Stèles © Patrick Tourneboeuf
LES PHOTAUMNALES – exposição de 15 de Setembro a 31 de Dezembro de 2018
Photaumnales é um festival fotográfico organizado pela Associação Diaphane, dedicada a difundir a cultura fotográfica na região da Picardia. O Festival acontece na cidade de Beauvais, a cerca de uma hora de Paris, e "Onde mora a memória" constitui o tema desta 15° edição. Nesse ano em que se comemoram, entre outros eventos, os 100 anos do fim da Primeira Guerra Mundial, os 50 anos das revoltas estudantis de 1968, o trabalho dos 27 fotógrafos convidados, cada um com um estilo diferente, tenta mostrar como a imagem constrói um imaginário coletivo que acompanha a evolução da paisagem. O fotógrafo Ambroise Tezenas visita lugares marcados pela tragédia e seu trabalho é impactante. Ele destaca essa nova forma de turismo, com suas lojinhas de lembranças e a busca de sensações em lugares de puro pesadelo. Sibyl Bergemann (1941-2010), líder da renovação da fotografia alemã, está presente com uma reportagem sobre a edificação do Forum Marx-Engels na ex-Alemanhã do leste cujas etapas, observando de trás para frente, já anunciam irônicamente o desmantelamento desses monumentos alguns anos depois. Outros fotógrafos, com sensibilidade e poesia, se dedicam a reproduzir as marcas que a História deixa na paisagem. No sereno vídeo de Hélène Marcoz uma paisagem é filmada durante um ano com o mesmo enquadramento para coletar uma memória. Como parte do intercâmbio de Photaumnales com outros festivais fotográficos, essa edição apresenta uma seleção da bela reportagem This is Vilnius de Andrej Vasilenko que evoca com emoção o êxodo rural na Lituania.
Um festival que permite descobrir a multiplicidade de abordagens artísticas e entender melhor a linguagem das imagens.
le quadrilatère - 22 rue Saint-Pierre, Beauvais
www.culture.beauvais.fr
Photaumnales é um festival fotográfico organizado pela Associação Diaphane, dedicada a difundir a cultura fotográfica na região da Picardia. O Festival acontece na cidade de Beauvais, a cerca de uma hora de Paris, e "Onde mora a memória" constitui o tema desta 15° edição. Nesse ano em que se comemoram, entre outros eventos, os 100 anos do fim da Primeira Guerra Mundial, os 50 anos das revoltas estudantis de 1968, o trabalho dos 27 fotógrafos convidados, cada um com um estilo diferente, tenta mostrar como a imagem constrói um imaginário coletivo que acompanha a evolução da paisagem. O fotógrafo Ambroise Tezenas visita lugares marcados pela tragédia e seu trabalho é impactante. Ele destaca essa nova forma de turismo, com suas lojinhas de lembranças e a busca de sensações em lugares de puro pesadelo. Sibyl Bergemann (1941-2010), líder da renovação da fotografia alemã, está presente com uma reportagem sobre a edificação do Forum Marx-Engels na ex-Alemanhã do leste cujas etapas, observando de trás para frente, já anunciam irônicamente o desmantelamento desses monumentos alguns anos depois. Outros fotógrafos, com sensibilidade e poesia, se dedicam a reproduzir as marcas que a História deixa na paisagem. No sereno vídeo de Hélène Marcoz uma paisagem é filmada durante um ano com o mesmo enquadramento para coletar uma memória. Como parte do intercâmbio de Photaumnales com outros festivais fotográficos, essa edição apresenta uma seleção da bela reportagem This is Vilnius de Andrej Vasilenko que evoca com emoção o êxodo rural na Lituania.
Um festival que permite descobrir a multiplicidade de abordagens artísticas e entender melhor a linguagem das imagens.
le quadrilatère - 22 rue Saint-Pierre, Beauvais
www.culture.beauvais.fr
Joan Miró
Mulheres e pássaros na noite
5 mai 1947
oléo sobre tela
73 x 92 cm
États-Unis, New York
Calder Foundation
© Successió Miró / Adagp, Paris 2018
Foto Calder Foundation, New York / Art
Resource, NY.
MIRÓ – exposição de 3 de outubro de 2018 a 4 de Fevereiro de 2019
A criação artística do catalão Miró (1893-1983) semea a arte de todo o século XX, com seu poder e sua poesia. Em uma cenografia que lembra o universo mediterrâneo de Miró, mais de 150 obras entre pinturas, desenhos, cerâmicas, esculturas e livros ilustrados estarão reunidas destacando o itinerário do artista marcado por renovações incessantes. A exposição exibe suas obras fauvistas, cubistas e surrealistas para as quais Miró inventou um mundo poético, até então desconhecido na pintura do século XX. Estes períodos mostram o questionamento do artista, suas pesquisas e sua paleta de cores e um vocabulário de formas incomuns e novas. Sua arte se enraiza na vida cotidiana e faz emerger um mundo até então desconhecido onde os sonhos do criador ocupam um lugar privilegiado. A ascensão do fascismo na década de 1930 fez com que ele se envolvesse em uma luta pela liberdade. Representações selvagens ilustram o poder estranho e sem precedentes que ele dá ao seu trabalho nesses momentos de extrema tensão. Na década de 1940, Constelações, uma série de pequeno formato executadas em Varengeville-sur-Mer, na Normandia, dialoga com os sonhos não realizados. Suas esculturas em cerâmica também refletem o mundo entre realidade e devaneio. Através de formas simplificadas, Miró constrói um mundo encantador.
Grand Palais
www.grandpalais.fr
A criação artística do catalão Miró (1893-1983) semea a arte de todo o século XX, com seu poder e sua poesia. Em uma cenografia que lembra o universo mediterrâneo de Miró, mais de 150 obras entre pinturas, desenhos, cerâmicas, esculturas e livros ilustrados estarão reunidas destacando o itinerário do artista marcado por renovações incessantes. A exposição exibe suas obras fauvistas, cubistas e surrealistas para as quais Miró inventou um mundo poético, até então desconhecido na pintura do século XX. Estes períodos mostram o questionamento do artista, suas pesquisas e sua paleta de cores e um vocabulário de formas incomuns e novas. Sua arte se enraiza na vida cotidiana e faz emerger um mundo até então desconhecido onde os sonhos do criador ocupam um lugar privilegiado. A ascensão do fascismo na década de 1930 fez com que ele se envolvesse em uma luta pela liberdade. Representações selvagens ilustram o poder estranho e sem precedentes que ele dá ao seu trabalho nesses momentos de extrema tensão. Na década de 1940, Constelações, uma série de pequeno formato executadas em Varengeville-sur-Mer, na Normandia, dialoga com os sonhos não realizados. Suas esculturas em cerâmica também refletem o mundo entre realidade e devaneio. Através de formas simplificadas, Miró constrói um mundo encantador.
Grand Palais
www.grandpalais.fr
Giandomenico TIEPOLO
Scène de carnaval ou Le Menuet
1754-1755
huile sur toile
80,5 x 105 cm
Paris, Musée du Louvre, Département des Peintures
photo © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) /
Franck Raux
III. LE MYTHE DE VENISE
Francesco GUARDI
La Piazza San Marco pendant la fête de l’Ascension
1777
huile sur toile
61 x 91 cm
Lisbonne, Museu Calouste Gulbenkian
© Calouste Gulbenkian Foundation, Lisbon
Calouste Gulbenkian Museum - Founder’s
Giandomenico TIEPOLO
EBLOUISSANTE VENISE, les arts et l’Europe au XVIII siècle – exposição de 26 de Setembro de 2018 a 21 de Janeiro de 2019
Herdeira de uma tradição multisecular, a civilização veneziana brilha em toda sua glória no início do século XVIII, no campo das artes plásticas, artes decorativas, música e ópera. Graças à presença de grandes talentos, entre os quais, os pintores Piazzetta e Giambattista Tiepolo, Canaletto, os escultores Brustolon e Corradini, Veneza cultiva um luxo e estética únicos. Vive-se a música intensamente através das criações de compositores como Porpora, Hasse, Vivaldi, servido por cantores de renome internacional como o castrato Farinelli ou a soprano Faustina Bordoni. Nos "Ospedali", as meninas órfãs ou pobres recebem uma educação musical completa e seu virtuosismo as torna famosas em toda a Europa. Na cidade durante o Carnaval, drama e comédia são onipresentes.
Ao longo do século XVIII, o mito de Veneza, cidade única por sua história, sua arquitetura, seu modo de vida, sua vitalidade festiva, se desenvolve pouco a pouco. Com Tiepolo e Pietro Longhi, a pintura cede gradualmente para a representação agradável de uma vida, colorida e sonora, povoada por estranhas figuras mascaradas. Goldoni restitui de forma cômica, em suas peças, as contradições da sociedade contemporânea. No entanto, por trás da pompa das cerimônias públicas, a organização oligárquica do Estado e da economia se esclerosa perigosamente. A intervenção de Napoleão Bonaparte provoca a queda da República em 1797.
A exposição é uma homenagem a esta página da história artística da Serenissima, pela escolha das pinturas mais significativas, esculturas, desenhos e objetos, bem como pela presença de atores e músicos.
Grand Palais
www.grandpalais.fr
Herdeira de uma tradição multisecular, a civilização veneziana brilha em toda sua glória no início do século XVIII, no campo das artes plásticas, artes decorativas, música e ópera. Graças à presença de grandes talentos, entre os quais, os pintores Piazzetta e Giambattista Tiepolo, Canaletto, os escultores Brustolon e Corradini, Veneza cultiva um luxo e estética únicos. Vive-se a música intensamente através das criações de compositores como Porpora, Hasse, Vivaldi, servido por cantores de renome internacional como o castrato Farinelli ou a soprano Faustina Bordoni. Nos "Ospedali", as meninas órfãs ou pobres recebem uma educação musical completa e seu virtuosismo as torna famosas em toda a Europa. Na cidade durante o Carnaval, drama e comédia são onipresentes.
