou campanhas de restauração e restituição muito aclamadas. Para encontrar os fundos necessários para a realização de seus projetos, Gérald Van der Kemp, personalidade da vida social parisiense, com a ajuda de sua segunda esposa americana, solicitou suas relações na alta sociedade internacional e recebeu o apoio de muitos patronos e bilionários americanos. Ele foi o precursor do patrocínio moderno. Como o dinheiro público era escasso, ele trabalhou para convencer os maiores colecionadores do mundo da necessidade absoluta de apoiar e financiar a restauração do Château de Versailles. Além de Versalhes, este homem excepcional permitiu o renascimento da casa de Claude Monet de Giverny. A partir de 1976 e a pedido da Academia de Belas-Artes da qual ele foi membro, ele liderou a restauração da casa e dos jardins de Claude Monet
tirando o jardim de seu estado de abandono com a ajuda de sua esposa Florence. Uma rosa magnífica em homenagem a um homem excepcional.
Fondation Claude Monet - 84 Rue Claude Monet, 27620 Giverny
Thomas Gainsborough
Lady Bate-Dudley
em torno de 1787
oleo em tela
221 × 145,5 cm
Tate : colleção particular, em deposito na Tate
Britain desde 1989
© Tate, London, 2019
L’Âge d’or de la peinture anglaise, de Reynolds à Turner - exposição de 11 de Setembro de 2019 a 16 de Fevereiro de 2020
O longo reinado de George III, que durou de 1760 a 1820, estabeleceu-se na história da Grã-Bretanha como um período decisivo de transformação social, de afirmação do país na cena internacional e de desenvolvimento artístico e cultural. É à luz de todos estas evoluções que a exposição « A Era de ouro da pintura inglesa, de Reynolds a Turner » pretende apresenta-la. A exposição abre com um confronto entre os mestres do retrato Reynolds e Gainsborough, que competiram para elevar o gênero a novos níveis de inovação visual e intelectual. Eles puderam honrar os grandes mestres, enquanto demonstravam grande discernimento psicológico e um domínio da pintura constantemente reinventado. As ambições intelectuais e as referências históricas de Reynolds contrastam com o imediatismo e a facilidade pictórica de Gainsborough, que redefiniram a arte britânica e elevaram a nova geração a novos patamares. Sua influência duradoura é demonstrada através de uma seleção de grandes retratos feitos por seus concorrentes diretos ou por seus seguidores, principalmente atraídos pela nova Academia Real, incluindo John Hopper, William Beechey e Thomas Lawrence. Apoiada pelo rei, mas também e principalmente pelos atores do comércio e da indústria, a pintura britânica floresceu em uma variedade de estilos, que foram então percebidos pelos contemporâneos como o sinal de uma era de ouro artística. Os temas então em voga eram abordados, tais como linhagem, família e lar em retratos e pintura de gênero. As representações da família e da inocência infantil ilustram uma nova compreensão da natureza e da emoção. A seção seguinte desenvolve este tema centrando-se em pinturas que retratam a vida cotidiana, em particular a vida rural. Outra seção ilustra a presença da Grã-Bretanha na Índia e no Caribe, lembrando que o progresso artístico e cultural do país foi essencialmente baseado na exploração política e comercial de territórios ultramarinos, enquanto uma seleção de obras em papel mostra o tremendo crescimento na Inglaterra de outra forma de expressão pictórica: a aquarela, que permite que muitos artistas se destaquem, atendendo às necessidades de uma nova sociedade de amadores.
