Andy Warhol
Michael Jackson
1984
Acrílico e tinta serigráfica sobre tela
76,2 x 66 cm
The Andy Warhol Museum, Pittsburgh;
Founding Collection, Contribution The Andy
Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.
© The Andy Warhol Foundation for the Visual
Arts, Inc. / Licensed by Adagp, Paris, 2018
Michael Jackson : On the Wall – exposição de 23 de Novembro de 2018 a 14 de Fevereiro de 2019
Michael Jackson é uma das figuras culturais mais influentes do século XX, e seu legado continua presente. Sua influência e fama continuam intensas, e as questões que Jackson levantou, especialmente do ponto de vista de identidade, raça e celebridade, ainda são relevantes. Michael Jackson também é uma das figuras mais proeminentes nas artes visuais. Desde que Andy Warhol usou sua imagem em 1982, uma grande variedade de artistas contemporâneos, de diferentes gerações e trabalhando em diferentes países, fizeram o mesmo. Michael Jackson: On the Wall reúne obras de mais de 40 artistas, obras de coleções públicas e particulares e também inclui obras criadas especialmente para a ocasião. Estas obras integram-se no contexto da vida e da obra de Michael Jackson com a preocupação de fazer emergir os desafios culturais, sociais e políticos que marcaram a trajetória singular desse artista afro-americano em ressonância com os acontecimentos de seu tempo. A exposição tenta questionar a extensão e o impacto de seu trabalho na cultura de hoje, por que e como o artista continua a influenciar novas gerações de artistas e fãs em diferentes lugares do mundo.
Grand Palais - 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
www.grandpalais.fr
Michael Jackson é uma das figuras culturais mais influentes do século XX, e seu legado continua presente. Sua influência e fama continuam intensas, e as questões que Jackson levantou, especialmente do ponto de vista de identidade, raça e celebridade, ainda são relevantes. Michael Jackson também é uma das figuras mais proeminentes nas artes visuais. Desde que Andy Warhol usou sua imagem em 1982, uma grande variedade de artistas contemporâneos, de diferentes gerações e trabalhando em diferentes países, fizeram o mesmo. Michael Jackson: On the Wall reúne obras de mais de 40 artistas, obras de coleções públicas e particulares e também inclui obras criadas especialmente para a ocasião. Estas obras integram-se no contexto da vida e da obra de Michael Jackson com a preocupação de fazer emergir os desafios culturais, sociais e políticos que marcaram a trajetória singular desse artista afro-americano em ressonância com os acontecimentos de seu tempo. A exposição tenta questionar a extensão e o impacto de seu trabalho na cultura de hoje, por que e como o artista continua a influenciar novas gerações de artistas e fãs em diferentes lugares do mundo.
Grand Palais - 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
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Hervé Di Rosa, Le Bonheur -
Etapa 1 : Sofia, Bulgaria, 1993
Tempera e folha de ouro sobre madeira.
Coleção particular.
© ADAGP, Paris 2018. Foto : Pierre Schwartz
DI ROSA, L’OEUVRE AU MONDE – exposição de 20 de Outubro de 2018 a 20 de Janeiro de 2019 em Roubaix
Hervé Di Rosa é um artista contemporâneo e principal ator da Figuração Livre. Nasceu em 1959 na cidade de Sète no sul da França. Em suas obras, Hervé Di Rosa retorna à figuração, em resposta a décadas de arte conceitual e intelectual, misturando todas as formas de arte sem divergência cultural e geográfica. Seus trabalhos utilizam as belas artes e artes aplicadas, arte ocidental e não ocidental. Ele utiliza o grafite, cartazes, quadrinhos, pop art, rock e punk e cultura suburbana. Durante alguns anos, ele expôs na Europa e nos Estados Unidos com Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Grande viajante, ele percorre o mundo para conhecer, aprender e compartilhar seu ofício com outros artesãos. Hervé Di Rosa entrelaça o conhecimento de cada um em um trabalho comum, rico em culturas, experiências e sentidos. Em parceria com os melhores artesãos, Hervé Di Rosa, continua seu trabalho iniciado há algumas décadas, talvez no porto de Sète. A exposição em Roubaix apresenta também as últimas obras de Hervé Di Rosa, cerâmicas feitas durante a décima nona etapa dessa volta ao mundo criativa do artista. Essas cerâmicas foram realizadas junto aos famosos artesãos da empresa Viúva Lamego, uma das históricas fábricas de azulejos de Portugal.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine
Hervé Di Rosa é um artista contemporâneo e principal ator da Figuração Livre. Nasceu em 1959 na cidade de Sète no sul da França. Em suas obras, Hervé Di Rosa retorna à figuração, em resposta a décadas de arte conceitual e intelectual, misturando todas as formas de arte sem divergência cultural e geográfica. Seus trabalhos utilizam as belas artes e artes aplicadas, arte ocidental e não ocidental. Ele utiliza o grafite, cartazes, quadrinhos, pop art, rock e punk e cultura suburbana. Durante alguns anos, ele expôs na Europa e nos Estados Unidos com Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Grande viajante, ele percorre o mundo para conhecer, aprender e compartilhar seu ofício com outros artesãos. Hervé Di Rosa entrelaça o conhecimento de cada um em um trabalho comum, rico em culturas, experiências e sentidos. Em parceria com os melhores artesãos, Hervé Di Rosa, continua seu trabalho iniciado há algumas décadas, talvez no porto de Sète. A exposição em Roubaix apresenta também as últimas obras de Hervé Di Rosa, cerâmicas feitas durante a décima nona etapa dessa volta ao mundo criativa do artista. Essas cerâmicas foram realizadas junto aos famosos artesãos da empresa Viúva Lamego, uma das históricas fábricas de azulejos de Portugal.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine
La Piscine © A. Leprince M.A.I.A.D. Roubaix
LA PISCINE – o museu de artes e indústria da cidade de Roubaix
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
Gustave LE GRAY. Le brick au clair de lune, 1856. Papier salé albuminisé à partir de deux
négatifs verre. H. 32 x L. 41, 7. Inv. PH 646.
LES PRIMITIFS DE LA PHOTOGRAPHIE DU XIX SIECLE – exposição de 30 de Outubro de 2018 a 6 de Janeiro de 2019
O Domaine de Chantilly expõe um conjunto de fotografias que pertenceu a Henri d’Orléans, Duque d’Aumale (1822-1897), quinto filho do rei Luis-Filipe. A coleção do Duque abrange a geração dos pioneiros da fotografia como Baldus, Le Grey, ou Fenton, até as primeiras fotos amadoras, como as de seu sobrinho Robert de Orléans, Duque de Chartres, e o aparecimento da fotografia industrial. D’Aumale, quando de seu exílio na Inglaterra e para manter-se atualizado, passou a colecionar fotos de Paris de Napoleão III, na época em plena transformação, feitas por Baldus e os irmãos Bisson. Edouard Baldus (1813-1889) foi talvez o maior fotógrafo arquitetônico da década de 1850. O Duque, um militar, foi governador geral da Algéria e como tal colecionou fotografias do país, infelizmente anônimas, como a grande vista panorâmica do porto de Argel ou visões estereoscópicas da cidade de Constantina. O seu interesse fotográfico também abrangeu as escavações arqueológicas de Roma e Atenas e reproduções de obras de arte. As fotografias mais antigas preservadas em Chantilly são retratos, e as fotografias mais famosas de Chantilly são certamente as cinco soberbas marinhas de Gustave Le Gray (1820-1884). As vistas das montanhas nevadas estiveram muito na moda na década de 1860 e os fotógrafos mais famosos desse gênero foram os irmãos Bisson e Adolphe Braun. Desse último o Duque adquiriu numerosas vistas de montanhas que legou a Chantilly. Uma exposição excepcional !
Domaine de Chantilly, Château de Chantilly, cabinet d’arts graphiques
www.domainedechantilly.com/fr/
O Domaine de Chantilly expõe um conjunto de fotografias que pertenceu a Henri d’Orléans, Duque d’Aumale (1822-1897), quinto filho do rei Luis-Filipe. A coleção do Duque abrange a geração dos pioneiros da fotografia como Baldus, Le Grey, ou Fenton, até as primeiras fotos amadoras, como as de seu sobrinho Robert de Orléans, Duque de Chartres, e o aparecimento da fotografia industrial. D’Aumale, quando de seu exílio na Inglaterra e para manter-se atualizado, passou a colecionar fotos de Paris de Napoleão III, na época em plena transformação, feitas por Baldus e os irmãos Bisson. Edouard Baldus (1813-1889) foi talvez o maior fotógrafo arquitetônico da década de 1850. O Duque, um militar, foi governador geral da Algéria e como tal colecionou fotografias do país, infelizmente anônimas, como a grande vista panorâmica do porto de Argel ou visões estereoscópicas da cidade de Constantina. O seu interesse fotográfico também abrangeu as escavações arqueológicas de Roma e Atenas e reproduções de obras de arte. As fotografias mais antigas preservadas em Chantilly são retratos, e as fotografias mais famosas de Chantilly são certamente as cinco soberbas marinhas de Gustave Le Gray (1820-1884). As vistas das montanhas nevadas estiveram muito na moda na década de 1860 e os fotógrafos mais famosos desse gênero foram os irmãos Bisson e Adolphe Braun. Desse último o Duque adquiriu numerosas vistas de montanhas que legou a Chantilly. Uma exposição excepcional !