Ao longo do século XVIII, o mito de Veneza, cidade única por sua história, sua arquitetura, seu modo de vida, sua vitalidade festiva, se desenvolve pouco a pouco. Com Tiepolo e Pietro Longhi, a pintura cede gradualmente para a representação agradável de uma vida, colorida e sonora, povoada por estranhas figuras mascaradas. Goldoni restitui de forma cômica, em suas peças, as contradições da sociedade contemporânea. No entanto, por trás da pompa das cerimônias públicas, a organização oligárquica do Estado e da economia se esclerosa perigosamente. A intervenção de Napoleão Bonaparte provoca a queda da República em 1797.
A exposição é uma homenagem a esta página da história artística da Serenissima, pela escolha das pinturas mais significativas, esculturas, desenhos e objetos, bem como pela presença de atores e músicos.
Grand Palais
www.grandpalais.fr
Alfred James Munnings (1878-1959)
En ligne ! Newmarket, vers 1940-1953
oléo sobre madeira, 50,2 x 59,7 cm
© The Paul Mellon Collection, Virginia Museum of Fine Arts
COUNTRY LIFE, obras-primas da coleção Mellon do Virginia Museum of Fine Arts – exposição de 4 de Setembro a 2 de Dezembro de 2018
A exposição Country Life - Obras-primas da Coleção Mellon do VMFA relata um momento da civilização ocidental, ligado à Revolução Industrial e à ascensão da burguesia, que tende a fazer do campo um lugar dedicado às férias. Segundo o modelo da contry life, derivado da cultura britânica, a terra, o animal doméstico - e especialmente o cavalo - vêem seu valor produtivo associado a um valor recreativo. O campo torna-se um espaço de lazer para toda uma classe social geralmente urbana e nostálgica de uma ruralidade idealizada.
Na Inglaterra, desde o final do século XVIII, os esportes equestres se desenvolvem notavelmente (corridas,caças). Paradoxalmente, isso coincide com o momento em que a indústria nascente tende a impor a vitória dos cavalos-vapor aos seus concorrentes animais. Um gênero artístico particularmente bem representado na escola inglêsa, a pintura esportiva reflete este entusiasmo do grupo social dominante. Este ultimo disseminou seu modelo cultural a outras nações ocidentais de acordo com a corrente anglófila que caracteriza o século XIX. Os pintores franceses, particularmente os impressionistas, testemunham um outro aspecto da vida no campo. Eles revelam como, perto das cidades, o espaço rural é investido pela pequena burguesia que se dedica à recreação ao ar livre defendida pelas teorias de saúde pública. Dando continuidade à tradição familiar, o bilionário e amante da arte Paul Mellon (1907-1999) colecionou com paixão. De um modo sintomático, as obras que ele colecionou revelam seu apego a um modo de vida ameaçado de extinção. Com Bunny, sua esposa, eles vão aplicar a transpor no coração da Virgínia o modo de vida dos gentlemen agricultores. Em sua propriedade em Oak Spring, Bunny dá rédea livre ao seu gosto por jardinagem, enquanto Paul cria cavalos de corrida. A sua coleção de pinturas ilustra esta relação sonhada com a natureza, diametralmente oposta à agricultura industrial que transforma radicalmente a paisagem rural. Esta coleção também reflete o despertar na cultura ocidental de uma nova sensibilidade à natureza.
Musée de la Chasse et de la Nature - 62, rue des Archives, 75003 Paris
Chassenature.org
A exposição Country Life - Obras-primas da Coleção Mellon do VMFA relata um momento da civilização ocidental, ligado à Revolução Industrial e à ascensão da burguesia, que tende a fazer do campo um lugar dedicado às férias. Segundo o modelo da contry life, derivado da cultura britânica, a terra, o animal doméstico - e especialmente o cavalo - vêem seu valor produtivo associado a um valor recreativo. O campo torna-se um espaço de lazer para toda uma classe social geralmente urbana e nostálgica de uma ruralidade idealizada.
Na Inglaterra, desde o final do século XVIII, os esportes equestres se desenvolvem notavelmente (corridas,caças). Paradoxalmente, isso coincide com o momento em que a indústria nascente tende a impor a vitória dos cavalos-vapor aos seus concorrentes animais. Um gênero artístico particularmente bem representado na escola inglêsa, a pintura esportiva reflete este entusiasmo do grupo social dominante. Este ultimo disseminou seu modelo cultural a outras nações ocidentais de acordo com a corrente anglófila que caracteriza o século XIX. Os pintores franceses, particularmente os impressionistas, testemunham um outro aspecto da vida no campo. Eles revelam como, perto das cidades, o espaço rural é investido pela pequena burguesia que se dedica à recreação ao ar livre defendida pelas teorias de saúde pública. Dando continuidade à tradição familiar, o bilionário e amante da arte Paul Mellon (1907-1999) colecionou com paixão. De um modo sintomático, as obras que ele colecionou revelam seu apego a um modo de vida ameaçado de extinção. Com Bunny, sua esposa, eles vão aplicar a transpor no coração da Virgínia o modo de vida dos gentlemen agricultores. Em sua propriedade em Oak Spring, Bunny dá rédea livre ao seu gosto por jardinagem, enquanto Paul cria cavalos de corrida. A sua coleção de pinturas ilustra esta relação sonhada com a natureza, diametralmente oposta à agricultura industrial que transforma radicalmente a paisagem rural. Esta coleção também reflete o despertar na cultura ocidental de uma nova sensibilidade à natureza.
Musée de la Chasse et de la Nature - 62, rue des Archives, 75003 Paris
Chassenature.org
Alphonse Mucha
Rêverie
1897
Litografia em cor
72.7 x 55.2 cm
Fundação Mucha, Praga
© Mucha Trust 2018
ALPHONSE MUCHA – exposição de 12 de Setembro de 2018 a 27 de Janeiro de 2019
Alphonse Mucha (1860 – 1939) é um artista tcheco famoso no movimento Art Nouveau do qual foi sem dúvida o representante mais popular. Mucha chegou a Paris em 1887 e iniciou sua carreira como ilustrador. Em dezembro de 1894, seu encontro com a grande atriz Sarah Bernhardt lançou sua carreira de ilustrador. Ele criou para ela o pôster para a peça de teatro Gismonda, o primeiro de uma longa série de cartazes publicitários, ou simplesmente decorativos, utilizando um repertório de figuras femininas, infinitamente variável, entrelaçado com flores e volutas gráficas, que trará imenso renome e a amizade de artistas como Gauguin ou Rodin. Ao mesmo tempo, ele é solicitado para obras de decoração pelo joalheiro Georges Fouquet, ou ilustração para livros. A partir de 1900 e por ocasião da Exposição Universal, ele começou a conceber um projeto que retrata a história e a civilização do povo tcheco e dos povos eslavos. Esta empresa, matizada de filosofia humanista, ocupará os últimos trinta anos de sua carreira e o levará a pintar telas gigantescas, para as quais produz uma quantidade abundante de estudos preparatórios. Essa retrospectiva mostra não apenas os cartazes que fizeram sua fama, mas também suas pinturas, fotografias, jóias, esculturas, pastéis que permitem descobrir toda a diversidade de sua arte.
Musée du Luxembourg - 19, rue Vaugirard, 75006 Paris
https://museeduluxembourg.fr/expositions/alphonse-muchagrandpalais.fr
Odalisque ou Bayadère, 1932, Hêtre rouge polychromé, 70 x 180 x 50 cm, Arles, Musée Réattu
OSSIP ZADKINE, L’instinct de la matière – exposição de 28 de Setembro de 2018 a 10 de Fevereiro de 2019
Para o artista russo Ossip Zadkine (Vitebsk 1888 – Paris 1967), a matéria é o que vem primeiro. Ele sabe, sente que ela
é portadora de uma vocação formal. A exposição « O Instinto da matéria » mostra esta relação íntima com a matéria primordial, as formas que estão em gestação: as veias e nódulos da madeira, a densidade e as partículas da rocha, a fluidez da tinta ou o guache. A matéria possui sua própria dinâmica. O gesto do escultor ou a mão do desenhista deve capta-la em um impulso. “O instinto da matéria » permite apreender o diálogo orgânico de Zadkine com os diferentes materiais que ele considera como « potências formais ».
O visitante redescobre o trabalho de Zadkine em uma cenografia original. A seção inicial reúne algumas talhas diretas. Assim são apresentados nesta parte grandes obras dos anos 1910 a 1925. Mostrando as capacidades metamórficas da matéria, a segunda parte da exposição concentra-se na matéria transformada, a montagem, a incorporação e a incrustação de materiais. A introdução de trabalhos em papel permite encontrar o modo de apresentação adotado pelo artista em vida e, ir além da imagem de um trabalho muitas vezes reduzido à simples escultura. A abordagem proposta enfatiza a riqueza plástica e a força interior de uma obra comprometida em preservar o elo vital do homem com a natureza.
MUSÉE ZADKINE - 100 bis rue d’Assas, 75006 Paris
www.zadkine.paris.fr
Anônimo,
Gaiola de pássaros, por volta de 1750-1751. Ferro pintado e porcelana
Musée des Arts Décoratifs
LA FABRIQUE DU LUXE - Les marchands merciers parisiens au XVIIIe siècle -exposição de 29 de Setembro de 2018 a 27 de Janeiro de 2019
« A fábrica de luxo- negociantes de tecidos parisienses no século XVIII » é a primeira exposição dedicada a esta corporação particularmente codificada e indispensável na difusão da arte francesa e do luxo. Através dos destinos de comerciantes como Gersaint ou Devaux, o museu Cognacq-Jay apresenta uma centena de obras de arte, documentos e arquivos que ilustram as origens do luxo em Paris. Ao mesmo tempo, comerciante, importador, coletor, desenhista e decorador, o negociante de tecidos, que começou a ser designado negociante de objetos de arte a partir do século XVIII, ocupa um papel essencial no desenvolvimento da indústria de luxo nessa época. Personagem atípico, ele mantém relações na alta aristocracia e conta com uma rede internacional de artistas que dominam as melhores especialidades técnicas e artísticas, sejam elas provenientes de Lyon ou da China. Além disso, para se tornarem conhecidos e ampliar suas redes, eles desenvolvem os mecanismos de promoção publicitária, com o concurso de cartunistas anônimos ou artistas como Boucher ou Watteau.
Dissolvida durante a Revolução Francesa, esta corporação suscita
ainda hoje o interesse dos historiadores da arte e universitários . O percurso da exposição
explora o contexto que propiciou o desenvolvimento desta corporação,
as chaves do seu sucesso, as suas inovações, e retrata
alguns dos seus famosos representantes.