Musée du Luxembourg - 19, rue Vaugirard, 75006 Paris
https://museeduluxembourg.fr/ expositions/lage-dor-de-la-peintureanglaise
O longo reinado de George III, que durou de 1760 a 1820, estabeleceu-se na história da Grã-Bretanha como um período decisivo de transformação social, de afirmação do país na cena internacional e de desenvolvimento artístico e cultural. É à luz de todos estas evoluções que a exposição « A Era de ouro da pintura inglesa, de Reynolds a Turner » pretende apresenta-la. A exposição abre com um confronto entre os mestres do retrato Reynolds e Gainsborough, que competiram para elevar o gênero a novos níveis de inovação visual e intelectual. Eles puderam honrar os grandes mestres, enquanto demonstravam grande discernimento psicológico e um domínio da pintura constantemente reinventado. As ambições intelectuais e as referências históricas de Reynolds contrastam com o imediatismo e a facilidade pictórica de Gainsborough, que redefiniram a arte britânica e elevaram a nova geração a novos patamares. Sua influência duradoura é demonstrada através de uma seleção de grandes retratos feitos por seus concorrentes diretos ou por seus seguidores, principalmente atraídos pela nova Academia Real, incluindo John Hopper, William Beechey e Thomas Lawrence. Apoiada pelo rei, mas também e principalmente pelos atores do comércio e da indústria, a pintura britânica floresceu em uma variedade de estilos, que foram então percebidos pelos contemporâneos como o sinal de uma era de ouro artística. Os temas então em voga eram abordados, tais como linhagem, família e lar em retratos e pintura de gênero. As representações da família e da inocência infantil ilustram uma nova compreensão da natureza e da emoção. A seção seguinte desenvolve este tema centrando-se em pinturas que retratam a vida cotidiana, em particular a vida rural. Outra seção ilustra a presença da Grã-Bretanha na Índia e no Caribe, lembrando que o progresso artístico e cultural do país foi essencialmente baseado na exploração política e comercial de territórios ultramarinos, enquanto uma seleção de obras em papel mostra o tremendo crescimento na Inglaterra de outra forma de expressão pictórica: a aquarela, que permite que muitos artistas se destaquem, atendendo às necessidades de uma nova sociedade de amadores.
Musée du Luxembourg - 19, rue Vaugirard, 75006 Paris
https://museeduluxembourg.fr/ expositions/lage-dor-de-la-peintureanglaise
Discussion, 2018 @ Roger Ballen
LE MONDE SELON ROGER BALLEN – exposição de 7 de Setembro a2019 a 31 de Julho de 2020
Roger Ballen nasceu em Nova York em 1950 e vive na África do Sul há mais de 30 anos. Em 1973, Ballen deixou os Estados Unidos para uma viagem de cinco anos pelo mundo. Retornando aos Estados Unidos em 1977, Ballen completou seu primeiro livro de fotos, Boyhood (1979) - uma visão pessoal do tema atemporal da infância - e obteve seu PhD em geologia em 1981. No ano seguinte, mudou-se para a África do Sul. O seu trabalho como geólogo permitiu-lhe descobrir o mundo desolado dos subúrbios e campos remotos e o levou, com a ajuda de sua câmara, a explorar o mundo oculto das pequenas cidades sul-africanas, conhecer pessoas, e descobrir um mundo completamente diferente nos interiores dessas casas, o que teria um efeito indelével em seu trabalho. Esses interiores e os ocupantes desses mundos fechados permitiram-lhe desenvolver a sua crítica social. Em Dorps, Small Towns of South Africa (1986), Ballen mostra estas pequenas cidades sul-africanas em pleno declínio, com suas arquiteturas e habitantes. Ele registra as anomalias visuais e culturais como sinais de uma cultura moribunda. Com Platteland (1994), ele retrata o mundo rural durante o apartheid. A fotografia de Roger Ballen explora a profundeza da alma humana, a marca deixada pelo mundo que perdeu o senso de equilíbrio. Outland em 2001, Shadow Chamber em 2005 e Boarding House em 2009 marcam a clara implementação de um estilo e vocabulário únicos. Ballen introduz a encenação onde projeta esta vertigem existencial. Roger Ballen reina sobre o mundo preto e branco da psique humana. Perturbador, provocador e enigmático, o trabalho do fotógrafo exprime o sentimento de confusão do homem perante o absurdo da sua existência e do próprio mundo.
Halle Saint Pierre - 2, rue Ronsard - 75018 Paris
hallesaintpierre.org
Roger Ballen nasceu em Nova York em 1950 e vive na África do Sul há mais de 30 anos. Em 1973, Ballen deixou os Estados Unidos para uma viagem de cinco anos pelo mundo. Retornando aos Estados Unidos em 1977, Ballen completou seu primeiro livro de fotos, Boyhood (1979) - uma visão pessoal do tema atemporal da infância - e obteve seu PhD em geologia em 1981. No ano seguinte, mudou-se para a África do Sul. O seu trabalho como geólogo permitiu-lhe descobrir o mundo desolado dos subúrbios e campos remotos e o levou, com a ajuda de sua câmara, a explorar o mundo oculto das pequenas cidades sul-africanas, conhecer pessoas, e descobrir um mundo completamente diferente nos interiores dessas casas, o que teria um efeito indelével em seu trabalho. Esses interiores e os ocupantes desses mundos fechados permitiram-lhe desenvolver a sua crítica social. Em Dorps, Small Towns of South Africa (1986), Ballen mostra estas pequenas cidades sul-africanas em pleno declínio, com suas arquiteturas e habitantes. Ele registra as anomalias visuais e culturais como sinais de uma cultura moribunda. Com Platteland (1994), ele retrata o mundo rural durante o apartheid. A fotografia de Roger Ballen explora a profundeza da alma humana, a marca deixada pelo mundo que perdeu o senso de equilíbrio. Outland em 2001, Shadow Chamber em 2005 e Boarding House em 2009 marcam a clara implementação de um estilo e vocabulário únicos. Ballen introduz a encenação onde projeta esta vertigem existencial. Roger Ballen reina sobre o mundo preto e branco da psique humana. Perturbador, provocador e enigmático, o trabalho do fotógrafo exprime o sentimento de confusão do homem perante o absurdo da sua existência e do próprio mundo.