Domaine de Chantilly, Château de Chantilly, cabinet d’arts graphiques
www.domainedechantilly.com/fr/
Cartaz WEFRAC 2018
WEFRAC – Week-end des Fonds Régionaux d’Art Contemporain – 17-18 de Novembro de 2018
Há mais de trinta anos, os FRAC (Fundo Regional de Arte Contemporânea), presentes em todo o território francês, incentivam a criação dos jovens artistas e constituem grandes coleções de arte contemporânea. Os vinte e três FRAC estruturam a rede de arte francesa e acompanham a carreira dos artistas. O evento WEFRAC - portas abertas dos centros durante um fim de semana - oferece, nesta sua terceira edição, uma programação festiva, convivial e especial. Este ano haverá como sempre "porta aberta", mas também a confrontação de estéticas será enriquecida por encontros com uma variedade de personalidades surpreendentes e inesperadas em um espaço de exposição. São convidados : jornalista, dançarino, letrista de hip-hop, um Chef, humorista, jogador de futebol, estudantes do ensino médio, estudantes de artes visuais, jardineiro, ou militante da LGBT. Todos estão convidados. Basta ter a curiosidade de dialogar com os artistas que, através de suas obras, mostram como percebem o mundo. Basta querer se surpreender e entrar na festa !
http://www.wefrac.fr/
Gustave Moreau (1826-1898)
Esboço
oléo sobre tela ; 27 × 22 cm
Paris, musée Gustave Moreau, Cat. 1151
© RMN-Grand Palais / Christian Jean
VERS LE SONGE ET L’ABSTRAIT – GUSTAVE MOREAU - exposição de 17 de Outubro de 2018 a 21 de Janeiro de 2019
Gustave Moreau (1826-1898) foi uma figura importante na pintura simbolista francesa cuja obra se concentrou na ilustração de figuras bíblicas e mitológicas. O Musée Gustave Moreau, situado na sua magnífica casa-atelier, conserva uma coleção de mais de 25.000 obras do pintor. A equipe científica que trabalhou na exposição « Rumo ao sonho e ao abstrato » examinou suas pinturas e aquarelas não figurativas e questionou o seu status de obras abstratas. Seria Moreau, como foi considerado pelos críticos de arte e artistas dos anos 50, o precursor da abstração ? Eles ressaltam que Moreau considerava o abstrato a não-materialidade, a transcedência, o além e não uma oposição ao figurativo. Desde a inauguração do museu em 1903, alguns críticos percebem que as obras figurativas de Moreau são esboços das obras realizadas posteriormente. A equipe científica estudou a maneira como o pintor elaborava sua obra, como construia a composição a partir da cor e a definição do motivo a partir do desenho. Ele inventou uma maneira de pintar que questiona a relação entre a linha e a forma, as cores e os valores, tentando escapar ao realismo. Moreau transmitiu aos seus estudantes, os fundadores do fauvismo, o seu amor à cor. A exposição é apresentada na galeria do primeiro andar e nos ateliers do segundo e terceiro andar, num percurso de sete seções, reunindo uma centena de pinturas e aquarelas.
Musée Gustave Moreau – 14, rue de la Rochefoucauld – 75009 Paris
www.musee-moreau.fr
Gustave Moreau (1826-1898) foi uma figura importante na pintura simbolista francesa cuja obra se concentrou na ilustração de figuras bíblicas e mitológicas. O Musée Gustave Moreau, situado na sua magnífica casa-atelier, conserva uma coleção de mais de 25.000 obras do pintor. A equipe científica que trabalhou na exposição « Rumo ao sonho e ao abstrato » examinou suas pinturas e aquarelas não figurativas e questionou o seu status de obras abstratas. Seria Moreau, como foi considerado pelos críticos de arte e artistas dos anos 50, o precursor da abstração ? Eles ressaltam que Moreau considerava o abstrato a não-materialidade, a transcedência, o além e não uma oposição ao figurativo. Desde a inauguração do museu em 1903, alguns críticos percebem que as obras figurativas de Moreau são esboços das obras realizadas posteriormente. A equipe científica estudou a maneira como o pintor elaborava sua obra, como construia a composição a partir da cor e a definição do motivo a partir do desenho. Ele inventou uma maneira de pintar que questiona a relação entre a linha e a forma, as cores e os valores, tentando escapar ao realismo. Moreau transmitiu aos seus estudantes, os fundadores do fauvismo, o seu amor à cor. A exposição é apresentada na galeria do primeiro andar e nos ateliers do segundo e terceiro andar, num percurso de sete seções, reunindo uma centena de pinturas e aquarelas.
Musée Gustave Moreau – 14, rue de la Rochefoucauld – 75009 Paris
www.musee-moreau.fr
Dorothea Lange
Toward Los Angeles, California, 1937 © The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California
DOROTHEA LANGE, politiques du visible – exposição de 16 de Outubro de 2018 a 27 de Janeiro de 2019
O trabalho da fotógrafa americana Dorothea Langea (1895-1966) ajudou a moldar a nossa visão do período entre as guerras nos Estados Unidos e refinar o nosso conhecimento desse período. Em 1932, durante a Grande Depressão, que começou em 1929, Lange, observando pessoas desempregadas e desabrigadas nas ruas de São Francisco, abandonou sua atividade como retratista de estúdio, julgando-a inapropriada. Durante dois anos, que marcam um momento decisivo em sua vida, ela fotografa situações que descrevem o impacto social da recessão urbana. Em 1935 ela trabalha junto com Paul Schuster Taylor, professor de economia, nas agências federais estabelecidas no âmbito do New Deal. Sua colaboração durará mais de trinta anos: durante a Segunda Guerra Mundial, Lange praticou a fotografia ininterruptamente, documentando os principais problemas da época, incluindo o internamento de famílias nipo-americanas, as evoluções econômicas e sociais atribuíveis às indústrias envolvidas no esforço de guerra. Outros aspectos de sua prática, que ela considerava arquivística, também são destacados na exposição. Reposicionando as fotografias de Lange no contexto de sua abordagem antropológica, a exposição oferece ao público a oportunidade de entender que a força dessas imagens também está enraizada nas interações do fotógrafo com o tema, que é evidente nas legendas que ela escreve para acompanhar suas fotografias. Dorothea Lange criou imagens tanto íntimas como comoventes ao longo de sua carreira para denunciar a injustiça e influenciar a opinião pública.
JEU DE PAUME - 1, Place de la Concorde - 75008 · PARIS
www.jeudepaume.org
O trabalho da fotógrafa americana Dorothea Langea (1895-1966) ajudou a moldar a nossa visão do período entre as guerras nos Estados Unidos e refinar o nosso conhecimento desse período. Em 1932, durante a Grande Depressão, que começou em 1929, Lange, observando pessoas desempregadas e desabrigadas nas ruas de São Francisco, abandonou sua atividade como retratista de estúdio, julgando-a inapropriada. Durante dois anos, que marcam um momento decisivo em sua vida, ela fotografa situações que descrevem o impacto social da recessão urbana. Em 1935 ela trabalha junto com Paul Schuster Taylor, professor de economia, nas agências federais estabelecidas no âmbito do New Deal. Sua colaboração durará mais de trinta anos: durante a Segunda Guerra Mundial, Lange praticou a fotografia ininterruptamente, documentando os principais problemas da época, incluindo o internamento de famílias nipo-americanas, as evoluções econômicas e sociais atribuíveis às indústrias envolvidas no esforço de guerra. Outros aspectos de sua prática, que ela considerava arquivística, também são destacados na exposição. Reposicionando as fotografias de Lange no contexto de sua abordagem antropológica, a exposição oferece ao público a oportunidade de entender que a força dessas imagens também está enraizada nas interações do fotógrafo com o tema, que é evidente nas legendas que ela escreve para acompanhar suas fotografias. Dorothea Lange criou imagens tanto íntimas como comoventes ao longo de sua carreira para denunciar a injustiça e influenciar a opinião pública.
JEU DE PAUME - 1, Place de la Concorde - 75008 · PARIS
www.jeudepaume.org
Francisco Javier Seguí de la Riva
& Ana Buenaventura
Juegos cósmicos 1, 1972
Courtesy Francisco Javier Seguí de la Riva
& Ana Buenaventura
MADRID, OCTOBRE 68 – la scène expérimentale espagnole – exposição de 12 de Outubro de 2018 a 24 de Fevereiro de 2019
Em 1968, IBM oferece um computador à universidade espanhola, marcando o início das atividades do Centro de Computação. Depois de décadas de isolamento cultural, artistas, arquitetos e músicos embarcaram em uma reflexão em torno da exploração do computador em seus processos criativos. O Centro de Computação torna-se o espaço mais significativo de liberdade criativa desde o final da ditadura, afirmando-se como uma estrutura de experimentação coletiva. A imunidade assegurada pela aura da tecnologia, aparentemente não-ideológica, permite ao centro impulsionar a inovação espanhola que tinha permanecido em gestação. A experimentação abre-se a novas formas de expressão em todos os campos de criação como a música e as artes visuais, baseando-se nas novas teorias linguísticas de Noam Chomsky e no legado da poesia experimental espanhola. A exposição mostra o trabalho de Javier Seguí de la Riva que forma a coletânea necessária para compreender o contexto do período e para unir as obras de arquitetos e artistas em um questionamento em torno do imaginário e da experimentação. Com esta exposição o Centro Frac-Val de Loire inaugura a primeira dedicada na França à cena experimental espanhola dos anos 1960-1980.
Frac Centre-Val de Loire / Les Turbulences - 88 rue du Colombier, 45000 Orléans
www.frac-centre.fr
Em 1968, IBM oferece um computador à universidade espanhola, marcando o início das atividades do Centro de Computação. Depois de décadas de isolamento cultural, artistas, arquitetos e músicos embarcaram em uma reflexão em torno da exploração do computador em seus processos criativos. O Centro de Computação torna-se o espaço mais significativo de liberdade criativa desde o final da ditadura, afirmando-se como uma estrutura de experimentação coletiva. A imunidade assegurada pela aura da tecnologia, aparentemente não-ideológica, permite ao centro impulsionar a inovação espanhola que tinha permanecido em gestação. A experimentação abre-se a novas formas de expressão em todos os campos de criação como a música e as artes visuais, baseando-se nas novas teorias linguísticas de Noam Chomsky e no legado da poesia experimental espanhola. A exposição mostra o trabalho de Javier Seguí de la Riva que forma a coletânea necessária para compreender o contexto do período e para unir as obras de arquitetos e artistas em um questionamento em torno do imaginário e da experimentação. Com esta exposição o Centro Frac-Val de Loire inaugura a primeira dedicada na França à cena experimental espanhola dos anos 1960-1980.
Frac Centre-Val de Loire / Les Turbulences - 88 rue du Colombier, 45000 Orléans
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O rei Luis Filipe e seus filhos saindo pelo portão de honra do Palácio de Versalhes , 10 junho de 1837, Horace Vernet, 1846, Musée des châteaux de Versailles et de Trianon
© RMN-GP (Château de Versailles) / Daniel Arnaudet
LOUIS-PHILIPPE ET VERSAILLES – exposição de 6 de outubro de 2018 a 3 de Fevereiro de 2019
O Palácio de Versalhes dedica uma exposição a Luís-Filipe, que transformou a antiga residência real em um museu dedicado a história da França. Herdeiro da família Orleans, Luís-Filipe tem pouca história em comum com o Versalhes do Antigo Regime. No entanto, após a sua ascensão ao trono em 1830, ele se interessou pelo palácio e trabalhou para transformá-lo em um monumento nacional. Seu objetivo foi certamente o de reconciliar os franceses e inscrever seu reinado na história nacional. A partir de então, dois Versalhes coexistem. A residência real no edifício central, com os restaurados e renovados Grandes Apartamentos, onde a antiga monarquia é evocada no apartamento cerimonial do rei. Nas alas norte e sul, Luis-Filipe cria galerias históricas de uma ponta a outra do palácio : a Galeria das Batalhas, a Sala dos Estados Gerais e a Sala de 1792, o salão da coroação de Napoleão, os salões das cruzadas e os salões da África. Para a implementação deste projeto, o arquiteto do palácio, Frédéric Nepveu, inspirou-se do vocabulário decorativo dos Grandes Apartamentos, mas utilizou novas técnicas, em particular uma estrutura metálica que permite a iluminação zenital da monumental Galeria das Batalhas. A exposição é apresentada em todas essas salas que foram restauradas para a ocasião.