MUSÉE COGNACQ-JAY - 8, rue Elzévir - 75003 Paris
museecognacqjay.paris.fr
Elad Lassry
Sem título (assignments), 2018 (detalhe))
© Elad Lassry
ELAD LASSRY – exposição de 20 de Setembro a 9 de Dezembro de 2018
"As verdadeiras questões, para mim, tratam desta unidade muito misteriosa que é a imagem fotográfica. . Ela evoca um conjunto de suposições e formas preconcebidas de ver com as quais estou constantemente lutando. "
"O que é uma imagem? Esta questão é o cerne do trabalho do artista israelense Elad Lassry (1977) que vive e trabalha em Los Angeles. Sua prática sugere que a fotografia é uma "unidade" elusiva. Lassry usa várias tecnologias e modos estéticos para realizar imagens analógicas, intervenções digitais, imagens em movimento, aplicativos de design e arte aplicada, que, apesar da sua aparência utilitária, produzem sensações visuais complexas. Suas explorações contínuas levam-no a experimentar uma variedade de fontes visuais - livros didáticos, livros especializados, cinema, materiais de marketing e escritos científicos - que alternadamente se contradizem e relançam o seu trabalho. Lassry serve-se dessa dinâmica para tentar identificar o que ele nomeia de "condição contemporânea", na qual a fotografia é uma entidade flexível, poderosa e sedutora ao mesmo tempo que indigna de confiança. "Uma vez que a fotografia não é o que parece ser", pergunta Lassry, "o que mais está em jogo? " Para sua exposição no Plateau, Elad Lassry apresenta uma série de novas produções, realizadas especialmente para a ocasião.
le plateau, paris - 22, rue des Alouettes, 75019 Paris
www.fraciledefrance.com
"As verdadeiras questões, para mim, tratam desta unidade muito misteriosa que é a imagem fotográfica. . Ela evoca um conjunto de suposições e formas preconcebidas de ver com as quais estou constantemente lutando. "
"O que é uma imagem? Esta questão é o cerne do trabalho do artista israelense Elad Lassry (1977) que vive e trabalha em Los Angeles. Sua prática sugere que a fotografia é uma "unidade" elusiva. Lassry usa várias tecnologias e modos estéticos para realizar imagens analógicas, intervenções digitais, imagens em movimento, aplicativos de design e arte aplicada, que, apesar da sua aparência utilitária, produzem sensações visuais complexas. Suas explorações contínuas levam-no a experimentar uma variedade de fontes visuais - livros didáticos, livros especializados, cinema, materiais de marketing e escritos científicos - que alternadamente se contradizem e relançam o seu trabalho. Lassry serve-se dessa dinâmica para tentar identificar o que ele nomeia de "condição contemporânea", na qual a fotografia é uma entidade flexível, poderosa e sedutora ao mesmo tempo que indigna de confiança. "Uma vez que a fotografia não é o que parece ser", pergunta Lassry, "o que mais está em jogo? " Para sua exposição no Plateau, Elad Lassry apresenta uma série de novas produções, realizadas especialmente para a ocasião.
le plateau, paris - 22, rue des Alouettes, 75019 Paris
www.fraciledefrance.com
Gustav Klimt © Culturespaces/E.Spiller
GUSTAV KLIMT – exposição de 13 de Abril a 11 de Novembro de 2018
O Atelier des Lumières apresenta um percurso imersivo em torno dos principais representantes da cena artística vienense, da qual Gustav Klimt é uma figura de proa. Por ocasião do centenário de sua morte, assim como de Egon Schiele, suas obras ganham vida no espaço de projeção XXL da antiga fundição. Na Viena Imperial do final do século XIX, Gustav Klimt figurava entre os grandes pintores dos esplêndidos monumentos da Ringstrasse. No começo do novo século, ele se impôs à frente da Secessão de Viena, uma corrente que aspirava a regenerar a arte em profundidade. Celebrado e contestado, Klimt abriu o caminho para a pintura moderna. O ouro e os motivos decorativos, característicos de suas obras, continuarão sendo um símbolo dessa revolução artística. A exposição imersiva mostra as obras que fizeram a singularidade e o sucesso de Klimt: seu período de ouro, seus retratos e suas paisagens. Egon Schiele e Friedensreich Hundertwasser foram influenciados pelo trabalho de Klimt. Impulsionado pela efervescência artística característica do final do século XIX, Schiele confere uma nova forma de representação à paisagem e ao corpo humano. Quanto a Hundertwasser, ele infunde uma dimensão simbólica tanto em suas construções arquitetônicas quanto em suas pinturas.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
O Atelier des Lumières apresenta um percurso imersivo em torno dos principais representantes da cena artística vienense, da qual Gustav Klimt é uma figura de proa. Por ocasião do centenário de sua morte, assim como de Egon Schiele, suas obras ganham vida no espaço de projeção XXL da antiga fundição. Na Viena Imperial do final do século XIX, Gustav Klimt figurava entre os grandes pintores dos esplêndidos monumentos da Ringstrasse. No começo do novo século, ele se impôs à frente da Secessão de Viena, uma corrente que aspirava a regenerar a arte em profundidade. Celebrado e contestado, Klimt abriu o caminho para a pintura moderna. O ouro e os motivos decorativos, característicos de suas obras, continuarão sendo um símbolo dessa revolução artística. A exposição imersiva mostra as obras que fizeram a singularidade e o sucesso de Klimt: seu período de ouro, seus retratos e suas paisagens. Egon Schiele e Friedensreich Hundertwasser foram influenciados pelo trabalho de Klimt. Impulsionado pela efervescência artística característica do final do século XIX, Schiele confere uma nova forma de representação à paisagem e ao corpo humano. Quanto a Hundertwasser, ele infunde uma dimensão simbólica tanto em suas construções arquitetônicas quanto em suas pinturas.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Atelier des Lumières ©Culturespaces/E.Spiller
ATELIER DES LUMIERES
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Kinshasa, República Democrática do Congo, 2012. Uma das mais movimentadas artérias da capital congolesa, uma cidade extensa e anárquica, onde vivem mais de 10 milhões de Kinois. © Pascal Maitre / Cosmos
PASCAL MAITRE – Seulement humains – exposição de 7 de Julho a 11 de Outubro de 2018
Pascal Maitre nasceu em 1955 na França e começou sua carreira de fotojornalista em 1979. Em quarenta anos de tabalho, Pascal Maitre produziu centenas de reportagens, exposições, escreveu vários livros e ganhou prêmios mas ele continua a percorrer incansavelmente o planeta. Pela primeira vez em sua vida, ele faz um balanço de sua longa carreira apresentando « Simplesmente humanos », 150 fotos agrupadas por área geográfica, dez no total, incluindo seis dedicadas à África, seu continente de predileção. Ele cobriu muitos conflitos em sua juventude (a invasão soviética do Afeganistão, os guerrilheiros colombianos ...), e seus passos ainda o carregam frequentemente em "áreas sensíveis" (Somália e Mali ultimamente). Mas ele não se considera um "repórter de guerra". Ele se considera um contador de histórias. Suas fotos falam, explicam e mexem com a gente. Das colunas de barcaças enferrujadas no rio Congo às mulheres em negro dos mulás do Irã, do retrato de um mineiro com um rosto esculpido pela poeira de um ouro que ele nunca tocará até a solidão de um jogador de bilhar de uma cidade abandonada em Honduras, Pascal tenta arrancar a verdade de um momento, revelar a sua beleza, mesmo que seja a do Mal, desvendar o universal da condição humana.
La Grande Arche - 1 Parvis de la Défense, 92800 Puteaux
www.lagrandearche.fr
Tecido © musée du quai Branly - Jacques Chirac, foto Claude Germain
MADAGASCAR. Arts de la Grande Île - exposição de 18 de Setembro de 2018 a 1° de Janeiro de 2019
A exposição « Madagascar, artes da Grande Ilha » reúne 350 peças selecionadas devido ao seu interesse histórico, estético e etnológico. Elas englobam desde os tempos antigos até o período contemporâneo. Através de obras-primas, peças emblemáticas e documentos raros, o visitante tem acesso às muitas facetas de uma arte, uma história e uma cultura que permanecem em grande parte desconhecidas. A exposição é organizada em torno de três seções principais. A primeira se aplica em recolocar Madagascar no espaço e no tempo. Localizada na costa leste da África, a ilha, imensa, é dotada de um meio-ambiente excepcional. Quando os europeus lá se estabelecem, a partir de 1500, a ilha já era há séculos um cruzamento cultural, com influências africanas, árabes, indianas e do sudeste asiático (Austronésia). Os objetos arqueológicos apresentados na exposição relatam isso. Numerosas peças dos séculos XIX e XX também ilustram o período de constituição de um reino malgaxe e o da colonização da ilha pelos franceses. A segunda seção é dedicada à arte do mundo dos vivos, governada pelo vintana, o zodíaco malgaxe. A terceira seção lida com a relação entre os mundos invisíveis e paralelos e o mundo dos mortos, que marca profundamente a arte malgaxe. Cada seção da exposição é complementada por fotografias, documentos gráficos (pinturas, desenhos) e dispositivos multimídia.
Musée du Quai Branly – Jacques Chirac - 37, quai Branly 75007, Paris
www.quaibranly.fr
A exposição « Madagascar, artes da Grande Ilha » reúne 350 peças selecionadas devido ao seu interesse histórico, estético e etnológico. Elas englobam desde os tempos antigos até o período contemporâneo. Através de obras-primas, peças emblemáticas e documentos raros, o visitante tem acesso às muitas facetas de uma arte, uma história e uma cultura que permanecem em grande parte desconhecidas. A exposição é organizada em torno de três seções principais. A primeira se aplica em recolocar Madagascar no espaço e no tempo. Localizada na costa leste da África, a ilha, imensa, é dotada de um meio-ambiente excepcional. Quando os europeus lá se estabelecem, a partir de 1500, a ilha já era há séculos um cruzamento cultural, com influências africanas, árabes, indianas e do sudeste asiático (Austronésia). Os objetos arqueológicos apresentados na exposição relatam isso. Numerosas peças dos séculos XIX e XX também ilustram o período de constituição de um reino malgaxe e o da colonização da ilha pelos franceses. A segunda seção é dedicada à arte do mundo dos vivos, governada pelo vintana, o zodíaco malgaxe. A terceira seção lida com a relação entre os mundos invisíveis e paralelos e o mundo dos mortos, que marca profundamente a arte malgaxe. Cada seção da exposição é complementada por fotografias, documentos gráficos (pinturas, desenhos) e dispositivos multimídia.