Halle Saint Pierre - 2, rue Ronsard - 75018 Paris
hallesaintpierre.org
Etienne Robial com Bernard Ciccolini, (A Suivre), número zero e direção artística, Ilustração de capa Jacques Tardi, 1977
ETIENNE AU CARRE – exposição de 5 de Setembro a 15 de Dezembro de 2019
Etienne au quadrado é a exposição que o MABA dedica ao editor de quadrinhos, designer gráfico, professor e diretor de arte francês Etienne Robial, como parte de sua temporada dedicada ao design gráfico. Robial é uma personalidade atípica no universo do grafismo francês. Nascido em Rouen em 1945, Étienne Robial estudou na Escola de Belas-Artes local e na École des arts et métiers de Vevey, onde aprendeu a arte do design gráfico. Fêz a sua estreia profissional como diretor artístico da Barclay realizando mais de 300 capas de disco. Em 1972, Robial e amigos compraram a livraria Futuropolis tornando-a a primeira livraria de quadrinhos francesa. Em 1974, a livraria torna-se uma editora especializada em histórias em quadrinhos e na reedição de clássicos. Futuropolis se distingue pelo cuidado meticuloso no design de seus álbuns, desde a tipografia até a gramatura do papel. Robial acredita que a história em quadrinhos deve ser um objeto em si, não um mero recipiente e procura sistematicamente destacar o nome do autor. Ele projeta a maquete e o logotipo de Métal Hurlant, uma revista de ficção científica em quadrinhos que rapidamente se estabelece no cenário mundial dos quadrinhos. A partir de 1982 Robial realiza um trabalho gráfico para a televisão. Ele impõe uma linha marcada pela legibilidade, equilíbrio e geometria. Uma personagem de vanguarda, ele acompanhou o punk francês e a contracultura no país. Em uma cenografia original feita especificamente para a exposição, o percurso se desenrola sobre o princípio da grade e do formato.
MABA - 16, rue Charles VII, 94130 Nogent-sur-Marne
Clique aqui para editar.
Etienne au quadrado é a exposição que o MABA dedica ao editor de quadrinhos, designer gráfico, professor e diretor de arte francês Etienne Robial, como parte de sua temporada dedicada ao design gráfico. Robial é uma personalidade atípica no universo do grafismo francês. Nascido em Rouen em 1945, Étienne Robial estudou na Escola de Belas-Artes local e na École des arts et métiers de Vevey, onde aprendeu a arte do design gráfico. Fêz a sua estreia profissional como diretor artístico da Barclay realizando mais de 300 capas de disco. Em 1972, Robial e amigos compraram a livraria Futuropolis tornando-a a primeira livraria de quadrinhos francesa. Em 1974, a livraria torna-se uma editora especializada em histórias em quadrinhos e na reedição de clássicos. Futuropolis se distingue pelo cuidado meticuloso no design de seus álbuns, desde a tipografia até a gramatura do papel. Robial acredita que a história em quadrinhos deve ser um objeto em si, não um mero recipiente e procura sistematicamente destacar o nome do autor. Ele projeta a maquete e o logotipo de Métal Hurlant, uma revista de ficção científica em quadrinhos que rapidamente se estabelece no cenário mundial dos quadrinhos. A partir de 1982 Robial realiza um trabalho gráfico para a televisão. Ele impõe uma linha marcada pela legibilidade, equilíbrio e geometria. Uma personagem de vanguarda, ele acompanhou o punk francês e a contracultura no país. Em uma cenografia original feita especificamente para a exposição, o percurso se desenrola sobre o princípio da grade e do formato.