Château de Versailles - Place d'Armes, 78000 Versailles
http://www.chateauversailles.fr/
O Palácio de Versalhes dedica uma exposição a Luís-Filipe, que transformou a antiga residência real em um museu dedicado a história da França. Herdeiro da família Orleans, Luís-Filipe tem pouca história em comum com o Versalhes do Antigo Regime. No entanto, após a sua ascensão ao trono em 1830, ele se interessou pelo palácio e trabalhou para transformá-lo em um monumento nacional. Seu objetivo foi certamente o de reconciliar os franceses e inscrever seu reinado na história nacional. A partir de então, dois Versalhes coexistem. A residência real no edifício central, com os restaurados e renovados Grandes Apartamentos, onde a antiga monarquia é evocada no apartamento cerimonial do rei. Nas alas norte e sul, Luis-Filipe cria galerias históricas de uma ponta a outra do palácio : a Galeria das Batalhas, a Sala dos Estados Gerais e a Sala de 1792, o salão da coroação de Napoleão, os salões das cruzadas e os salões da África. Para a implementação deste projeto, o arquiteto do palácio, Frédéric Nepveu, inspirou-se do vocabulário decorativo dos Grandes Apartamentos, mas utilizou novas técnicas, em particular uma estrutura metálica que permite a iluminação zenital da monumental Galeria das Batalhas. A exposição é apresentada em todas essas salas que foram restauradas para a ocasião.
Château de Versailles - Place d'Armes, 78000 Versailles
http://www.chateauversailles.fr/
Igreja Nossa Senhora da Hora, Mosul, Iraque, 2018
CITES MILLENAIRES, voyage virtuel de Palmyre à Mossoul – exposição virtual de 10 de Outubro de 2018 a 10 de Fevereiro de 2019
Diante da destruição maciça infligida nestes últimos anos ao patrimônio árabe, a exposição Cidades Milenares, viagem virtual de Palmira a Mosul tem como objetivo mostrar o que se passa no mundo árabe, explicando e contextualizando. A ambição é dar um acesso direto aos monumentos, renderizados em 3D, a fim de mostrar esses vestígios da humanidade como eles eram e como são hoje. Reviver o templo de Baal Shamin em Palmira ou a mesquita dos omíadas em Aleppo, permitirá que todos compreendam a beleza e se conscientizem do valor, da fragilidade dessa herança. Através das novas tecnologias digitais a exposição oferece uma experiência singular, totalmente virtual. Somos transportados tanto no espaço, em lugares de difícil acesso ou inacessíveis - até mesmo proibidos - como no tempo, passado, presente e futuro. A escolha das quatro cidades - Palmira, Aleppo, Mosul, Leptis Magna – nos faz penetrar no coração de brilhantes civilizações e tornar-nos consciente de sua diversidade. Também permite descrever contextos geopolíticos contemporâneos muito diferentes, e evocar essas cidades como lugar de vida. A exposição é concebida como um manifesto para a defesa dessas cidades extraordinárias e, de modo geral, para a preservação do patrimônio em todo o mundo.
Institut du Monde Arabe - 1, rue des Fossés Saint-Bernard, 75005 Paris
Diante da destruição maciça infligida nestes últimos anos ao patrimônio árabe, a exposição Cidades Milenares, viagem virtual de Palmira a Mosul tem como objetivo mostrar o que se passa no mundo árabe, explicando e contextualizando. A ambição é dar um acesso direto aos monumentos, renderizados em 3D, a fim de mostrar esses vestígios da humanidade como eles eram e como são hoje. Reviver o templo de Baal Shamin em Palmira ou a mesquita dos omíadas em Aleppo, permitirá que todos compreendam a beleza e se conscientizem do valor, da fragilidade dessa herança. Através das novas tecnologias digitais a exposição oferece uma experiência singular, totalmente virtual. Somos transportados tanto no espaço, em lugares de difícil acesso ou inacessíveis - até mesmo proibidos - como no tempo, passado, presente e futuro. A escolha das quatro cidades - Palmira, Aleppo, Mosul, Leptis Magna – nos faz penetrar no coração de brilhantes civilizações e tornar-nos consciente de sua diversidade. Também permite descrever contextos geopolíticos contemporâneos muito diferentes, e evocar essas cidades como lugar de vida. A exposição é concebida como um manifesto para a defesa dessas cidades extraordinárias e, de modo geral, para a preservação do patrimônio em todo o mundo.
Institut du Monde Arabe - 1, rue des Fossés Saint-Bernard, 75005 Paris
ÀS ARMAS !
poster de propaganda
polonesa durante la guerra
soviéto-polonesa, 1920
© muzeum wojska polskiego
(musée de l’armée polonaise)
A L’EST LA GUERRE SANS FIN 1918-1923– exposição de 5 de Outubro de 2018 a 20 de Janeiro de 2019
No rescaldo das revoluções russas de fevereiro e outubro de 1917 e a assinatura do Tratado de Brest-Litovsk entre a Rússia e os impérios centrais em 3 de março de 1918, os combates parecem diminuir no leste, apesar da guerra civil russa. No Ocidente, pelo contrário, a assinatura deste Tratado permite que a Alemanha reimplante 50 divisões na frente ocidental. A partir de 21 de março, os combates intensificam-se e na primavera a Alemanha lança uma série de ofensivas curtas. Em agosto de 1918, os aliados contra-atacam e forçam o Império alemão a negociar um armistício em 11 de novembro de 1918. Enquanto no Ocidente, a luta cessa entre os beligerantes, uma nebulosa de distúrbios internos, às vezes de guerras civis e confrontos internacionais, opõem os vários países resultantes do colapso do Império Alemão, Austro-Húngaro, Otomano e russo no leste, após a sua derrota militar. O resultado é a violência e a instabilidade, cujas repercussões ainda são visíveis hoje. Nestas circunstâncias, a resolução da primeira guerra mundial é tão complexa quanto frágil. Os vários tratados estabelecidos são ferozmente negociados e rapidamente contestados. Assim, o Tratado de Sèvres, de 10 de agosto de 1920, entre a Turquia e os aliados, é reformulado e substituído, menos de três anos depois, pelo Tratado de Lausanne, assinado em 24 de julho de 1923. Esta exposição tem como objetivo seguir, a leste, da Finlândia ao Líbano, entre 1918 e 1923, a difícil substituição dos antigos impérios pelos novos Estados-nação e o surgimento, através das várias revoluções e contra-revoluções, de uma radicalização totalitária.
Musée de l’Armée – Hôtel national des Invalides –
129, rue de Grenelle – 75007 Paris
Camille CLAUDEL,
L’Abandon, 1905, Bronze, 62,3 x 57 x 27 cm.
Centre national des arts plastiques, en dépôt au musée des Beaux-
Arts de Cambrai © musée des Beaux-Arts de Cambrai
CAMILLE CLAUDEL, PAUL CLAUDEL: le rêve et la vie – exposição de 29 de Setembro de 2018 a 13 de Janeiro de 2019
Em sua primeira exposição temporária, o museu apresenta o diálogo artístico entre Camille Claudel e seu irmão Paul. Em 1913, Camille foi internada em um hospital psiquiátrico. Esse fato tende a esconder a cumplicidade que existiu entre os dois irmãos, a importância de Paul como modelo para a escultora, e a visão do escritor sobre o trabalho de sua irmã e seu papel no reconhecimento de Camille como uma artista proeminente.
Seguindo uma ordem cronológica, a exposição Camille Claudel, Paul Claudel: o sonho e a vida divide-se em três partes. Sua proposta é capturar a intimidade intelectual e artística entre Camille e Paul Claudel, mostrar como os laços estreitos, estabelecidos desde a infância, durarão por toda a vida e aparecerão em seus respectivos trabalhos. Através de documentos de arquivo, fotos, correspondência, a primeira parte da exposição cobre a infância dos irmãos até a internamento de Camille Claudel. A arte japonesa fascina a Europa. A segunda parte da exposição mostra como, integrados em círculos literários e simbólicos, os Claudel descobriram juntos as artes japonesas e como se apropriaram delas de forma diferente. A terceira parte explora o papel de Paul Claudel no reconhecimento do trabalho de sua irmã.
Musée Camille Claudel - 10, rue Gustave Flaubert, 10400 Nogent-sur-Seine
www.museecamilleclaudel.fr
Em sua primeira exposição temporária, o museu apresenta o diálogo artístico entre Camille Claudel e seu irmão Paul. Em 1913, Camille foi internada em um hospital psiquiátrico. Esse fato tende a esconder a cumplicidade que existiu entre os dois irmãos, a importância de Paul como modelo para a escultora, e a visão do escritor sobre o trabalho de sua irmã e seu papel no reconhecimento de Camille como uma artista proeminente.
Seguindo uma ordem cronológica, a exposição Camille Claudel, Paul Claudel: o sonho e a vida divide-se em três partes. Sua proposta é capturar a intimidade intelectual e artística entre Camille e Paul Claudel, mostrar como os laços estreitos, estabelecidos desde a infância, durarão por toda a vida e aparecerão em seus respectivos trabalhos. Através de documentos de arquivo, fotos, correspondência, a primeira parte da exposição cobre a infância dos irmãos até a internamento de Camille Claudel. A arte japonesa fascina a Europa. A segunda parte da exposição mostra como, integrados em círculos literários e simbólicos, os Claudel descobriram juntos as artes japonesas e como se apropriaram delas de forma diferente. A terceira parte explora o papel de Paul Claudel no reconhecimento do trabalho de sua irmã.
Musée Camille Claudel - 10, rue Gustave Flaubert, 10400 Nogent-sur-Seine
www.museecamilleclaudel.fr
Joan Miró Mulheres e pássaros na noite 5 mai 1947 oléo sobre tela 73 x 92 cm États-Unis, New York Calder Foundation © Successió Miró / Adagp, Paris 2018 Foto Calder Foundation, New York / Art Resource, NY.
MIRÓ – exposição de 3 de outubro de 2018 a 4 de Fevereiro de 2019
A criação artística do catalão Miró (1893-1983) semea a arte de todo o século XX, com seu poder e sua poesia. Em uma cenografia que lembra o universo mediterrâneo de Miró, mais de 150 obras entre pinturas, desenhos, cerâmicas, esculturas e livros ilustrados estarão reunidas destacando o itinerário do artista marcado por renovações incessantes. A exposição exibe suas obras fauvistas, cubistas e surrealistas para as quais Miró inventou um mundo poético, até então desconhecido na pintura do século XX. Estes períodos mostram o questionamento do artista, suas pesquisas e sua paleta de cores e um vocabulário de formas incomuns e novas. Sua arte se enraiza na vida cotidiana e faz emerger um mundo até então desconhecido onde os sonhos do criador ocupam um lugar privilegiado. A ascensão do fascismo na década de 1930 fez com que ele se envolvesse em uma luta pela liberdade. Representações selvagens ilustram o poder estranho e sem precedentes que ele dá ao seu trabalho nesses momentos de extrema tensão. Na década de 1940, Constelações, uma série de pequeno formato executadas em Varengeville-sur-Mer, na Normandia, dialoga com os sonhos não realizados. Suas esculturas em cerâmica também refletem o mundo entre realidade e devaneio. Através de formas simplificadas, Miró constrói um mundo encantador.