Musée du Quai Branly – Jacques Chirac - 37, quai Branly 75007, Paris
www.quaibranly.fr
① Itō Jakuchū〈Rosas e pequenos pássaros 〉
(um dos trinta rolos das imagens do reino coloridos dos seres vivos) , Museu das coleções imperiais (Sannomaru Shōzōkan), Toquio 1765
JAKUCHU - Le Royaume coloré des êtres vivants – exposição de 15 de Setembro a 14 de Outubro de 2018
Pouco conhecido na Europa, Itō Jakuchū é considerado um dos maiores artistas japoneses de todos os tempos. Pintor ativo no meio da era Edo (século 16), Jakuchū é um artista aclamado no Japão pela delicadeza de seu pincel e pelo brilho de suas cores. Graças a um empréstimo excepcional das coleções imperiais do Japão, a exposição reúne o conjunto de trinta rolos suspensos intitulado Dōshokusai-e (O Reino colorido dos seres vivos) realizado por Itō Jakuchū entre 1757 e 1766 e considerado a obra-prima de sua vida. Este conjunto representa a fauna e a flora, pintadas com uma precisão realista resultante de sua acurada observação. Estes trinta rolos que representam, por sua vez, galos, peixes, pavões, fênix, patos, árvores em flor, revelam uma impressionante sutileza de características, cores incrivelmente vivas e demonstram um domínio técnico e um extraordinário talento artístico. Na verdade, a principal característica deste conjunto excepcional é a reunião de todas as técnicas aplicadas à pintura sobre a seda. A disposição das cores no anverso e no lado contrário, a ausência de contornos, o uso conjunto de pigmentos minerais e corantes naturais são técnicas complexas que o artista domina perfeitamente e combina com grande engenhosidade. Budista, antes de completar os trinta manuscritos, Jakuchū decidiu entregá-los ao Templo Shōkoku-ji, acompanhado por uma tríade budista chamada Shaka Sanzon-zō (Tríade Sakyamuni). A exposição apresentará o conjunto completo tal como Jakuchū imaginou originalmente para o templo de Kioto.
Petit Palais - Avenue Winston Churchill, 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr
Pouco conhecido na Europa, Itō Jakuchū é considerado um dos maiores artistas japoneses de todos os tempos. Pintor ativo no meio da era Edo (século 16), Jakuchū é um artista aclamado no Japão pela delicadeza de seu pincel e pelo brilho de suas cores. Graças a um empréstimo excepcional das coleções imperiais do Japão, a exposição reúne o conjunto de trinta rolos suspensos intitulado Dōshokusai-e (O Reino colorido dos seres vivos) realizado por Itō Jakuchū entre 1757 e 1766 e considerado a obra-prima de sua vida. Este conjunto representa a fauna e a flora, pintadas com uma precisão realista resultante de sua acurada observação. Estes trinta rolos que representam, por sua vez, galos, peixes, pavões, fênix, patos, árvores em flor, revelam uma impressionante sutileza de características, cores incrivelmente vivas e demonstram um domínio técnico e um extraordinário talento artístico. Na verdade, a principal característica deste conjunto excepcional é a reunião de todas as técnicas aplicadas à pintura sobre a seda. A disposição das cores no anverso e no lado contrário, a ausência de contornos, o uso conjunto de pigmentos minerais e corantes naturais são técnicas complexas que o artista domina perfeitamente e combina com grande engenhosidade. Budista, antes de completar os trinta manuscritos, Jakuchū decidiu entregá-los ao Templo Shōkoku-ji, acompanhado por uma tríade budista chamada Shaka Sanzon-zō (Tríade Sakyamuni). A exposição apresentará o conjunto completo tal como Jakuchū imaginou originalmente para o templo de Kioto.
Petit Palais - Avenue Winston Churchill, 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr
Ron Amir, Oven (forno), 2015, fotografia© Ron Amir
RON AMIR- Quelque part dans le désert – exposição de 4 de Setembro a 2 de Dezembro de 2018
O fotógrafo israelense Ron Amir, nascido em 1973, é uma voz singular na cena da fotografia contemporânea em Israel e conhecido por seus projetos de fotografia socialmente envolvidos. O MAM de Paris expõe o seu trabalho « Em algum lugar no deserto » composto de 30 fotografias cor de grande formato e seis vídeos. A exposição evoca as condições de vida dos refugiados do Sudão e da Eritreia quando estiveram detidos no Centro de Detenção de Holot, localizado no Deserto do Negev, e hoje fechado. Esses migrantes haviam fugido para Israel para escapar do terror e da opressão em seu país de origem e não tinham permissão para viver ou trabalhar legalmente em Israel. Embora pudessem sair livremente do centro de Holot durante o dia, eles precisavam bater o ponto de manhã e à noite. Essas fotografias de 2014-2016 documentam as atividades diurnas desses refugiados. Elas mostram como, no meio do deserto e sem recursos, eles tentaram desenvolver uma vida comum e cotidiana. Embora os próprios refugiados não estejam visíveis nas fotografias, sua criatividade, instinto de sobrevivência e sensibilidade são evidentes nas representações de Ron Amir. Em contraste com o documentário tradicional ou a fotografia de imprensa, as fotografias de Ron Amir transmitem várias mensagens simultaneamente. Ao mesmo tempo que ela atesta o sofrimento social, ela nos mostra a imensa criatividade dos afligidos. Mm documento e uma metáfora.
Musée d’Art moderne de la Ville de Paris - 11 Avenue du Président Wilson, 75116 Paris
www.mam.paris.fr
Yuko NOHARA, Visage, 2000, Crayon sur papier,
26 x 36 cm, Collection de l’artiste
ART BRUT JAPONAIS II – exposição de 8 de Setembro de 2018 a 10 de Março de 2019
Há oito anos atrás a Halle Saint Pierre apresentou com grande sucesso Arte Bruta Japonesa, que permitiu ao público descobrir sessenta e três artistas quase todos desconhecidos. A apresentação constituiu um mosaico de universos intensos e singulares, portadores de significados quase misteriosos. Os trabalhos apresentados na exposição Arte Bruta Japonesa II são o resultado de novas prospecções. Cerca de cinquenta criadores confirmam que, em todas as culturas, personalidades singulares inventam sua própria mitologia e sua própria linguagem figurativa. Vindo de oficinas ou trabalhando de forma autônoma e independente, esses criadores, muitas vezes confrontados com um isolamento mental ou social, usam todas as técnicas, todos os materiais, desviando até mesmo os códigos mais tradicionais da cerâmica ou do origami. Essas obras de arte são uma operação artística pura, crua, que partem apenas dos próprios impulsos de seus criadores, como notou Jean Dubuffet, o artista plástico francês que concebeu a expressão « arte bruta » em 1945. A arte bruta não conhece limites históricos, culturais, formais ou geográficos. Os criadores japoneses apresentados na exposição são a demonstração.
La Halle Saint Pierre – 2, rue de Ronsard - 75018 Paris
www.hallesaintpierre.org
Há oito anos atrás a Halle Saint Pierre apresentou com grande sucesso Arte Bruta Japonesa, que permitiu ao público descobrir sessenta e três artistas quase todos desconhecidos. A apresentação constituiu um mosaico de universos intensos e singulares, portadores de significados quase misteriosos. Os trabalhos apresentados na exposição Arte Bruta Japonesa II são o resultado de novas prospecções. Cerca de cinquenta criadores confirmam que, em todas as culturas, personalidades singulares inventam sua própria mitologia e sua própria linguagem figurativa. Vindo de oficinas ou trabalhando de forma autônoma e independente, esses criadores, muitas vezes confrontados com um isolamento mental ou social, usam todas as técnicas, todos os materiais, desviando até mesmo os códigos mais tradicionais da cerâmica ou do origami. Essas obras de arte são uma operação artística pura, crua, que partem apenas dos próprios impulsos de seus criadores, como notou Jean Dubuffet, o artista plástico francês que concebeu a expressão « arte bruta » em 1945. A arte bruta não conhece limites históricos, culturais, formais ou geográficos. Os criadores japoneses apresentados na exposição são a demonstração.
La Halle Saint Pierre – 2, rue de Ronsard - 75018 Paris
www.hallesaintpierre.org
Pablo Picasso
Arlequin au miroir
Paris,1923
oléo sobre tela,
100 x 81 cm
Musée National Thyssen-Bornemisza, Madrid. © Museo Nacional Thyssen-Bornemisza/Scala, Florence © Succession Picasso 2018
PICASSO. CHEFS-D’ŒUVRE ! – exposição de 4 de Setembro de 2018 a 13 de Janeiro de 2019
A figuração do artista no trabalho atravessa toda a obra de Picasso. Seus numerosos auto-retratos, sozinhos ou na companhia do modelo, são todos reflexões sobre a criação. Artista entre os mais prolíficos do século XX, sempre à procura de novas formas de expressão, Picasso dedica sua vida a uma busca para alcançar a beleza ideal, a obra-prima absoluta. Através de uma seleção de obras essenciais, a exposição "Picasso. Obras-primas! "conta esta história. Das condições de criação à influência da recepção crítica, o percurso destaca os eventos que ajudaram a tornar cada obra um ícone. Ao longo do século XX, da tradição acadêmica às revoluções modernas, as buscas obstinadas do artista espanhol redefiniram radicalmente o conceito de obra-prima. Graças a empréstimos excepcionais, obras-primas de todo o mundo irão interagir com as do Museu Nacional Picasso-Paris. O conjunto oferece uma nova leitura da criação de Picasso, graças a uma atenção particular dada à recepção crítica. O percurso evoca assim as exposições, as revistas que acompanharam cada obra e que contribuíram, ao longo dos anos, para forjar seu estatuto de obras-primas. Os arquivos do Museu Nacional Picasso-Paris ocupam um lugar essencial nesta história.