MABA - 16, rue Charles VII, 94130 Nogent-sur-Marne
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Shayna Leib - Mil folhas - Foto © Eric Tadsen
CÉRAMIQUES GOURMANDES – exposição de 22 de junho de 2019 a 28 de Março de 2020 na cidade de Limoges
Em Limoges, a cidade da porcelana, a Fundação Bernardaud expõe as obras de 14 artistas ceramistas internacionais. Suas obras são inspiradas da gulodice, tema que entusiamou os artistas de todas as épocas. O questionamento sobre a alimentação na sociedade atual é uma preocupação de muitos artistas. O artista coreano Jae Yong Kim expõe um grande painel com donuts extravagantement coloridos abordando o problema do consumo de massa. As sobremesas nas Cerâmicas Gulosas parecem mais naturais do que as verdadeiras. Uma montanha de docinhos com creme amontoam-se numa verdadeira orgia de desejos no trabalho de Anna Barlow contando uma historia de fantasia e tentação. Casquinhas de sorvetes são esmagadas contra as paredes, vestígios de uma batalha ou de um grande desperdício na obra de Charlotte Coquen. O questionamento sobre a identidade cultural se expressa no trabalho da japonesa Yuko Kuramatsu através da memória da cozinha de sua infância, da cerimônia do chá na obra da coreana Dong Won Shin e dos rituais culinários nas criações da mexicana Christina Erives. Os legumes e frutas imaginárias de Kori Kurihara são de uma grande poesia como o trabalho da francesa Marie Rancillac com frutas e legumes de uma grande beleza plástica. A obra de Chris Antemann é inspirada da estética das figuras de porcelana do século XVIII e ela simula as relações socias ou de sedução entre os homens e as mulheres. Bachelot e Caron evocam a questão da alimentação como prazer e tragédia. Seja através do humor ou da contestação as obras são verdadeiros banquetes de proezas técnicas e um grande prazer para os olhos.
Fondation d’entreprise Bernardaud – 27, avenue Albert Thomas - LIMOGES
Em Limoges, a cidade da porcelana, a Fundação Bernardaud expõe as obras de 14 artistas ceramistas internacionais. Suas obras são inspiradas da gulodice, tema que entusiamou os artistas de todas as épocas. O questionamento sobre a alimentação na sociedade atual é uma preocupação de muitos artistas. O artista coreano Jae Yong Kim expõe um grande painel com donuts extravagantement coloridos abordando o problema do consumo de massa. As sobremesas nas Cerâmicas Gulosas parecem mais naturais do que as verdadeiras. Uma montanha de docinhos com creme amontoam-se numa verdadeira orgia de desejos no trabalho de Anna Barlow contando uma historia de fantasia e tentação. Casquinhas de sorvetes são esmagadas contra as paredes, vestígios de uma batalha ou de um grande desperdício na obra de Charlotte Coquen. O questionamento sobre a identidade cultural se expressa no trabalho da japonesa Yuko Kuramatsu através da memória da cozinha de sua infância, da cerimônia do chá na obra da coreana Dong Won Shin e dos rituais culinários nas criações da mexicana Christina Erives. Os legumes e frutas imaginárias de Kori Kurihara são de uma grande poesia como o trabalho da francesa Marie Rancillac com frutas e legumes de uma grande beleza plástica. A obra de Chris Antemann é inspirada da estética das figuras de porcelana do século XVIII e ela simula as relações socias ou de sedução entre os homens e as mulheres. Bachelot e Caron evocam a questão da alimentação como prazer e tragédia. Seja através do humor ou da contestação as obras são verdadeiros banquetes de proezas técnicas e um grande prazer para os olhos.
Fondation d’entreprise Bernardaud – 27, avenue Albert Thomas - LIMOGES
Cité de l’Économie © Charlotte Donker
CITÉCO – a Cidade da Economia
A Cidade da Economia, Citéco, é o primeiro museu interativo europeu dedicado à economia
com uma missão educativa e pedagógica. Situado no centro de Paris, no Hôtel Gaillard, uma mansão do século XIX, residência do banqueiro Émile Gaillard e obra-prima da arquitetura neo-renascentista classificada como Monumento Histórico, o edifício reflete o status social de seu proprietário e seus gostos artísticos. Em 1923, a Banque de France adquiriu a mansão, estabelecendo uma de suas sucursais. O primeiro desafio do museu foi o de adaptar a sua cenografia nos antigos aposentos de uma mansão particular e nos espaços de uma agência bancária. A exposição permanente ocupa 2.400 m2, abrangendo a extraordinária riqueza patrimonial do Hôtel Gaillard ao longo de várias salas emblemáticas, incluindo o Gabinete do Director, o Salão de Baile e a antiga sala dos cofres rodeada por um fosso de 5 metros de profundidade cheio de água. O percurso museal aborda as noções econômicas passo a passo em francês, inglês e espanhol em seis sequências: trocas, atores, mercados, instabilidades, regulações e tesouro. A cenografia surpreende, convida a ler e a participar de forma lúdica com uma grande diversidade de abordagens: vídeos originais, jogos multimídia individuais e coletivos, manipulações interativas. A museografia interativa e sua oferta cultural visam seduzir todos os públicos.