Grand Palais
www.grandpalais.fr
A criação artística do catalão Miró (1893-1983) semea a arte de todo o século XX, com seu poder e sua poesia. Em uma cenografia que lembra o universo mediterrâneo de Miró, mais de 150 obras entre pinturas, desenhos, cerâmicas, esculturas e livros ilustrados estarão reunidas destacando o itinerário do artista marcado por renovações incessantes. A exposição exibe suas obras fauvistas, cubistas e surrealistas para as quais Miró inventou um mundo poético, até então desconhecido na pintura do século XX. Estes períodos mostram o questionamento do artista, suas pesquisas e sua paleta de cores e um vocabulário de formas incomuns e novas. Sua arte se enraiza na vida cotidiana e faz emerger um mundo até então desconhecido onde os sonhos do criador ocupam um lugar privilegiado. A ascensão do fascismo na década de 1930 fez com que ele se envolvesse em uma luta pela liberdade. Representações selvagens ilustram o poder estranho e sem precedentes que ele dá ao seu trabalho nesses momentos de extrema tensão. Na década de 1940, Constelações, uma série de pequeno formato executadas em Varengeville-sur-Mer, na Normandia, dialoga com os sonhos não realizados. Suas esculturas em cerâmica também refletem o mundo entre realidade e devaneio. Através de formas simplificadas, Miró constrói um mundo encantador.
Grand Palais
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Anônimo, Gaiola de pássaros, por volta de 1750-1751. Ferro pintado e porcelana Musée des Arts Décoratifs
LA FABRIQUE DU LUXE - Les marchands merciers parisiens au XVIIIe siècle -exposição de 29 de Setembro de 2018 a 27 de Janeiro de 2019
« A fábrica de luxo- negociantes de tecidos parisienses no século XVIII » é a primeira exposição dedicada a esta corporação particularmente codificada e indispensável na difusão da arte francesa e do luxo. Através dos destinos de comerciantes como Gersaint ou Devaux, o museu Cognacq-Jay apresenta uma centena de obras de arte, documentos e arquivos que ilustram as origens do luxo em Paris. Ao mesmo tempo, comerciante, importador, coletor, desenhista e decorador, o negociante de tecidos, que começou a ser designado negociante de objetos de arte a partir do século XVIII, ocupa um papel essencial no desenvolvimento da indústria de luxo nessa época. Personagem atípico, ele mantém relações na alta aristocracia e conta com uma rede internacional de artistas que dominam as melhores especialidades técnicas e artísticas, sejam elas provenientes de Lyon ou da China. Além disso, para se tornarem conhecidos e ampliar suas redes, eles desenvolvem os mecanismos de promoção publicitária, com o concurso de cartunistas anônimos ou artistas como Boucher ou Watteau.
Dissolvida durante a Revolução Francesa, esta corporação suscita
ainda hoje o interesse dos historiadores da arte e universitários . O percurso da exposição
explora o contexto que propiciou o desenvolvimento desta corporação,
as chaves do seu sucesso, as suas inovações, e retrata
alguns dos seus famosos representantes.
MUSÉE COGNACQ-JAY - 8, rue Elzévir - 75003 Paris
museecognacqjay.paris.fr
« A fábrica de luxo- negociantes de tecidos parisienses no século XVIII » é a primeira exposição dedicada a esta corporação particularmente codificada e indispensável na difusão da arte francesa e do luxo. Através dos destinos de comerciantes como Gersaint ou Devaux, o museu Cognacq-Jay apresenta uma centena de obras de arte, documentos e arquivos que ilustram as origens do luxo em Paris. Ao mesmo tempo, comerciante, importador, coletor, desenhista e decorador, o negociante de tecidos, que começou a ser designado negociante de objetos de arte a partir do século XVIII, ocupa um papel essencial no desenvolvimento da indústria de luxo nessa época. Personagem atípico, ele mantém relações na alta aristocracia e conta com uma rede internacional de artistas que dominam as melhores especialidades técnicas e artísticas, sejam elas provenientes de Lyon ou da China. Além disso, para se tornarem conhecidos e ampliar suas redes, eles desenvolvem os mecanismos de promoção publicitária, com o concurso de cartunistas anônimos ou artistas como Boucher ou Watteau.
Dissolvida durante a Revolução Francesa, esta corporação suscita
ainda hoje o interesse dos historiadores da arte e universitários . O percurso da exposição
explora o contexto que propiciou o desenvolvimento desta corporação,
as chaves do seu sucesso, as suas inovações, e retrata
alguns dos seus famosos representantes.
MUSÉE COGNACQ-JAY - 8, rue Elzévir - 75003 Paris
museecognacqjay.paris.fr
Odalisque ou Bayadère, 1932, Hêtre rouge polychromé, 70 x 180 x 50 cm, Arles, Musée Réattu
OSSIP ZADKINE, L’instinct de la matière – exposição de 28 de Setembro de 2018 a 10 de Fevereiro de 2019
Para o artista russo Ossip Zadkine (Vitebsk 1888 – Paris 1967), a matéria é o vem primeiro. Ele sabe, sente que ela
é portadora de uma vocação formal. A exposição « O Instinto da matéria » mostra esta relação íntima com a matéria primordial, as formas que estão em gestação: as veias e nódulos da madeira, a densidade e as partículas da rocha, a fluidez da tinta ou o guache. A matéria possui sua própria dinâmica. O gesto do escultor ou a mão do desenhista deve capta-la em um impulso. “O instinto da matéria » permite apreender o diálogo orgânico de Zadkine com os diferentes materiais que ele considera como « potências formais ».
O visitante redescobre o trabalho de Zadkine em uma cenografia original. A seção inicial reúne algumas talhas diretas. Assim são apresentados nesta parte grandes obras dos anos 1910 a 1925. Mostrando as capacidades metamórficas da matéria, a segunda parte da exposição concentra-se na matéria transformada, a montagem, a incorporação e a incrustação de materiais. A introdução de trabalhos em papel permite encontrar o modo de apresentação adotado pelo artista em vida e, ir além da imagem de um trabalho muitas vezes reduzido à simples escultura. A abordagem proposta enfatiza a riqueza plástica e a força interior de uma obra comprometida em preservar o elo vital do homem com a natureza.
MUSÉE ZADKINE - 100 bis rue d’Assas, 75006 Paris
www.zadkine.paris.fr
Para o artista russo Ossip Zadkine (Vitebsk 1888 – Paris 1967), a matéria é o vem primeiro. Ele sabe, sente que ela
é portadora de uma vocação formal. A exposição « O Instinto da matéria » mostra esta relação íntima com a matéria primordial, as formas que estão em gestação: as veias e nódulos da madeira, a densidade e as partículas da rocha, a fluidez da tinta ou o guache. A matéria possui sua própria dinâmica. O gesto do escultor ou a mão do desenhista deve capta-la em um impulso. “O instinto da matéria » permite apreender o diálogo orgânico de Zadkine com os diferentes materiais que ele considera como « potências formais ».
O visitante redescobre o trabalho de Zadkine em uma cenografia original. A seção inicial reúne algumas talhas diretas. Assim são apresentados nesta parte grandes obras dos anos 1910 a 1925. Mostrando as capacidades metamórficas da matéria, a segunda parte da exposição concentra-se na matéria transformada, a montagem, a incorporação e a incrustação de materiais. A introdução de trabalhos em papel permite encontrar o modo de apresentação adotado pelo artista em vida e, ir além da imagem de um trabalho muitas vezes reduzido à simples escultura. A abordagem proposta enfatiza a riqueza plástica e a força interior de uma obra comprometida em preservar o elo vital do homem com a natureza.
MUSÉE ZADKINE - 100 bis rue d’Assas, 75006 Paris
www.zadkine.paris.fr
Giandomenico TIEPOLO Scène de carnaval ou Le Menuet 1754-1755 huile sur toile 80,5 x 105 cm Paris, Musée du Louvre, Département des Peintures photo © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Franck Raux
EBLOUISSANTE VENISE, les arts et l’Europe au XVIII siècle – exposição de 26 de Setembro de 2018 a 21 de Janeiro de 2019
Herdeira de uma tradição multisecular, a civilização veneziana brilha em toda sua glória no início do século XVIII, no campo das artes plásticas, artes decorativas, música e ópera. Graças à presença de grandes talentos, entre os quais, os pintores Piazzetta e Giambattista Tiepolo, Canaletto, os escultores Brustolon e Corradini, Veneza cultiva um luxo e estética únicos. Vive-se a música intensamente através das criações de compositores como Porpora, Hasse, Vivaldi, servido por cantores de renome internacional como o castrato Farinelli ou a soprano Faustina Bordoni. Nos "Ospedali", as meninas órfãs ou pobres recebem uma educação musical completa e seu virtuosismo as torna famosas em toda a Europa. Na cidade durante o Carnaval, drama e comédia são onipresentes.
O renome internacional de pintores e escultores venezianos é tal que eles são convidados por muitos mecenas europeus. Eles viajam para a Inglaterra, França, Alemanha e Áustria, onde introduzem um estilo dinâmico e colorido que assume a forma da rocaille na França, rococó nos países germânicos e contribui para a formação de novas gerações de criadores. Contudo a situação política e econômica de Veneza torna-se cada vez mais frágil a partir de 1760.
Ao longo do século XVIII, o mito de Veneza, cidade única por sua história, sua arquitetura, seu modo de vida, sua vitalidade festiva, se desenvolve pouco a pouco. Com Tiepolo e Pietro Longhi, a pintura cede gradualmente para a representação agradável de uma vida, colorida e sonora, povoada por estranhas figuras mascaradas. Goldoni restitui de forma cômica, em suas peças, as contradições da sociedade contemporânea. No entanto, por trás da pompa das cerimônias públicas, a organização oligárquica do Estado e da economia se esclerosa perigosamente. A intervenção de Napoleão Bonaparte provoca a queda da República em 1797.
A exposição é uma homenagem a esta página da história artística da Serenissima, pela escolha das pinturas mais significativas, esculturas, desenhos e objetos, bem como pela presença de atores e músicos.