Musée Picasso-Paris – 5, rue de Thorigny, 75003 Paris
www.museepicassoparis.fr
© Sunier Mazé, Alexandru Balgiu, Olivier Lebrun, SpMillot, M/M (Paris), Bizzarri & Rodriguez
CE N’EST PAS LA TAILLE QUI COMPTE – exposição de 13 de Setembro a 16 de Dezembro de 2018
A Maison d’Art Bernard Anthonioz apresenta Não é o tamanho que conta, exposição que se inscreve no quadro da temporada gráfica. O design gráfico focalizou sua atenção durante muito tempo no pôster, objeto emblemático da disciplina, que permitia grandes formatos. A relação formal deste meio com o quadro pintado e a tradição das bienais e concursos favoreceram a dimensão espetacular desta em detrimento de outros objetos gráficos, convites, panfletos, marcadores de páginas, cartões de visita que permaneceram com frequência menos visíveis porque mais modestos pelo tamanho, pela técnica de impressão utilizada ou pelos usos esperados. As várias crises econômicas e as consequentes restrições econômicas da nossa época obrigaram a repensar os projetos gráficos e a tentar outras possibilidades para o desenvolver o trabalho gráfico. Reunindo mil objetos de produções desconhecidas ou inéditas de grafistas internacionais, a exposição propõe contar outra história do grafismo contemporâneo, uma história onde a qualidade do objeto mostrado não é mais apenas definida por um formato e um suporte, mas sim pela inteligência da forma, realização e materiais.
Maison d’Art Bernard Anthonioz - 16, rue Charles VII, 94130 Nogent-sur-Marne
http://maba.fnagp.fr
A CIDADE DE SÈTE E O MUSEU PAUL VALERY
A cidade de Sète, a 30 minutos de Montpellier, está localizada entre o Mediterrâneo e o lago de Thau. Com seus típicos bairros atravessados por canais que refletem as fachadas coloridas das docas, Sète é um balneário concorrido. Conservou toda a autenticidade devido aos seus portos, em pleno coração da cidade. O cume do Monte Saint-Clair oferece uma vista da cidade, também chamada de "Veneza de Languedoc", devido à sua rede de canais. Localizado nas encostas do Monte Saint Clair, em um terraço com vista para o Cemitério Marinho e o Mediterrâneo, o Museu Paul Valéry tem uma vista e localização excepcionais. Sua arquitetura projetada pelo arquiteto Guy Guillaume data do início dos anos 70 e se encaixa na lógica dos edifícios de Corbusier. Os jardins circundantes apresentam regularmente eventos ao ar livre. As coleções do museu abrangem cerca de 8.000 obras. A coleção de Belas Artes é composta de obras do século XVII até os dias de hoje complementadas por outras coleções sendo uma de Paul Valéry, o grande poeta da modernidade.
Musée Paul Valery - 148 Rue François Desnoyer, 34200 Sète
museepaulvalery-sete.fr
Albert MARQUET
(Bordeaux, 1875 – Paris, 1941)
Voiliers à Sète, 1924
Huile sur toile, 65 x 81 cm
© Musée Paul Valéry
PEINTURE ET POESIE, les peintres vus par les poètes – exposição de 30 de Junho a 4 de Novembro de 2018
O que significa o Aberto ao horizonte na geometria silenciosa das linhas ? A água pulsa e pega fogo, o céu do qual a luz indizível e radiante cai, oferece sua manhã pura à beleza do mundo. Philippe Delaveau (França)
A exposição « Pintura e Poesia, os pintores vistos pelos poetas » propõe um enfoque original da coleção de pinturas do Museu Paul Valery. Ela reúne 250 pinturas em paralelo com 250 poemas inéditos escritos para a ocasião por poetas franceses e estrangeiros contemporâneos. A exposição permite uma redescoberta da coleção de pinturas do século XVII, bem como um conjunto de pinturas pertencentes aos principais gêneros de pintura do século XIX. Presentes pintores de cenas clássicas e acadêmicas, os orientalistas e pinturas de paisagem. A exposição destaca os períodos e movimentos picturais representados na coleção do museu e a influência que exerceu a cidade de Sète, com o seu porto e o mar, na criação das obras a partir do final dos anos 1940. Atraídos pela luz do Mediterrâneo e o colorido da região, vários artistas, a partir do século XIX, encontraram sua inspiração nesse litoral banhado de sol. Albert Marquet é seduzido pelos veleiros, Gustav Courbet pelo mar tranquilo e Raoul Dufy pelo porto e os canais da cidade de Sète. As obras dos pintores do grupo Montpellier-Sète que se constituíu após a segunda guerra mundial estão bem representadas assim como as de Robert Combas e Hervé Di Rosa do grupo da Figuração livre do começo dos anos oitenta. A exposição termina mostrando as obras dos pintores atuais de Sète. Para essa ocasião um belo catálogo foi publicado onde cada pintura vem acompanhada do texto de um poeta.
Musée Paul Valery - 148 Rue François Desnoyer, 34200 Sète
museepaulvalery-sete.fr
O que significa o Aberto ao horizonte na geometria silenciosa das linhas ? A água pulsa e pega fogo, o céu do qual a luz indizível e radiante cai, oferece sua manhã pura à beleza do mundo. Philippe Delaveau (França)
A exposição « Pintura e Poesia, os pintores vistos pelos poetas » propõe um enfoque original da coleção de pinturas do Museu Paul Valery. Ela reúne 250 pinturas em paralelo com 250 poemas inéditos escritos para a ocasião por poetas franceses e estrangeiros contemporâneos. A exposição permite uma redescoberta da coleção de pinturas do século XVII, bem como um conjunto de pinturas pertencentes aos principais gêneros de pintura do século XIX. Presentes pintores de cenas clássicas e acadêmicas, os orientalistas e pinturas de paisagem. A exposição destaca os períodos e movimentos picturais representados na coleção do museu e a influência que exerceu a cidade de Sète, com o seu porto e o mar, na criação das obras a partir do final dos anos 1940. Atraídos pela luz do Mediterrâneo e o colorido da região, vários artistas, a partir do século XIX, encontraram sua inspiração nesse litoral banhado de sol. Albert Marquet é seduzido pelos veleiros, Gustav Courbet pelo mar tranquilo e Raoul Dufy pelo porto e os canais da cidade de Sète. As obras dos pintores do grupo Montpellier-Sète que se constituíu após a segunda guerra mundial estão bem representadas assim como as de Robert Combas e Hervé Di Rosa do grupo da Figuração livre do começo dos anos oitenta. A exposição termina mostrando as obras dos pintores atuais de Sète. Para essa ocasião um belo catálogo foi publicado onde cada pintura vem acompanhada do texto de um poeta.
Musée Paul Valery - 148 Rue François Desnoyer, 34200 Sète
museepaulvalery-sete.fr
FUNDAÇÃO PIERRE GIANADDA, Martigny, Suiça
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Brou de noix sur papier 65 x 50 cm, 1948-1
Brou de noix sur papier marouflé sur toile
Centre Pompidou, MNAM-CCI, Paris
Foto © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dis. RMN-Grand
Palais – © Philippe MIGEAT
© ADAGP, Paris
© 2018, ProLitteris, Zurich
SOULAGES, UNE RETROSPECTIVE – exposição de 15 de Junho a 25 de Novembro de 2018 em Martigny, Suiça
Pierre Soulages, "pintor do preto e da luz", é reconhecido como uma das principais figuras da abstração e o maior pintor da atual cena francesa. Ele nasceu em 1919 na cidade de Rodez e vive e trabalha entre Paris e Sète. Jovem, Soulage escolheu a cor preta que participará de sua identidade artística. Concentrando-se no preto e sua relação com a luz, ele concebe um espaço pictórico que, apesar do uso desta cor única, é o oposto do monocromático na trajetória da arte moderna. Em 1947 ele expõe suas obras realizadas com a tintura da casca da noz. O uso de um meio barato faz sentido em um contexto social ainda marcado pela escassez. Sua pintura permanece até hoje fiel a essa mesma redução de meios, ao despojamento de suas construções, à sobriedade radical de seus gestos. A pintura do artista não representa nada. O desafio está no face a face do espectador com a tela, em seu confronto com a matéria, na experiência de sua presença. O trabalho de Soulages apresenta todos os usos possíveis da cor preta. Mas como Soulage explica, a cor preta muda de intensidade de acordo com o tamanho do substrato, sua forma e sua textura. Os pretos da textura são particularmente relevantes com os outrenoirs, quando a partir de 1979, ele começa a cobrir toda a superfície de suas telas com uma espessa camada de tinta preta, trabalhada para refletir a luz, ela mesma tratada como um material, dando uma dimensão escultural às suas pinturas. A retrospectiva reúne mais de 30 trabalhos realizados entre 1948 e 2017, quase todos conservados no Centre Pompidou, de acordo com um percurso cronológico que destaca as pesquisas pictóricas e as diferentes técnicas exploradas por Soulages, bem como as etapas fundamentais de sua criação.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Gordon Matta-Clark, Conical Intersect. Rue Beaubourg, Outubro 1975 © Marc Petitjean
GORDON MATTA-CLARK. ANARCHITECTE – exposição de 5 de Junho a 23 de Setembro de 2018
Traçando o percurso do artista desde suas primeiras intervenções no Bronx, a exposição "Gordon Matta-Clark. Anarchitect " oferece uma nova interpretação de seu trabalho e influência na arte e arquitetura contemporâneas. A exposição reúne uma centena de obras de Gordon Matta-Clark (1943-1978) - fotografias, filmes e gravuras – que, como resultado de sua conexão com a cultura urbana contemporânea, fornecem o contexto para a proposta da fascinante crítica arquitetônica do arquiteto. Mudando-se para Nova York logo após completar seus estudos na Escola de Arquitetura da Universidade de Cornell (1962-1968), Matta-Clark começou a produzir uma série de obras in situ que pareciam ser a anatomia do próprio corpo da paisagem urbana: literalmente cortava e desmontava as estruturas dos edifícios, mostrando o que permanecia como evidência. A maioria dessas ações ocorreu no sul do Bronx, numa época em que a região experimentou um forte declínio econômico como resultado do êxodo em massa da classe média para os subúrbios. Gordon Matta-Clark não só desestabilizou as noções de módulo e repetição, caras à arquitetura modernista, como também reconheceu a crescente importância de interagir com o espaço público refletido na proliferação do graffiti. O graffiti é o meio pelo qual a juventude de todos os países expressa sua rebelião contra o conformismo e, finalmente, contra a autoridade do arquiteto. Ironicamente, o método de "recorte", nascido das ruínas da paisagem da era industrial, logo influenciaria uma geração inteira de jovens arquitetos, especialmente entre os seguidores da estética desconstrutivista – Frank Gehry, Peter Eisenman ou ainda Daniel Libeskind.