CITÉCO - 1, place du Général-Catroux 75017 Paris
A Cidade da Economia, Citéco, é o primeiro museu interativo europeu dedicado à economia
com uma missão educativa e pedagógica. Situado no centro de Paris, no Hôtel Gaillard, uma mansão do século XIX, residência do banqueiro Émile Gaillard e obra-prima da arquitetura neo-renascentista classificada como Monumento Histórico, o edifício reflete o status social de seu proprietário e seus gostos artísticos. Em 1923, a Banque de France adquiriu a mansão, estabelecendo uma de suas sucursais. O primeiro desafio do museu foi o de adaptar a sua cenografia nos antigos aposentos de uma mansão particular e nos espaços de uma agência bancária. A exposição permanente ocupa 2.400 m2, abrangendo a extraordinária riqueza patrimonial do Hôtel Gaillard ao longo de várias salas emblemáticas, incluindo o Gabinete do Director, o Salão de Baile e a antiga sala dos cofres rodeada por um fosso de 5 metros de profundidade cheio de água. O percurso museal aborda as noções econômicas passo a passo em francês, inglês e espanhol em seis sequências: trocas, atores, mercados, instabilidades, regulações e tesouro. A cenografia surpreende, convida a ler e a participar de forma lúdica com uma grande diversidade de abordagens: vídeos originais, jogos multimídia individuais e coletivos, manipulações interativas. A museografia interativa e sua oferta cultural visam seduzir todos os públicos.
CITÉCO - 1, place du Général-Catroux 75017 Paris
La Piscine © A. Leprince M.A.I.A.D. Roubaix
LA PISCINE – o museu de artes e indústria da cidade de Roubaix
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
Atelier des Lumières ©Culturespaces/E.Spiller
ATELIER DES LUMIERES
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Simulação Van Gogh, A noite estrelada © Culturespaces/Gianfranco Iannuzzi
VAN GOGH – A NOITE ESTRELADA – exposição de 22 de Fevereiro a 31 de Dezembro de 2019
A nova exposição digital do Atelier des Lumières propõe uma imersão nas pinturas de Vincent van Gogh (1853-1890), o pintor holandês, cujo genialidade não foi reconhecida durante a sua vida. Preenchendo todo o espaço do Atelier, essa nova criação visual e sonora retraça a vida atormentada do artista que, durante os dez últimos anos de sua vida, pintou mais de dois mil quadros que se encontram agora espalhados pelo mundo. A exposição percorre toda a imensa produção do artista que evoluiu radicalmente com o percorrer dos anos. Desde suas pinturas holandesas como Os comedores de batatas até sua produção na cidade de Arles no sul da França tal os Girassóis, o Quarto de dormir e A Noite Estrelada. A exposição revela as pinceladas expressivas de Van Gogh e o espaço se ilumina com as cores audaciosas de suas pinturas. As tonalidades escuras se avivam com a presença das cores claras e quentes, A exposição evoca o mundo interior poético e caótico desse imenso pintor e ressalta o permanente diálogo entre a luz e a sombra.
Atelier des Lumières – 38, rue Saint Maur – 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
A nova exposição digital do Atelier des Lumières propõe uma imersão nas pinturas de Vincent van Gogh (1853-1890), o pintor holandês, cujo genialidade não foi reconhecida durante a sua vida. Preenchendo todo o espaço do Atelier, essa nova criação visual e sonora retraça a vida atormentada do artista que, durante os dez últimos anos de sua vida, pintou mais de dois mil quadros que se encontram agora espalhados pelo mundo. A exposição percorre toda a imensa produção do artista que evoluiu radicalmente com o percorrer dos anos. Desde suas pinturas holandesas como Os comedores de batatas até sua produção na cidade de Arles no sul da França tal os Girassóis, o Quarto de dormir e A Noite Estrelada. A exposição revela as pinceladas expressivas de Van Gogh e o espaço se ilumina com as cores audaciosas de suas pinturas. As tonalidades escuras se avivam com a presença das cores claras e quentes, A exposição evoca o mundo interior poético e caótico desse imenso pintor e ressalta o permanente diálogo entre a luz e a sombra.