Grand Palais
www.grandpalais.fr
Herdeira de uma tradição multisecular, a civilização veneziana brilha em toda sua glória no início do século XVIII, no campo das artes plásticas, artes decorativas, música e ópera. Graças à presença de grandes talentos, entre os quais, os pintores Piazzetta e Giambattista Tiepolo, Canaletto, os escultores Brustolon e Corradini, Veneza cultiva um luxo e estética únicos. Vive-se a música intensamente através das criações de compositores como Porpora, Hasse, Vivaldi, servido por cantores de renome internacional como o castrato Farinelli ou a soprano Faustina Bordoni. Nos "Ospedali", as meninas órfãs ou pobres recebem uma educação musical completa e seu virtuosismo as torna famosas em toda a Europa. Na cidade durante o Carnaval, drama e comédia são onipresentes.
O renome internacional de pintores e escultores venezianos é tal que eles são convidados por muitos mecenas europeus. Eles viajam para a Inglaterra, França, Alemanha e Áustria, onde introduzem um estilo dinâmico e colorido que assume a forma da rocaille na França, rococó nos países germânicos e contribui para a formação de novas gerações de criadores. Contudo a situação política e econômica de Veneza torna-se cada vez mais frágil a partir de 1760.
Ao longo do século XVIII, o mito de Veneza, cidade única por sua história, sua arquitetura, seu modo de vida, sua vitalidade festiva, se desenvolve pouco a pouco. Com Tiepolo e Pietro Longhi, a pintura cede gradualmente para a representação agradável de uma vida, colorida e sonora, povoada por estranhas figuras mascaradas. Goldoni restitui de forma cômica, em suas peças, as contradições da sociedade contemporânea. No entanto, por trás da pompa das cerimônias públicas, a organização oligárquica do Estado e da economia se esclerosa perigosamente. A intervenção de Napoleão Bonaparte provoca a queda da República em 1797.
A exposição é uma homenagem a esta página da história artística da Serenissima, pela escolha das pinturas mais significativas, esculturas, desenhos e objetos, bem como pela presença de atores e músicos.
Grand Palais
www.grandpalais.fr
The turquoise Stack, Torbjørn Kvasbø, 2012. alt 100 diam 80 cm.
Foto : Thomas Teeter. © Torbjørn KvasbøPhoto
FORCES DE LA NATURE, trois artistes norvégiens – exposição de 26 de Setembro de 2018 a 1° de Abril de 2019
A exposição « Forças da natureza » celebra a criatividade da Noruega nos campos da cerâmica contemporânea e tapeçaria, apresentando 65 obras dos anos 2000 até os dias de hoje, projetadas por Kari Dyrdal, Torbjørn Kvasbø e Marit Tingleff, três artistas noruegueses com percursos reconhecidos internacionalmente. Esses artistas graduaram-se na escola de artes aplicadas em Bergen em 1977-1978, numa década de revolução pedagógica e vontade de internacionalizar as influências artísticas na Noruega. O vínculo estreito entre eles reside no poder de sua expressão plástica abstrata, que evoca as forças de crescimento e transformação da natureza.
Kari Dyrdal, que nasceu em 1952, é uma tecelã que utiliza tecnologias digitais renovando a produção clássica da arte têxtil. Ela trabalha em ciclos temáticos como a ondulação das águas na série Espelhos, ou os elementos mecânicos do antigo tear Jacquard. A artista inicia com imagens fotográficas que ela mesma cria e as transpõe em uma superfície para tecer. Ela trabalha as cores e texturas de acordo com suas visões quase abstratas. Uma obra extremamente tátil.
Nascido em 1953, Torbjørn Kvasbø é atualmente um dos mais importantes escultores-ceramistas da Europa. Seu trabalho explora o potencial da terra inspirando-se da paisagem de seu país e também da plástica do corpo humano. As superfícies ásperas de suas primeiras esculturas ganham cores brilhantes nas produções atuais e a forma tubular, constante no seu trabalho, abre-se e ganha maiores dimensões.
Marit Tingleff nasceu em 1954 e é uma das melhores ceramistas de sua geração. Com seus grandes pratos e placas de parede, ela renova a cerâmica tradicional e a decoração gráfica em cerâmica. Nos últimos anos, ela aproveitou os recursos técnicos da Academia Nacional de artes em Oslo, onde ela ensina, para realizar pratos gigantescos, como grandes pinturas de paisagens. Essas placas pesadas podem exceder dois metros de comprimento por um metro de largura. Elas são pintadas com cores vivas a base de óxidos de cobre e produzem o efeito de murais onde figuram matas ou paisagens abstratas.
Musée National de Céramique – 2, place de la Manufacture, 92310 Sèvres
www.sevresceramique.fr
A exposição « Forças da natureza » celebra a criatividade da Noruega nos campos da cerâmica contemporânea e tapeçaria, apresentando 65 obras dos anos 2000 até os dias de hoje, projetadas por Kari Dyrdal, Torbjørn Kvasbø e Marit Tingleff, três artistas noruegueses com percursos reconhecidos internacionalmente. Esses artistas graduaram-se na escola de artes aplicadas em Bergen em 1977-1978, numa década de revolução pedagógica e vontade de internacionalizar as influências artísticas na Noruega. O vínculo estreito entre eles reside no poder de sua expressão plástica abstrata, que evoca as forças de crescimento e transformação da natureza.
Kari Dyrdal, que nasceu em 1952, é uma tecelã que utiliza tecnologias digitais renovando a produção clássica da arte têxtil. Ela trabalha em ciclos temáticos como a ondulação das águas na série Espelhos, ou os elementos mecânicos do antigo tear Jacquard. A artista inicia com imagens fotográficas que ela mesma cria e as transpõe em uma superfície para tecer. Ela trabalha as cores e texturas de acordo com suas visões quase abstratas. Uma obra extremamente tátil.
Nascido em 1953, Torbjørn Kvasbø é atualmente um dos mais importantes escultores-ceramistas da Europa. Seu trabalho explora o potencial da terra inspirando-se da paisagem de seu país e também da plástica do corpo humano. As superfícies ásperas de suas primeiras esculturas ganham cores brilhantes nas produções atuais e a forma tubular, constante no seu trabalho, abre-se e ganha maiores dimensões.
Marit Tingleff nasceu em 1954 e é uma das melhores ceramistas de sua geração. Com seus grandes pratos e placas de parede, ela renova a cerâmica tradicional e a decoração gráfica em cerâmica. Nos últimos anos, ela aproveitou os recursos técnicos da Academia Nacional de artes em Oslo, onde ela ensina, para realizar pratos gigantescos, como grandes pinturas de paisagens. Essas placas pesadas podem exceder dois metros de comprimento por um metro de largura. Elas são pintadas com cores vivas a base de óxidos de cobre e produzem o efeito de murais onde figuram matas ou paisagens abstratas.
Musée National de Céramique – 2, place de la Manufacture, 92310 Sèvres
www.sevresceramique.fr
Sébastien Bourdon, Aegros curare, 1665-1671, plaque chalcographique, Paris, Musée du Louvre, département des arts graphiques©RMN-Grand Palais/Stéphane Maréchalle/Adrien Didierjean
SEBASTIEN BOURDON, pintor protestante? – exposição de 20 de Setembro a 16 de Dezembro de 2018
Na história da arte, poucos artistas são estudados em termos de afiliação religiosa ou de sua escolha religiosa. Este é o caso de Philippe de Champaigne (1602-1674), em seu apego ao movimento jansenista, assim como seu contemporâneo Sebastien Bourdon por pertencer à Igreja Reformada, Bourdon é um dos poucos artistas reformados a ser apresentado como tal, desde o final do século XVII, e ainda mais durante o século XIX, numa visão de antagonismo ou mesmo de confronto, mais de acordo com o contexto dos anos que antecederam a revogação do Édito de Nantes (1685). No entanto, o período de apaziguamento após o édito de graça de Nîmes (1629) permitiu o florescimento de uma importante colônia de artistas reformados em Paris que a historiografia do século XIX acreditava ser capaz de localizar em torno de Saint-Germain des Prés. Com uma florescente tradição pictórica desde o século XVI nas comunidades luteranas do norte da Europa, naturezas-mortas, cenas de gênero ou retratos, mas ansiosos por poderem beneficiar das importantes encomendas religiosas, muitos eram os artistas protestantes que executavam importantes encomendas para igrejas parisienses ou oratórios privados.
Como todos os seus correligionários, Sébastien Bourdon cumpre as exigências dos patrocinadores católicos, a fim de seguir uma carreira na França, mantendo seu talento e aspirações. Dentro de uma produção abundante, o conjunto das Obras de Misericórdia constitui um conjunto a parte que permite compreender melhor os desafios de uma representação religiosa para um artista calvinista como Sébastien Bourdon. Através de sete cenas retiradas do Antigo Testamento, destinadas a ilustrar as figuras do Antigo Testamento nas obras de misericórdia, Sebastien Bourdon forjou uma série ambiciosa, hoje muito pouco conhecida, que ele mesmo pintou e gravou. Essas obras de misericórdia, como muitas obras de Bourdon, conheceram um destino difícil. Suas pinturas passaram rapidamente para a Grã-Bretanha, onde a arte de Bourdon era particularmente apreciada, como evidenciado pelo número de suas obras ainda presentes nas coleções britânicas. Compradas por John Ringling para seu Museu de Sarasota na Flórida, foram supostamente estragadas e o interesse concentrou-se nas gravuras cuja reputação atravessou os séculos. Este conjunto de sete tábuas, gravadas pelo artista, é por si só uma segunda criação. Seu estudo torna possível compreender o significado da série como um testamento espiritual de um crente profundamente ligado à sua igreja em busca de um protetor para a comunidade reformada francêsa na pessoa de Colbert no momento em que Luís XIV deu os primeiros passos contra a religião supostamente reformada.
Musée national de Port-Royal des Champs - Route des Granges, 78114 Magny-les-Hameaux
www.port-royal-des-champs.eu
Na história da arte, poucos artistas são estudados em termos de afiliação religiosa ou de sua escolha religiosa. Este é o caso de Philippe de Champaigne (1602-1674), em seu apego ao movimento jansenista, assim como seu contemporâneo Sebastien Bourdon por pertencer à Igreja Reformada, Bourdon é um dos poucos artistas reformados a ser apresentado como tal, desde o final do século XVII, e ainda mais durante o século XIX, numa visão de antagonismo ou mesmo de confronto, mais de acordo com o contexto dos anos que antecederam a revogação do Édito de Nantes (1685). No entanto, o período de apaziguamento após o édito de graça de Nîmes (1629) permitiu o florescimento de uma importante colônia de artistas reformados em Paris que a historiografia do século XIX acreditava ser capaz de localizar em torno de Saint-Germain des Prés. Com uma florescente tradição pictórica desde o século XVI nas comunidades luteranas do norte da Europa, naturezas-mortas, cenas de gênero ou retratos, mas ansiosos por poderem beneficiar das importantes encomendas religiosas, muitos eram os artistas protestantes que executavam importantes encomendas para igrejas parisienses ou oratórios privados.