Jeu de Paume - 1 place de la Concorde, 75008 Paris
www.jeudepaume.org
Traçando o percurso do artista desde suas primeiras intervenções no Bronx, a exposição "Gordon Matta-Clark. Anarchitect " oferece uma nova interpretação de seu trabalho e influência na arte e arquitetura contemporâneas. A exposição reúne uma centena de obras de Gordon Matta-Clark (1943-1978) - fotografias, filmes e gravuras – que, como resultado de sua conexão com a cultura urbana contemporânea, fornecem o contexto para a proposta da fascinante crítica arquitetônica do arquiteto. Mudando-se para Nova York logo após completar seus estudos na Escola de Arquitetura da Universidade de Cornell (1962-1968), Matta-Clark começou a produzir uma série de obras in situ que pareciam ser a anatomia do próprio corpo da paisagem urbana: literalmente cortava e desmontava as estruturas dos edifícios, mostrando o que permanecia como evidência. A maioria dessas ações ocorreu no sul do Bronx, numa época em que a região experimentou um forte declínio econômico como resultado do êxodo em massa da classe média para os subúrbios. Gordon Matta-Clark não só desestabilizou as noções de módulo e repetição, caras à arquitetura modernista, como também reconheceu a crescente importância de interagir com o espaço público refletido na proliferação do graffiti. O graffiti é o meio pelo qual a juventude de todos os países expressa sua rebelião contra o conformismo e, finalmente, contra a autoridade do arquiteto. Ironicamente, o método de "recorte", nascido das ruínas da paisagem da era industrial, logo influenciaria uma geração inteira de jovens arquitetos, especialmente entre os seguidores da estética desconstrutivista – Frank Gehry, Peter Eisenman ou ainda Daniel Libeskind.
Jeu de Paume - 1 place de la Concorde, 75008 Paris
www.jeudepaume.org
Camille Pissarro, Jardim de Kew, Londres. A aléia de rododendros, 1892, oléo sobre tela , coleção particular, Estados Unidos
LES IMPRESSIONNISTES A LONDRES, ARTISTES FRANÇAIS EN EXIL, 1870-1904 – exposição de 21 de Junho a 14 de Outubro de 2018
A exposição « Os impressionistas em Londres, artistas franceses no exílio » é dedicada aos artistas franceses refugiados em Londres após a Guerra Franco-Prussiana de 1870 e a insurreição da Comuna. Apesar de suas diferenças sociais e políticas e suas diferentes sensibilidades artísticas, muitos se encontrarão na Inglaterra e formarão uma comunidade de exilados. O Império Britânico está no auge do seu poder e Londres representa um refúgio seguro, e também seu mercado de arte é mais dinâmico. O negociante parisiense Paul Durand-Ruel também se instala lá e sua nova galeria se torna uma base de difusão da pintura francesa. Os futuros impressionistas estão entre os primeiros artistas exilados, Monet, Pissarro e Daubigny. As paisagens de Londres com seus parques e jardins, assim como sua famosa neblina, tornam-se seus temas favoritos. Tissot adapta seu estilo a um público que aprecia particularmente cenas de gênero. O escultor Dalou é bem recebido pelos seus colegas ingleses e os seus temas relacionados com a esfera íntima são um verdadeiro sucesso entre os financistas e os proprietários de terras. Bem depois destes anos difíceis, os impressionistas como Pissarro e Monet voltam várias vezes a Londres. A exposição apresenta 140 obras emprestadas dos museus britânicos, dos museus americanos e franceses.
PETIT PALAIS - Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Avenue Winston-Churchill - 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr
.
A exposição « Os impressionistas em Londres, artistas franceses no exílio » é dedicada aos artistas franceses refugiados em Londres após a Guerra Franco-Prussiana de 1870 e a insurreição da Comuna. Apesar de suas diferenças sociais e políticas e suas diferentes sensibilidades artísticas, muitos se encontrarão na Inglaterra e formarão uma comunidade de exilados. O Império Britânico está no auge do seu poder e Londres representa um refúgio seguro, e também seu mercado de arte é mais dinâmico. O negociante parisiense Paul Durand-Ruel também se instala lá e sua nova galeria se torna uma base de difusão da pintura francesa. Os futuros impressionistas estão entre os primeiros artistas exilados, Monet, Pissarro e Daubigny. As paisagens de Londres com seus parques e jardins, assim como sua famosa neblina, tornam-se seus temas favoritos. Tissot adapta seu estilo a um público que aprecia particularmente cenas de gênero. O escultor Dalou é bem recebido pelos seus colegas ingleses e os seus temas relacionados com a esfera íntima são um verdadeiro sucesso entre os financistas e os proprietários de terras. Bem depois destes anos difíceis, os impressionistas como Pissarro e Monet voltam várias vezes a Londres. A exposição apresenta 140 obras emprestadas dos museus britânicos, dos museus americanos e franceses.
PETIT PALAIS - Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Avenue Winston-Churchill - 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr
.
ZAO WOU- KI © Patrice Delatouche
ZAO WOU-KI, L’ESPACE EST SILENCE – exposição de 1° de Junho de 2018 a 6 de Janeiro de 2019
Artista na encruzilhada de vários mundos, Zao Wou-Ki deixou a China em 1948 para vir a Paris em uma época em que a "arte viva" está começando a se dividir entre os Estados Unidos e a França. Seu trabalho passa pelos debates estéticos que marcam o desenvolvimento da arte moderna e, se ele pertence a uma cena parisiense que ele aprecia, ele percebe muito cedo a vitalidade da pintura americana. Gradualmente, ele também se reconectou com certas características da pintura chinesa que ele havia descartado voluntariamente. O percurso da exposição começa quando Zao-Ki adota uma nova expressão, "Abstract" – um termo demasiado restritivo em seus olhos – com o trabalho de 1956 intitulado Traversée des apparences. Este passo decisivo precede uma primeira estadia nos Estados Unidos, no ano seguinte, o que reforça sua busca de um espaço cada vez maior. Zao não gosta da palavra "paisagem" à qual ele prefere a palavra "natureza". Suas relações com o mundo exterior são feitas de descobertas e viagens, encontros frutíferos, o primeiro dos quais com Henri Michaux e o compositor Edgar Varese. A poesia e a música permanecerão para ele dois centros permanentes de atração, como uma tensão necessária com a pintura -dando sentido à expressão que o artista inspirou em Michaux: o espaço é silêncio. Enfatizando o alcance universal de sua arte e seu lugar ao lado dos maiores artistas da segunda metade do século XX, a exposição apresenta uma seleção de 40 obras de grandes dimensões.
Musée d’Art moderne de la Ville de Paris – 11, Avenue du Président Wilson - 75116 Paris
www.mam.paris.fr
Artista na encruzilhada de vários mundos, Zao Wou-Ki deixou a China em 1948 para vir a Paris em uma época em que a "arte viva" está começando a se dividir entre os Estados Unidos e a França. Seu trabalho passa pelos debates estéticos que marcam o desenvolvimento da arte moderna e, se ele pertence a uma cena parisiense que ele aprecia, ele percebe muito cedo a vitalidade da pintura americana. Gradualmente, ele também se reconectou com certas características da pintura chinesa que ele havia descartado voluntariamente. O percurso da exposição começa quando Zao-Ki adota uma nova expressão, "Abstract" – um termo demasiado restritivo em seus olhos – com o trabalho de 1956 intitulado Traversée des apparences. Este passo decisivo precede uma primeira estadia nos Estados Unidos, no ano seguinte, o que reforça sua busca de um espaço cada vez maior. Zao não gosta da palavra "paisagem" à qual ele prefere a palavra "natureza". Suas relações com o mundo exterior são feitas de descobertas e viagens, encontros frutíferos, o primeiro dos quais com Henri Michaux e o compositor Edgar Varese. A poesia e a música permanecerão para ele dois centros permanentes de atração, como uma tensão necessária com a pintura -dando sentido à expressão que o artista inspirou em Michaux: o espaço é silêncio. Enfatizando o alcance universal de sua arte e seu lugar ao lado dos maiores artistas da segunda metade do século XX, a exposição apresenta uma seleção de 40 obras de grandes dimensões.
Musée d’Art moderne de la Ville de Paris – 11, Avenue du Président Wilson - 75116 Paris
www.mam.paris.fr
Hortillonages © Yann Monel
OS HORTILLONAGES DA CIDADE DE AMIENS
Amiens, cidade situada a 115 km ao norte de Paris, é célebre por sua belíssima catedral gótica e seus bairros pitorescos. Também é denominada a « Pequena Veneza do Norte » pelos numerosos canais que a atravessam e pelos « hortillonages », um conjunto de jardins flutuantes de mais de 300 hectares, cuja existência é atestada desde a época medieval, quando essa terra fértil ja’ era cultivada para produzir legumes.
Os hortillonages contituem uma paisagem excepcional, um espaço de vegetação e água em pleno coração da cidade. A descoberta dos canais e jardins é um momento de rara beleza, calmo e mágico.
Amiens, cidade situada a 115 km ao norte de Paris, é célebre por sua belíssima catedral gótica e seus bairros pitorescos. Também é denominada a « Pequena Veneza do Norte » pelos numerosos canais que a atravessam e pelos « hortillonages », um conjunto de jardins flutuantes de mais de 300 hectares, cuja existência é atestada desde a época medieval, quando essa terra fértil ja’ era cultivada para produzir legumes.
Os hortillonages contituem uma paisagem excepcional, um espaço de vegetação e água em pleno coração da cidade. A descoberta dos canais e jardins é um momento de rara beleza, calmo e mágico.