Atelier des Lumières – 38, rue Saint Maur – 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
FUNDAÇÃO PIERRE GIANADDA, Martigny, Suiça
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Telhado do Grande Arco da Défense, visto do drone © Riad Kneife
LA GRANDE ARCHE DE LA DEFENSE
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
Centro de Criação Contemporânea Olivier Debré (CCCOD) em Tours
CENTRE DE CREATION CONTEMPORAINE OLIVIER DEBRE (CCC OD) - cidade de Tours
Tours, cidade de história, arte e cultura situada no vale do Loire, inaugura em pleno coração da cidade, o novo centro de arte contemporânea Olivier Debré. O edifício dos anos 50 préexistente, emblemático de um patrimônio arquitetural e expressão da memória coletiva, foi preservado e completado pela proposição original da agência dos irmãos arquitetos portugueses Manuel e Francisco Aires Mateus - um novo volume com revestimento de pedra que se eleva acima de uma galeria de vidro. O interior compõ-se de três núcleos principais : uma nave visível em permanência do exterior, uma galeria branca, o white cub, um espaço de grandes volumes que recebe luz a partir de uma iluminação zenital indireta. E a galeria escura, que oferece a possibilidade de um escuro total, um pedido que tornou-se recorrente nas práticas de exposições contemporâneas (videos, obras luminosas, digital…). Pequenas galerias, em torno das duas grandes, oferecem outros espaços de exposição. Dois auditórios acolherão conferências e projeções. A livraria propõe uma seleção de livros de arte e no primeiro andar o Café será um ponto de encontro de referência da cidade. A arquitetura do CCC OD é luminosa, sóbria e de agradável percurso.
CCC OD - Jardin François 1er, 37000 Tours
www.cccod.fr
Tours, cidade de história, arte e cultura situada no vale do Loire, inaugura em pleno coração da cidade, o novo centro de arte contemporânea Olivier Debré. O edifício dos anos 50 préexistente, emblemático de um patrimônio arquitetural e expressão da memória coletiva, foi preservado e completado pela proposição original da agência dos irmãos arquitetos portugueses Manuel e Francisco Aires Mateus - um novo volume com revestimento de pedra que se eleva acima de uma galeria de vidro. O interior compõ-se de três núcleos principais : uma nave visível em permanência do exterior, uma galeria branca, o white cub, um espaço de grandes volumes que recebe luz a partir de uma iluminação zenital indireta. E a galeria escura, que oferece a possibilidade de um escuro total, um pedido que tornou-se recorrente nas práticas de exposições contemporâneas (videos, obras luminosas, digital…). Pequenas galerias, em torno das duas grandes, oferecem outros espaços de exposição. Dois auditórios acolherão conferências e projeções. A livraria propõe uma seleção de livros de arte e no primeiro andar o Café será um ponto de encontro de referência da cidade. A arquitetura do CCC OD é luminosa, sóbria e de agradável percurso.
CCC OD - Jardin François 1er, 37000 Tours
www.cccod.fr
Confluentia, de Bina Baitel. Tecelagem Atelier Françoise Vernaudon © Eric Roger/Cité Internationale de la Tapisserie
CITE INTERNATIONALE DE LA TAPISSERIE em Aubusson
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
CHATEAU DU CLOS LUCE
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
www.vinci-closluce.com
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
www.vinci-closluce.com
Jardins de Valloires © R. Duthilleul SMBS -GLP
JARDINS DE VALLOIRES na Picardia
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Abadia de Auberive - ala oeste
L’ABBAYE DE L’AUBERIVE
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Les Caves du Louvre
LES CAVES DU LOUVRE
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
"Axis Mundi" de Charles Sandison
MUDO – Musée de l’Oise – Beauvais
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
Abadia de Royaumont
Abadia e Fundação Royaumont – cerca de 35 km ao norte de Paris
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
Parc du Petit Prince
Parc du Petit Prince – Parque do Pequeno Príncipe – Alsácia
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.
Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
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Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.
Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
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Château de Chaumont sur Loire
©E. Sander
Château de Chaumont sur Loire – a menos de duas horas de
Paris
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
Domaine de Villarceaux
Dominio de Villarceaux - cercanias de Paris
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
Villa des Brillants à Meudon
Musée Rodin – Villa des Brillants – Meudon (a 20 minutos de Paris)
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