Como todos os seus correligionários, Sébastien Bourdon cumpre as exigências dos patrocinadores católicos, a fim de seguir uma carreira na França, mantendo seu talento e aspirações. Dentro de uma produção abundante, o conjunto das Obras de Misericórdia constitui um conjunto a parte que permite compreender melhor os desafios de uma representação religiosa para um artista calvinista como Sébastien Bourdon. Através de sete cenas retiradas do Antigo Testamento, destinadas a ilustrar as figuras do Antigo Testamento nas obras de misericórdia, Sebastien Bourdon forjou uma série ambiciosa, hoje muito pouco conhecida, que ele mesmo pintou e gravou. Essas obras de misericórdia, como muitas obras de Bourdon, conheceram um destino difícil. Suas pinturas passaram rapidamente para a Grã-Bretanha, onde a arte de Bourdon era particularmente apreciada, como evidenciado pelo número de suas obras ainda presentes nas coleções britânicas. Compradas por John Ringling para seu Museu de Sarasota na Flórida, foram supostamente estragadas e o interesse concentrou-se nas gravuras cuja reputação atravessou os séculos. Este conjunto de sete tábuas, gravadas pelo artista, é por si só uma segunda criação. Seu estudo torna possível compreender o significado da série como um testamento espiritual de um crente profundamente ligado à sua igreja em busca de um protetor para a comunidade reformada francêsa na pessoa de Colbert no momento em que Luís XIV deu os primeiros passos contra a religião supostamente reformada.
Musée national de Port-Royal des Champs - Route des Granges, 78114 Magny-les-Hameaux
www.port-royal-des-champs.eu
Stèles © Patrick Tourneboeuf
LES PHOTAUMNALES – exposição de 15 de Setembro a 31 de Dezembro de 2018
Photaumnales é um festival fotográfico organizado pela Associação Diaphane, dedicada a difundir a cultura fotográfica na região da Picardia. O Festival acontece na cidade de Beauvais, a cerca de uma hora de Paris, e "Onde mora a memória" constitui o tema desta 15° edição. Nesse ano em que se comemoram, entre outros eventos, os 100 anos do fim da Primeira Guerra Mundial, os 50 anos das revoltas estudantis de 1968, o trabalho dos 27 fotógrafos convidados, cada um com um estilo diferente, tenta mostrar como a imagem constrói um imaginário coletivo que acompanha a evolução da paisagem. O fotógrafo Ambroise Tezenas visita lugares marcados pela tragédia e seu trabalho é impactante. Ele destaca essa nova forma de turismo, com suas lojinhas de lembranças e a busca de sensações em lugares de puro pesadelo. Sibyl Bergemann (1941-2010), líder da renovação da fotografia alemã, está presente com uma reportagem sobre a edificação do Forum Marx-Engels na ex-Alemanhã do leste cujas etapas, observando de trás para frente, já anunciam irônicamente o desmantelamento desses monumentos alguns anos depois. Outros fotógrafos, com sensibilidade e poesia, se dedicam a reproduzir as marcas que a História deixa na paisagem. No sereno vídeo de Hélène Marcoz uma paisagem é filmada durante um ano com o mesmo enquadramento para coletar uma memória. Como parte do intercâmbio de Photaumnales com outros festivais fotográficos, essa edição apresenta uma seleção da bela reportagem This is Vilnius de Andrej Vasilenko que evoca com emoção o êxodo rural na Lituania.
Um festival que permite descobrir a multiplicidade de abordagens artísticas e entender melhor a linguagem das imagens.
le quadrilatère - 22 rue Saint-Pierre, Beauvais
www.culture.beauvais.fr
Photaumnales é um festival fotográfico organizado pela Associação Diaphane, dedicada a difundir a cultura fotográfica na região da Picardia. O Festival acontece na cidade de Beauvais, a cerca de uma hora de Paris, e "Onde mora a memória" constitui o tema desta 15° edição. Nesse ano em que se comemoram, entre outros eventos, os 100 anos do fim da Primeira Guerra Mundial, os 50 anos das revoltas estudantis de 1968, o trabalho dos 27 fotógrafos convidados, cada um com um estilo diferente, tenta mostrar como a imagem constrói um imaginário coletivo que acompanha a evolução da paisagem. O fotógrafo Ambroise Tezenas visita lugares marcados pela tragédia e seu trabalho é impactante. Ele destaca essa nova forma de turismo, com suas lojinhas de lembranças e a busca de sensações em lugares de puro pesadelo. Sibyl Bergemann (1941-2010), líder da renovação da fotografia alemã, está presente com uma reportagem sobre a edificação do Forum Marx-Engels na ex-Alemanhã do leste cujas etapas, observando de trás para frente, já anunciam irônicamente o desmantelamento desses monumentos alguns anos depois. Outros fotógrafos, com sensibilidade e poesia, se dedicam a reproduzir as marcas que a História deixa na paisagem. No sereno vídeo de Hélène Marcoz uma paisagem é filmada durante um ano com o mesmo enquadramento para coletar uma memória. Como parte do intercâmbio de Photaumnales com outros festivais fotográficos, essa edição apresenta uma seleção da bela reportagem This is Vilnius de Andrej Vasilenko que evoca com emoção o êxodo rural na Lituania.
Um festival que permite descobrir a multiplicidade de abordagens artísticas e entender melhor a linguagem das imagens.
le quadrilatère - 22 rue Saint-Pierre, Beauvais
www.culture.beauvais.fr
Alfred James Munnings (1878-1959)
En ligne ! Newmarket, vers 1940-1953
oléo sobre madeira, 50,2 x 59,7 cm
© The Paul Mellon Collection, Virginia Museum of Fine Arts
COUNTRY LIFE, obras-primas da coleção Mellon do Virginia Museum of Fine Arts – exposição de 4 de Setembro a 2 de Dezembro de 2018
A exposição Country Life - Obras-primas da Coleção Mellon do VMFA relata um momento da civilização ocidental, ligado à Revolução Industrial e à ascensão da burguesia, que tende a fazer do campo um lugar dedicado às férias. Segundo o modelo da contry life, derivado da cultura britânica, a terra, o animal doméstico - e especialmente o cavalo - vêem seu valor produtivo associado a um valor recreativo. O campo torna-se um espaço de lazer para toda uma classe social geralmente urbana e nostálgica de uma ruralidade idealizada.
Na Inglaterra, desde o final do século XVIII, os esportes equestres se desenvolvem notavelmente (corridas,caças). Paradoxalmente, isso coincide com o momento em que a indústria nascente tende a impor a vitória dos cavalos-vapor aos seus concorrentes animais. Um gênero artístico particularmente bem representado na escola inglêsa, a pintura esportiva reflete este entusiasmo do grupo social dominante. Este ultimo disseminou seu modelo cultural a outras nações ocidentais de acordo com a corrente anglófila que caracteriza o século XIX. Os pintores franceses, particularmente os impressionistas, testemunham um outro aspecto da vida no campo. Eles revelam como, perto das cidades, o espaço rural é investido pela pequena burguesia que se dedica à recreação ao ar livre defendida pelas teorias de saúde pública. Dando continuidade à tradição familiar, o bilionário e amante da arte Paul Mellon (1907-1999) colecionou com paixão. De um modo sintomático, as obras que ele colecionou revelam seu apego a um modo de vida ameaçado de extinção. Com Bunny, sua esposa, eles vão aplicar a transpor no coração da Virgínia o modo de vida dos gentlemen agricultores. Em sua propriedade em Oak Spring, Bunny dá rédea livre ao seu gosto por jardinagem, enquanto Paul cria cavalos de corrida. A sua coleção de pinturas ilustra esta relação sonhada com a natureza, diametralmente oposta à agricultura industrial que transforma radicalmente a paisagem rural. Esta coleção também reflete o despertar na cultura ocidental de uma nova sensibilidade à natureza.
Musée de la Chasse et de la Nature - 62, rue des Archives, 75003 Paris
Chassenature.org
A exposição Country Life - Obras-primas da Coleção Mellon do VMFA relata um momento da civilização ocidental, ligado à Revolução Industrial e à ascensão da burguesia, que tende a fazer do campo um lugar dedicado às férias. Segundo o modelo da contry life, derivado da cultura britânica, a terra, o animal doméstico - e especialmente o cavalo - vêem seu valor produtivo associado a um valor recreativo. O campo torna-se um espaço de lazer para toda uma classe social geralmente urbana e nostálgica de uma ruralidade idealizada.
Na Inglaterra, desde o final do século XVIII, os esportes equestres se desenvolvem notavelmente (corridas,caças). Paradoxalmente, isso coincide com o momento em que a indústria nascente tende a impor a vitória dos cavalos-vapor aos seus concorrentes animais. Um gênero artístico particularmente bem representado na escola inglêsa, a pintura esportiva reflete este entusiasmo do grupo social dominante. Este ultimo disseminou seu modelo cultural a outras nações ocidentais de acordo com a corrente anglófila que caracteriza o século XIX. Os pintores franceses, particularmente os impressionistas, testemunham um outro aspecto da vida no campo. Eles revelam como, perto das cidades, o espaço rural é investido pela pequena burguesia que se dedica à recreação ao ar livre defendida pelas teorias de saúde pública. Dando continuidade à tradição familiar, o bilionário e amante da arte Paul Mellon (1907-1999) colecionou com paixão. De um modo sintomático, as obras que ele colecionou revelam seu apego a um modo de vida ameaçado de extinção. Com Bunny, sua esposa, eles vão aplicar a transpor no coração da Virgínia o modo de vida dos gentlemen agricultores. Em sua propriedade em Oak Spring, Bunny dá rédea livre ao seu gosto por jardinagem, enquanto Paul cria cavalos de corrida. A sua coleção de pinturas ilustra esta relação sonhada com a natureza, diametralmente oposta à agricultura industrial que transforma radicalmente a paisagem rural. Esta coleção também reflete o despertar na cultura ocidental de uma nova sensibilidade à natureza.