A Horta © Yann Monel
ART, VILLES & PAYSAGES – 9 de junho a 21 de outubro de 2018 à Amiens
A partir desta nona edição, o festival de Arte, cidades e paisagens será realizado pela associação de « arte e jardins - Hauts-de-France » que desenvolve projetos com múltiplos aspectos artísticos, sociais, paisagísticos, ambientais e turísticos, valorizando a jovem criação e sua maneira de ver o mundo. Arte, cidade & paisagem, festival de paisagem e artes plásticas, atípico, curioso e encantador, nos convida a descobrir o patrimônio histórico e ecológico excepcional das hortillonnages de Amiens. Terra de cultivo e veraneio, às portas da cidade, ladeada pelo rio Somme, um lugar de uma beleza rara e encantadora onde hortelões, caçadores, pescadores e moradores se dão entre si, cada um contribuindo na preservaçāo desse frágil espaço. Fascinados pela força e a fragilidade do local jovens artistas criaram obras nesse espaço mágico. Este ano encontramos os trabalhos de Solène Ortoli, Julia Cottin, Karine Haudrechy, Dorothéa Nold, Cécile Lastennet, Cécile Meynier , os paisagistas do atelier de l’Ours, Benjamin Testa e Romain Rambaud. 10 novas criações serão feitas in situ, somando-se aos cerca de 40 jardins e instalações já criados !!
A partir desta nona edição, o festival de Arte, cidades e paisagens será realizado pela associação de « arte e jardins - Hauts-de-France » que desenvolve projetos com múltiplos aspectos artísticos, sociais, paisagísticos, ambientais e turísticos, valorizando a jovem criação e sua maneira de ver o mundo. Arte, cidade & paisagem, festival de paisagem e artes plásticas, atípico, curioso e encantador, nos convida a descobrir o patrimônio histórico e ecológico excepcional das hortillonnages de Amiens. Terra de cultivo e veraneio, às portas da cidade, ladeada pelo rio Somme, um lugar de uma beleza rara e encantadora onde hortelões, caçadores, pescadores e moradores se dão entre si, cada um contribuindo na preservaçāo desse frágil espaço. Fascinados pela força e a fragilidade do local jovens artistas criaram obras nesse espaço mágico. Este ano encontramos os trabalhos de Solène Ortoli, Julia Cottin, Karine Haudrechy, Dorothéa Nold, Cécile Lastennet, Cécile Meynier , os paisagistas do atelier de l’Ours, Benjamin Testa e Romain Rambaud. 10 novas criações serão feitas in situ, somando-se aos cerca de 40 jardins e instalações já criados !!
Diego GIACOMETTI
DIEGO GIACOMETTI DANS LE MUSEE PICASSO – exposição de 17 de Maio a 4 de Novembro de 2018
A exposição "Diego Giacometti no Museu Picasso" é uma oportunidade para explorar a gênese da excepcional encomenda passada a Diego Giacometti pelo Museu Nacional de Picasso, na ocasião de sua abertura em outubro de 1985. Este notável conjunto de 50 peças, constituídas por cadeiras, bancos, luminárias e mesas, criadas exclusivamente para o Hotel Salé, marca o ponto culminante da obra de Diego Giacometti, executando aqui a sua última encomenda, antes da sua morte em Julho de 1985. Diego Giacometti, o artesão-poeta, declina neste mobiliário as diferentes facetas do seu universo: o gosto pela natureza e pelo vegetal, a reinterpretação das fontes antigas, gregas e etruscas, a aspiração em criar uma verdadeira geometria no ar. Os móveis em bronze e resina, agora inseparáveis da decoração do Hotel Salé, entram em diálogo com os gessos originais criados pelo artista. A apresentação da coleção do atelier do artista, juntamente com uma seleção de fotografias e arquivos não publicados, permite que esta encomenda seja colocada no seu contexto criativo.
Musée Picasso - 5 Rue de Thorigny, 75003 Paris
www.museepicassoparis.fr
A exposição "Diego Giacometti no Museu Picasso" é uma oportunidade para explorar a gênese da excepcional encomenda passada a Diego Giacometti pelo Museu Nacional de Picasso, na ocasião de sua abertura em outubro de 1985. Este notável conjunto de 50 peças, constituídas por cadeiras, bancos, luminárias e mesas, criadas exclusivamente para o Hotel Salé, marca o ponto culminante da obra de Diego Giacometti, executando aqui a sua última encomenda, antes da sua morte em Julho de 1985. Diego Giacometti, o artesão-poeta, declina neste mobiliário as diferentes facetas do seu universo: o gosto pela natureza e pelo vegetal, a reinterpretação das fontes antigas, gregas e etruscas, a aspiração em criar uma verdadeira geometria no ar. Os móveis em bronze e resina, agora inseparáveis da decoração do Hotel Salé, entram em diálogo com os gessos originais criados pelo artista. A apresentação da coleção do atelier do artista, juntamente com uma seleção de fotografias e arquivos não publicados, permite que esta encomenda seja colocada no seu contexto criativo.
Musée Picasso - 5 Rue de Thorigny, 75003 Paris
www.museepicassoparis.fr
© Lee DAESUNG
TEMPORADA FOTOGRAFICA NA ABADIA REAL DE EPAU – 19 de Maio a 4 de Novembro de 2018
Com o tema de « Cidadania e convivência », a sexta edição da Temporada Fotográfica do Departamento da Sarthe, expõe o trabalho de 14 fotógrafos na Abadia Real de Epau e no seu esplêndido parque arborizado. Este ano, os fotógrafos convidados se questionam sobre nossa relação com o meio ambiente, com a nossa memória coletiva e a evolução da sociedade.
Leila Alaoui em “No Pasaran” expressa a vontade dos jovens marroquinos na busca de um futuro melhor do outro lado do Mediterrâneo.
Corentin Fohlen em "Haiti" – mostra esta ilha de forma fascinante após o terremoto de 2010.
Tim Franco - "Metamorpolis" - A metamorfose de Chongqing, uma das mais importantes cidades chinesas.
Lee Lee - " Futuristic Archeology and the vanishing island » - Um olhar intransigente sobre a desertificação na Mongólia.
Guy Le Querrec – "Jazz" - Expressões intensas sublimadas pelo preto e branco
Thomas Pesquet - "Terra" - As mais belas imagens do nosso planeta visto de cima.
Fredrick Lerneryd – "O balé da favela" - a maior favela da África Oriental sublimada pelas fotos de sua escola de balé.
Gérard Uféras – "Bolshoi" - uma incrível série de força e sobriedade no lendário Teatro russo por ocasião da sua reabertura em 2001.
Este evento imperdível do verão, a menos de uma hora de Paris, oferece uma visão de um lugar repleto de história e fotos que capturam o momento da história.
Abbaye Royale de l’Épau
www.sarthe.fr / epau.sarthe.fr
Com o tema de « Cidadania e convivência », a sexta edição da Temporada Fotográfica do Departamento da Sarthe, expõe o trabalho de 14 fotógrafos na Abadia Real de Epau e no seu esplêndido parque arborizado. Este ano, os fotógrafos convidados se questionam sobre nossa relação com o meio ambiente, com a nossa memória coletiva e a evolução da sociedade.
Leila Alaoui em “No Pasaran” expressa a vontade dos jovens marroquinos na busca de um futuro melhor do outro lado do Mediterrâneo.
Corentin Fohlen em "Haiti" – mostra esta ilha de forma fascinante após o terremoto de 2010.
Tim Franco - "Metamorpolis" - A metamorfose de Chongqing, uma das mais importantes cidades chinesas.
Lee Lee - " Futuristic Archeology and the vanishing island » - Um olhar intransigente sobre a desertificação na Mongólia.
Guy Le Querrec – "Jazz" - Expressões intensas sublimadas pelo preto e branco
Thomas Pesquet - "Terra" - As mais belas imagens do nosso planeta visto de cima.
Fredrick Lerneryd – "O balé da favela" - a maior favela da África Oriental sublimada pelas fotos de sua escola de balé.
Gérard Uféras – "Bolshoi" - uma incrível série de força e sobriedade no lendário Teatro russo por ocasião da sua reabertura em 2001.
Este evento imperdível do verão, a menos de uma hora de Paris, oferece uma visão de um lugar repleto de história e fotos que capturam o momento da história.
Abbaye Royale de l’Épau
www.sarthe.fr / epau.sarthe.fr
Henri Matisse, La femme au luth, tapisserie Manufacture des Gobelins, 1947-49
© Mobilier national, Isabelle Bideau
AU FIL DU SIÈCLE, 1918 – 2018, chefs d’œuvre de la tapisserie – exposição de 10 de Abril a 23 de Setembro de 2018
O Mobilier national que integra as três manufaturas reais de tapeçaria criadas pelo rei Luis XIV – Gobelins, Beauvais e a Savonnerie – e a Manufatura d’Aubusson apresentam as suas obras primas para celebrar o centenário do fim da Primeira Guerra mundial. Quem poderia imaginar que os mais famosos pintores modernos teriam feito da tapessaria um campo de experimentação ? Picasso, Matisse, Miró, Zao Wou-Ki, Le Corbusier e tantos outros praticaram a tapessaria no período entre as duas guerras e os artistas contemporâneos continuam a inovar e renovar as abordagens e técnicas. A exposição aborda de maneira original as profundas convulsões do século, os esforços artísticos, sociológicos, políticos e técnicos. Em um percurso cronológico e temático são exibidos quase cem objetos: tapeçarias, tapetes e móveis cuja qualidade atesta a vitalidade da criação e o excepcional know-how das manufaturas, que atravessaram este século reinventando-se constantemente.
Galerie des Gobelins - 2 Avenue des Gobelins, 75013 Paris
www.mobiliernational.culture.gouv.fr
O Mobilier national que integra as três manufaturas reais de tapeçaria criadas pelo rei Luis XIV – Gobelins, Beauvais e a Savonnerie – e a Manufatura d’Aubusson apresentam as suas obras primas para celebrar o centenário do fim da Primeira Guerra mundial. Quem poderia imaginar que os mais famosos pintores modernos teriam feito da tapessaria um campo de experimentação ? Picasso, Matisse, Miró, Zao Wou-Ki, Le Corbusier e tantos outros praticaram a tapessaria no período entre as duas guerras e os artistas contemporâneos continuam a inovar e renovar as abordagens e técnicas. A exposição aborda de maneira original as profundas convulsões do século, os esforços artísticos, sociológicos, políticos e técnicos. Em um percurso cronológico e temático são exibidos quase cem objetos: tapeçarias, tapetes e móveis cuja qualidade atesta a vitalidade da criação e o excepcional know-how das manufaturas, que atravessaram este século reinventando-se constantemente.