Musée de la Chasse et de la Nature - 62, rue des Archives, 75003 Paris
Chassenature.org
Alphonse Mucha
Rêverie
1897
Litografia em cor
72.7 x 55.2 cm
Fundação Mucha, Praga
© Mucha Trust 2018
ALPHONSE MUCHA – exposição de 12 de Setembro de 2018 a 27 de Janeiro de 2019
Alphonse Mucha (1860 – 1939) é um artista tcheco famoso no movimento Art Nouveau do qual foi sem dúvida o representante mais popular. Mucha chegou a Paris em 1887 e iniciou sua carreira como ilustrador. Em dezembro de 1894, seu encontro com a grande atriz Sarah Bernhardt lançou sua carreira de ilustrador. Ele criou para ela o pôster para a peça de teatro Gismonda, o primeiro de uma longa série de cartazes publicitários, ou simplesmente decorativos, utilizando um repertório de figuras femininas, infinitamente variável, entrelaçado com flores e volutas gráficas, que trará imenso renome e a amizade de artistas como Gauguin ou Rodin. Ao mesmo tempo, ele é solicitado para obras de decoração pelo joalheiro Georges Fouquet, ou ilustração para livros. A partir de 1900 e por ocasião da Exposição Universal, ele começou a conceber um projeto que retrata a história e a civilização do povo tcheco e dos povos eslavos. Esta empresa, matizada de filosofia humanista, ocupará os últimos trinta anos de sua carreira e o levará a pintar telas gigantescas, para as quais produz uma quantidade abundante de estudos preparatórios. Essa retrospectiva mostra não apenas os cartazes que fizeram sua fama, mas também suas pinturas, fotografias, jóias, esculturas, pastéis que permitem descobrir toda a diversidade de sua arte.
Musée du Luxembourg - 19, rue Vaugirard, 75006 Paris
https://museeduluxembourg.fr/expositions/alphonse-muchagrandpalais.fr
Elad Lassry
Sem título (assignments), 2018 (detalhe))
© Elad Lassry
ELAD LASSRY – exposição de 20 de Setembro a 9 de Dezembro de 2018
"As verdadeiras questões, para mim, tratam desta unidade muito misteriosa que é a imagem fotográfica. . Ela evoca um conjunto de suposições e formas preconcebidas de ver com as quais estou constantemente lutando. "
"O que é uma imagem? Esta questão é o cerne do trabalho do artista israelense Elad Lassry (1977) que vive e trabalha em Los Angeles. Sua prática sugere que a fotografia é uma "unidade" elusiva. Lassry usa várias tecnologias e modos estéticos para realizar imagens analógicas, intervenções digitais, imagens em movimento, aplicativos de design e arte aplicada, que, apesar da sua aparência utilitária, produzem sensações visuais complexas. Suas explorações contínuas levam-no a experimentar uma variedade de fontes visuais - livros didáticos, livros especializados, cinema, materiais de marketing e escritos científicos - que alternadamente se contradizem e relançam o seu trabalho. Lassry serve-se dessa dinâmica para tentar identificar o que ele nomeia de "condição contemporânea", na qual a fotografia é uma entidade flexível, poderosa e sedutora ao mesmo tempo que indigna de confiança. "Uma vez que a fotografia não é o que parece ser", pergunta Lassry, "o que mais está em jogo? " Para sua exposição no Plateau, Elad Lassry apresenta uma série de novas produções, realizadas especialmente para a ocasião.
le plateau, paris - 22, rue des Alouettes, 75019 Paris
www.fraciledefrance.com
"As verdadeiras questões, para mim, tratam desta unidade muito misteriosa que é a imagem fotográfica. . Ela evoca um conjunto de suposições e formas preconcebidas de ver com as quais estou constantemente lutando. "
"O que é uma imagem? Esta questão é o cerne do trabalho do artista israelense Elad Lassry (1977) que vive e trabalha em Los Angeles. Sua prática sugere que a fotografia é uma "unidade" elusiva. Lassry usa várias tecnologias e modos estéticos para realizar imagens analógicas, intervenções digitais, imagens em movimento, aplicativos de design e arte aplicada, que, apesar da sua aparência utilitária, produzem sensações visuais complexas. Suas explorações contínuas levam-no a experimentar uma variedade de fontes visuais - livros didáticos, livros especializados, cinema, materiais de marketing e escritos científicos - que alternadamente se contradizem e relançam o seu trabalho. Lassry serve-se dessa dinâmica para tentar identificar o que ele nomeia de "condição contemporânea", na qual a fotografia é uma entidade flexível, poderosa e sedutora ao mesmo tempo que indigna de confiança. "Uma vez que a fotografia não é o que parece ser", pergunta Lassry, "o que mais está em jogo? " Para sua exposição no Plateau, Elad Lassry apresenta uma série de novas produções, realizadas especialmente para a ocasião.
le plateau, paris - 22, rue des Alouettes, 75019 Paris
www.fraciledefrance.com
Atelier des Lumières ©Culturespaces/E.Spiller
ATELIER DES LUMIERES
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Tecido © musée du quai Branly - Jacques Chirac, foto Claude Germain
MADAGASCAR. Arts de la Grande Île - exposição de 18 de Setembro de 2018 a 1° de Janeiro de 2019
A exposição « Madagascar, artes da Grande Ilha » reúne 350 peças selecionadas devido ao seu interesse histórico, estético e etnológico. Elas englobam desde os tempos antigos até o período contemporâneo. Através de obras-primas, peças emblemáticas e documentos raros, o visitante tem acesso às muitas facetas de uma arte, uma história e uma cultura que permanecem em grande parte desconhecidas. A exposição é organizada em torno de três seções principais. A primeira se aplica em recolocar Madagascar no espaço e no tempo. Localizada na costa leste da África, a ilha, imensa, é dotada de um meio-ambiente excepcional. Quando os europeus lá se estabelecem, a partir de 1500, a ilha já era há séculos um cruzamento cultural, com influências africanas, árabes, indianas e do sudeste asiático (Austronésia). Os objetos arqueológicos apresentados na exposição relatam isso. Numerosas peças dos séculos XIX e XX também ilustram o período de constituição de um reino malgaxe e o da colonização da ilha pelos franceses. A segunda seção é dedicada à arte do mundo dos vivos, governada pelo vintana, o zodíaco malgaxe. A terceira seção lida com a relação entre os mundos invisíveis e paralelos e o mundo dos mortos, que marca profundamente a arte malgaxe. Cada seção da exposição é complementada por fotografias, documentos gráficos (pinturas, desenhos) e dispositivos multimídia.
Musée du Quai Branly – Jacques Chirac - 37, quai Branly 75007, Paris
www.quaibranly.fr
A exposição « Madagascar, artes da Grande Ilha » reúne 350 peças selecionadas devido ao seu interesse histórico, estético e etnológico. Elas englobam desde os tempos antigos até o período contemporâneo. Através de obras-primas, peças emblemáticas e documentos raros, o visitante tem acesso às muitas facetas de uma arte, uma história e uma cultura que permanecem em grande parte desconhecidas. A exposição é organizada em torno de três seções principais. A primeira se aplica em recolocar Madagascar no espaço e no tempo. Localizada na costa leste da África, a ilha, imensa, é dotada de um meio-ambiente excepcional. Quando os europeus lá se estabelecem, a partir de 1500, a ilha já era há séculos um cruzamento cultural, com influências africanas, árabes, indianas e do sudeste asiático (Austronésia). Os objetos arqueológicos apresentados na exposição relatam isso. Numerosas peças dos séculos XIX e XX também ilustram o período de constituição de um reino malgaxe e o da colonização da ilha pelos franceses. A segunda seção é dedicada à arte do mundo dos vivos, governada pelo vintana, o zodíaco malgaxe. A terceira seção lida com a relação entre os mundos invisíveis e paralelos e o mundo dos mortos, que marca profundamente a arte malgaxe. Cada seção da exposição é complementada por fotografias, documentos gráficos (pinturas, desenhos) e dispositivos multimídia.
Musée du Quai Branly – Jacques Chirac - 37, quai Branly 75007, Paris
www.quaibranly.fr
Ron Amir, Oven (forno), 2015, fotografia© Ron Amir
RON AMIR- Quelque part dans le désert – exposição de 4 de Setembro a 2 de Dezembro de 2018
O fotógrafo israelense Ron Amir, nascido em 1973, é uma voz singular na cena da fotografia contemporânea em Israel e conhecido por seus projetos de fotografia socialmente envolvidos. O MAM de Paris expõe o seu trabalho « Em algum lugar no deserto » composto de 30 fotografias cor de grande formato e seis vídeos. A exposição evoca as condições de vida dos refugiados do Sudão e da Eritreia quando estiveram detidos no Centro de Detenção de Holot, localizado no Deserto do Negev, e hoje fechado. Esses migrantes haviam fugido para Israel para escapar do terror e da opressão em seu país de origem e não tinham permissão para viver ou trabalhar legalmente em Israel. Embora pudessem sair livremente do centro de Holot durante o dia, eles precisavam bater o ponto de manhã e à noite. Essas fotografias de 2014-2016 documentam as atividades diurnas desses refugiados. Elas mostram como, no meio do deserto e sem recursos, eles tentaram desenvolver uma vida comum e cotidiana. Embora os próprios refugiados não estejam visíveis nas fotografias, sua criatividade, instinto de sobrevivência e sensibilidade são evidentes nas representações de Ron Amir. Em contraste com o documentário tradicional ou a fotografia de imprensa, as fotografias de Ron Amir transmitem várias mensagens simultaneamente. Ao mesmo tempo que ela atesta o sofrimento social, ela nos mostra a imensa criatividade dos afligidos. Mm documento e uma metáfora.
Musée d’Art moderne de la Ville de Paris - 11 Avenue du Président Wilson, 75116 Paris
www.mam.paris.fr
Yuko NOHARA, Visage, 2000, Crayon sur papier,
26 x 36 cm, Collection de l’artiste
ART BRUT JAPONAIS II – exposição de 8 de Setembro de 2018 a 10 de Março de 2019
Há oito anos atrás a Halle Saint Pierre apresentou com grande sucesso Arte Bruta Japonesa, que permitiu ao público descobrir sessenta e três artistas quase todos desconhecidos. A apresentação constituiu um mosaico de universos intensos e singulares, portadores de significados quase misteriosos. Os trabalhos apresentados na exposição Arte Bruta Japonesa II são o resultado de novas prospecções. Cerca de cinquenta criadores confirmam que, em todas as culturas, personalidades singulares inventam sua própria mitologia e sua própria linguagem figurativa. Vindo de oficinas ou trabalhando de forma autônoma e independente, esses criadores, muitas vezes confrontados com um isolamento mental ou social, usam todas as técnicas, todos os materiais, desviando até mesmo os códigos mais tradicionais da cerâmica ou do origami. Essas obras de arte são uma operação artística pura, crua, que partem apenas dos próprios impulsos de seus criadores, como notou Jean Dubuffet, o artista plástico francês que concebeu a expressão « arte bruta » em 1945. A arte bruta não conhece limites históricos, culturais, formais ou geográficos. Os criadores japoneses apresentados na exposição são a demonstração.