Galerie des Gobelins - 2 Avenue des Gobelins, 75013 Paris
www.mobiliernational.culture.gouv.fr
Catedral de Chartres © A Lombard
CHARTRES EN LUMIERES todas as noites de 14 de Abril a Outubro de 2018
A uma hora de Paris, na região natural da Beauce e dominando um planalto, vislumbramos a cidade de Chartres, cuja maravilhosa catedral se destaca na paisagem. Inscrita no patrimônio da humanidade pela Unesco, seus vitrais são considerados como um dos conjuntos mais completos e preservados da Idade Média e são famosos pelo seu incomparável azul. O encanto de descobrir a cidade antiga com suas construções medievais e renascentistas, suas ruelas e escadas tortuosas é prolongado durante o evento Chartres em Luzes. De abril a outubro, Chartres ilumina o conjunto do seu patrimônio com a técnica do mapping vídeo. Com base nas linhas arquitetônicas dos edifícios e monumentos, os vídeos projetam um cenário inspirado pelo monumento, sua história, sua arquitetura. Nessa décima quinta edição de Chartres em Luzes, 23 pontos da cidade histórica se iluminarão em um espetáculo de tirar o fôlego. A edição de 2018 oferece três novas cenografias. Uma impressionante cenografia interativa na Capela Sainte Foy onde, graças a uma grande tela sensível ao toque, os visitantes poderão criar sua própria iluminação na fachada da capela entre 120 combinações possíveis. A Colegial Saint André e o Teatro de Chartres apresentarão novas animações em suas fachadas. O evento tem seu ponto culminante na Festa das Luzes, no terceiro sábado de setembro, quando a cidade propõe uma infinidade de divertimentos e instalações artísticas. Uma bela escapada numa cidade dinâmica e histórica.
A uma hora de Paris, na região natural da Beauce e dominando um planalto, vislumbramos a cidade de Chartres, cuja maravilhosa catedral se destaca na paisagem. Inscrita no patrimônio da humanidade pela Unesco, seus vitrais são considerados como um dos conjuntos mais completos e preservados da Idade Média e são famosos pelo seu incomparável azul. O encanto de descobrir a cidade antiga com suas construções medievais e renascentistas, suas ruelas e escadas tortuosas é prolongado durante o evento Chartres em Luzes. De abril a outubro, Chartres ilumina o conjunto do seu patrimônio com a técnica do mapping vídeo. Com base nas linhas arquitetônicas dos edifícios e monumentos, os vídeos projetam um cenário inspirado pelo monumento, sua história, sua arquitetura. Nessa décima quinta edição de Chartres em Luzes, 23 pontos da cidade histórica se iluminarão em um espetáculo de tirar o fôlego. A edição de 2018 oferece três novas cenografias. Uma impressionante cenografia interativa na Capela Sainte Foy onde, graças a uma grande tela sensível ao toque, os visitantes poderão criar sua própria iluminação na fachada da capela entre 120 combinações possíveis. A Colegial Saint André e o Teatro de Chartres apresentarão novas animações em suas fachadas. O evento tem seu ponto culminante na Festa das Luzes, no terceiro sábado de setembro, quando a cidade propõe uma infinidade de divertimentos e instalações artísticas. Uma bela escapada numa cidade dinâmica e histórica.
Duco Sangharé - Peuhl © musée du quai Branly - Jacques Chirac, photo Claude Germain
PEINTURES DES LOINTAINS, a coleção do Museu do quai Branly-Jacques Chirac – de 30 de janeiro de 2018 a 6 de janeiro de 2019
Reunindo mais de 220 pinturas e obras gráficas da coleção do Museu, realizadas na maior parte entre 1830 e 1930, essa exposição destaca e questiona uma parte importante da história cultural e política da França, o colonialismo. Essas obras inéditas revelam a evolução do olhar do homem europeu sobre os povos, culturas e territórios longínquos. Diante do estranho e do desconhecido, os artistas ocidentais expressam sensações, emoções e pontos de vista variados. Primeiro cedendo à tentação do exotismo - onde a exaltação da cor e da luz favorecem os sonhos de um Oriente de luxo e volúpia – aparecendo mais tarde um olhar mais realista, etnográfico, atento ao outro. Das figuras dos ameríndios de George Catlin às cenas da vida cotidiana no Cairo de Emile Bernard, passando pelas estampas e desenhos do Tahiti feitas por Matisse ou Gauguin, entre o sonho e o naturalismo, a fantasia e o documentário, o romantismo e a propaganda colonial, essa coleção de pinturas é um reflexo da história artística e política do país.
Musée du quai Branly - Jacques Chirac - 37 Quai Branly, 75007 Paris
www.quaibranly.fr
"São Martinho", Escola Creto-veneziana, em torno de 1500 © Petit Palais
COLEÇÃO DE ÍCONES E DAS ARTES CRISTÃS DO ORIENTE
O Petit Palais inaugurou uma bela sala dedicada à sua notável coleção de ícones e artes cristãs do Oriente. Esse conjunto dará uma visão da arte sagrada e das práticas do culto do Oriente cristão do século X ao século XIX, desde a Grécia até a Etiópia, passando pelos Balcãs, pelas ilhas do Mediterrâneo e a Rússia. Os ícones desta coleção são oriundos de diferentes escolas de pintura presentes no mundo ortodoxo do século XV ao XIX. A queda de Constantinopla em 1453 levou ao fim do Império Bizantino onde foram criadas estas pinturas sobre madeira com fundo dourado representando o Cristo, a Virgem ou os santos. Os objetos de culto permaneceram em uso nas comunidades cristãs da Grécia e dos Balcãs que, após a queda de Constantinopla, passaram sob domínio otomano. A Creta, possessão de Veneza e onde numerosos artistas de Constantinopla encontraram refúgio, se tornou o novo centro de produção ligada à Itália. A Rússia, nova guardiã da herança ortodoxa, continuou a produzir ícones procedentes de diferentes centros artísticos, que desde a Idade Média, tinham copiado as regras do Império Bizantino. Uma magnífica coleção !
Petit Palais - Avenue Winston Churchill, 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr/
Telhado do Grande Arco da Défense, visto do drone © Riad Kneife
LA GRANDE ARCHE DE LA DEFENSE
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
Centro de Criação Contemporânea Olivier Debré (CCCOD) em Tours
CENTRE DE CREATION CONTEMPORAINE OLIVIER DEBRE (CCC OD) - cidade de Tours
Tours, cidade de história, arte e cultura situada no vale do Loire, inaugura em pleno coração da cidade, o novo centro de arte contemporânea Olivier Debré. O edifício dos anos 50 préexistente, emblemático de um patrimônio arquitetural e expressão da memória coletiva, foi preservado e completado pela proposição original da agência dos irmãos arquitetos portugueses Manuel e Francisco Aires Mateus - um novo volume com revestimento de pedra que se eleva acima de uma galeria de vidro. O interior compõ-se de três núcleos principais : uma nave visível em permanência do exterior, uma galeria branca, o white cub, um espaço de grandes volumes que recebe luz a partir de uma iluminação zenital indireta. E a galeria escura, que oferece a possibilidade de um escuro total, um pedido que tornou-se recorrente nas práticas de exposições contemporâneas (videos, obras luminosas, digital…). Pequenas galerias, em torno das duas grandes, oferecem outros espaços de exposição. Dois auditórios acolherão conferências e projeções. A livraria propõe uma seleção de livros de arte e no primeiro andar o Café será um ponto de encontro de referência da cidade. A arquitetura do CCC OD é luminosa, sóbria e de agradável percurso.
CCC OD - Jardin François 1er, 37000 Tours
www.cccod.fr
Tours, cidade de história, arte e cultura situada no vale do Loire, inaugura em pleno coração da cidade, o novo centro de arte contemporânea Olivier Debré. O edifício dos anos 50 préexistente, emblemático de um patrimônio arquitetural e expressão da memória coletiva, foi preservado e completado pela proposição original da agência dos irmãos arquitetos portugueses Manuel e Francisco Aires Mateus - um novo volume com revestimento de pedra que se eleva acima de uma galeria de vidro. O interior compõ-se de três núcleos principais : uma nave visível em permanência do exterior, uma galeria branca, o white cub, um espaço de grandes volumes que recebe luz a partir de uma iluminação zenital indireta. E a galeria escura, que oferece a possibilidade de um escuro total, um pedido que tornou-se recorrente nas práticas de exposições contemporâneas (videos, obras luminosas, digital…). Pequenas galerias, em torno das duas grandes, oferecem outros espaços de exposição. Dois auditórios acolherão conferências e projeções. A livraria propõe uma seleção de livros de arte e no primeiro andar o Café será um ponto de encontro de referência da cidade. A arquitetura do CCC OD é luminosa, sóbria e de agradável percurso.
CCC OD - Jardin François 1er, 37000 Tours
www.cccod.fr
Confluentia, de Bina Baitel. Tecelagem Atelier Françoise Vernaudon © Eric Roger/Cité Internationale de la Tapisserie
CITE INTERNATIONALE DE LA TAPISSERIE em Aubusson
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
CHATEAU DU CLOS LUCE
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
www.vinci-closluce.com
Jardins de Valloires © R. Duthilleul SMBS -GLP
JARDINS DE VALLOIRES na Picardia
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Abadia de Auberive - ala oeste
L’ABBAYE DE L’AUBERIVE
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Les Caves du Louvre
LES CAVES DU LOUVRE
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
"Axis Mundi" de Charles Sandison
MUDO – Musée de l’Oise – Beauvais
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
Abadia de Royaumont
Abadia e Fundação Royaumont – cerca de 35 km ao norte
de Paris
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
Parc du Petit Prince
Parc du Petit Prince – Parque do Pequeno Príncipe –
Alsácia
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.
Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
.
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.
Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
.
Château de Chaumont sur Loire
©E. Sander
Château de Chaumont sur Loire – a menos de duas horas de
Paris
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
Domaine de Villarceaux
Dominio de Villarceaux - cercanias de Paris
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
Villa des Brillants à Meudon
Musée Rodin – Villa des Brillants – Meudon (a 20 minutos de Paris)
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