La Halle Saint Pierre – 2, rue de Ronsard - 75018 Paris
www.hallesaintpierre.org
Há oito anos atrás a Halle Saint Pierre apresentou com grande sucesso Arte Bruta Japonesa, que permitiu ao público descobrir sessenta e três artistas quase todos desconhecidos. A apresentação constituiu um mosaico de universos intensos e singulares, portadores de significados quase misteriosos. Os trabalhos apresentados na exposição Arte Bruta Japonesa II são o resultado de novas prospecções. Cerca de cinquenta criadores confirmam que, em todas as culturas, personalidades singulares inventam sua própria mitologia e sua própria linguagem figurativa. Vindo de oficinas ou trabalhando de forma autônoma e independente, esses criadores, muitas vezes confrontados com um isolamento mental ou social, usam todas as técnicas, todos os materiais, desviando até mesmo os códigos mais tradicionais da cerâmica ou do origami. Essas obras de arte são uma operação artística pura, crua, que partem apenas dos próprios impulsos de seus criadores, como notou Jean Dubuffet, o artista plástico francês que concebeu a expressão « arte bruta » em 1945. A arte bruta não conhece limites históricos, culturais, formais ou geográficos. Os criadores japoneses apresentados na exposição são a demonstração.
La Halle Saint Pierre – 2, rue de Ronsard - 75018 Paris
www.hallesaintpierre.org
Pablo Picasso
Arlequin au miroir
Paris,1923
oléo sobre tela,
100 x 81 cm
Musée National Thyssen-Bornemisza, Madrid. © Museo Nacional Thyssen-Bornemisza/Scala, Florence © Succession Picasso 2018
PICASSO. CHEFS-D’ŒUVRE ! – exposição de 4 de Setembro de 2018 a 13 de Janeiro de 2019
A figuração do artista no trabalho atravessa toda a obra de Picasso. Seus numerosos auto-retratos, sozinhos ou na companhia do modelo, são todos reflexões sobre a criação. Artista entre os mais prolíficos do século XX, sempre à procura de novas formas de expressão, Picasso dedica sua vida a uma busca para alcançar a beleza ideal, a obra-prima absoluta. Através de uma seleção de obras essenciais, a exposição "Picasso. Obras-primas! "conta esta história. Das condições de criação à influência da recepção crítica, o percurso destaca os eventos que ajudaram a tornar cada obra um ícone. Ao longo do século XX, da tradição acadêmica às revoluções modernas, as buscas obstinadas do artista espanhol redefiniram radicalmente o conceito de obra-prima. Graças a empréstimos excepcionais, obras-primas de todo o mundo irão interagir com as do Museu Nacional Picasso-Paris. O conjunto oferece uma nova leitura da criação de Picasso, graças a uma atenção particular dada à recepção crítica. O percurso evoca assim as exposições, as revistas que acompanharam cada obra e que contribuíram, ao longo dos anos, para forjar seu estatuto de obras-primas. Os arquivos do Museu Nacional Picasso-Paris ocupam um lugar essencial nesta história.
Musée Picasso-Paris – 5, rue de Thorigny, 75003 Paris
www.museepicassoparis.fr
© Sunier Mazé, Alexandru Balgiu, Olivier Lebrun, SpMillot, M/M (Paris), Bizzarri & Rodriguez
CE N’EST PAS LA TAILLE QUI COMPTE – exposição de 13 de Setembro a 16 de Dezembro de 2018
A Maison d’Art Bernard Anthonioz apresenta Não é o tamanho que conta, exposição que se inscreve no quadro da temporada gráfica. O design gráfico focalizou sua atenção durante muito tempo no pôster, objeto emblemático da disciplina, que permitia grandes formatos. A relação formal deste meio com o quadro pintado e a tradição das bienais e concursos favoreceram a dimensão espetacular desta em detrimento de outros objetos gráficos, convites, panfletos, marcadores de páginas, cartões de visita que permaneceram com frequência menos visíveis porque mais modestos pelo tamanho, pela técnica de impressão utilizada ou pelos usos esperados. As várias crises econômicas e as consequentes restrições econômicas da nossa época obrigaram a repensar os projetos gráficos e a tentar outras possibilidades para o desenvolver o trabalho gráfico. Reunindo mil objetos de produções desconhecidas ou inéditas de grafistas internacionais, a exposição propõe contar outra história do grafismo contemporâneo, uma história onde a qualidade do objeto mostrado não é mais apenas definida por um formato e um suporte, mas sim pela inteligência da forma, realização e materiais.
Maison d’Art Bernard Anthonioz - 16, rue Charles VII, 94130 Nogent-sur-Marne
http://maba.fnagp.fr
A CIDADE DE SÈTE E O MUSEU PAUL VALERY
A cidade de Sète, a 30 minutos de Montpellier, está localizada entre o Mediterrâneo e o lago de Thau. Com seus típicos bairros atravessados por canais que refletem as fachadas coloridas das docas, Sète é um balneário concorrido. Conservou toda a autenticidade devido aos seus portos, em pleno coração da cidade. O cume do Monte Saint-Clair oferece uma vista da cidade, também chamada de "Veneza de Languedoc", devido à sua rede de canais. Localizado nas encostas do Monte Saint Clair, em um terraço com vista para o Cemitério Marinho e o Mediterrâneo, o Museu Paul Valéry tem uma vista e localização excepcionais. Sua arquitetura projetada pelo arquiteto Guy Guillaume data do início dos anos 70 e se encaixa na lógica dos edifícios de Corbusier. Os jardins circundantes apresentam regularmente eventos ao ar livre. As coleções do museu abrangem cerca de 8.000 obras. A coleção de Belas Artes é composta de obras do século XVII até os dias de hoje complementadas por outras coleções sendo uma de Paul Valéry, o grande poeta da modernidade.
Musée Paul Valery - 148 Rue François Desnoyer, 34200 Sète
museepaulvalery-sete.fr
FUNDAÇÃO PIERRE GIANADDA, Martigny, Suiça
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Brou de noix sur papier 65 x 50 cm, 1948-1
Brou de noix sur papier marouflé sur toile
Centre Pompidou, MNAM-CCI, Paris
Foto © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dis. RMN-Grand
Palais – © Philippe MIGEAT
© ADAGP, Paris
© 2018, ProLitteris, Zurich
SOULAGES, UNE RETROSPECTIVE – exposição de 15 de Junho a 13 de Janeiro de 2019 em Martigny, Suiça
Pierre Soulages, "pintor do preto e da luz", é reconhecido como uma das principais figuras da abstração e o maior pintor da atual cena francesa. Ele nasceu em 1919 na cidade de Rodez e vive e trabalha entre Paris e Sète. Jovem, Soulage escolheu a cor preta que participará de sua identidade artística. Concentrando-se no preto e sua relação com a luz, ele concebe um espaço pictórico que, apesar do uso desta cor única, é o oposto do monocromático na trajetória da arte moderna. Em 1947 ele expõe suas obras realizadas com a tintura da casca da noz. O uso de um meio barato faz sentido em um contexto social ainda marcado pela escassez. Sua pintura permanece até hoje fiel a essa mesma redução de meios, ao despojamento de suas construções, à sobriedade radical de seus gestos. A pintura do artista não representa nada. O desafio está no face a face do espectador com a tela, em seu confronto com a matéria, na experiência de sua presença. O trabalho de Soulages apresenta todos os usos possíveis da cor preta. Mas como Soulage explica, a cor preta muda de intensidade de acordo com o tamanho do substrato, sua forma e sua textura. Os pretos da textura são particularmente relevantes com os outrenoirs, quando a partir de 1979, ele começa a cobrir toda a superfície de suas telas com uma espessa camada de tinta preta, trabalhada para refletir a luz, ela mesma tratada como um material, dando uma dimensão escultural às suas pinturas. A retrospectiva reúne mais de 30 trabalhos realizados entre 1948 e 2017, quase todos conservados no Centre Pompidou, de acordo com um percurso cronológico que destaca as pesquisas pictóricas e as diferentes técnicas exploradas por Soulages, bem como as etapas fundamentais de sua criação.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
ZAO WOU- KI © Patrice Delatouche
ZAO WOU-KI, L’ESPACE EST SILENCE – exposição de 1° de Junho de 2018 a 6 de Janeiro de 2019
Artista na encruzilhada de vários mundos, Zao Wou-Ki deixou a China em 1948 para vir a Paris em uma época em que a "arte viva" está começando a se dividir entre os Estados Unidos e a França. Seu trabalho passa pelos debates estéticos que marcam o desenvolvimento da arte moderna e, se ele pertence a uma cena parisiense que ele aprecia, ele percebe muito cedo a vitalidade da pintura americana. Gradualmente, ele também se reconectou com certas características da pintura chinesa que ele havia descartado voluntariamente. O percurso da exposição começa quando Zao-Ki adota uma nova expressão, "Abstract" – um termo demasiado restritivo em seus olhos – com o trabalho de 1956 intitulado Traversée des apparences. Este passo decisivo precede uma primeira estadia nos Estados Unidos, no ano seguinte, o que reforça sua busca de um espaço cada vez maior. Zao não gosta da palavra "paisagem" à qual ele prefere a palavra "natureza". Suas relações com o mundo exterior são feitas de descobertas e viagens, encontros frutíferos, o primeiro dos quais com Henri Michaux e o compositor Edgar Varese. A poesia e a música permanecerão para ele dois centros permanentes de atração, como uma tensão necessária com a pintura -dando sentido à expressão que o artista inspirou em Michaux: o espaço é silêncio. Enfatizando o alcance universal de sua arte e seu lugar ao lado dos maiores artistas da segunda metade do século XX, a exposição apresenta uma seleção de 40 obras de grandes dimensões.
Musée d’Art moderne de la Ville de Paris – 11, Avenue du Président Wilson - 75116 Paris
www.mam.paris.fr
Artista na encruzilhada de vários mundos, Zao Wou-Ki deixou a China em 1948 para vir a Paris em uma época em que a "arte viva" está começando a se dividir entre os Estados Unidos e a França. Seu trabalho passa pelos debates estéticos que marcam o desenvolvimento da arte moderna e, se ele pertence a uma cena parisiense que ele aprecia, ele percebe muito cedo a vitalidade da pintura americana. Gradualmente, ele também se reconectou com certas características da pintura chinesa que ele havia descartado voluntariamente. O percurso da exposição começa quando Zao-Ki adota uma nova expressão, "Abstract" – um termo demasiado restritivo em seus olhos – com o trabalho de 1956 intitulado Traversée des apparences. Este passo decisivo precede uma primeira estadia nos Estados Unidos, no ano seguinte, o que reforça sua busca de um espaço cada vez maior. Zao não gosta da palavra "paisagem" à qual ele prefere a palavra "natureza". Suas relações com o mundo exterior são feitas de descobertas e viagens, encontros frutíferos, o primeiro dos quais com Henri Michaux e o compositor Edgar Varese. A poesia e a música permanecerão para ele dois centros permanentes de atração, como uma tensão necessária com a pintura -dando sentido à expressão que o artista inspirou em Michaux: o espaço é silêncio. Enfatizando o alcance universal de sua arte e seu lugar ao lado dos maiores artistas da segunda metade do século XX, a exposição apresenta uma seleção de 40 obras de grandes dimensões.
Musée d’Art moderne de la Ville de Paris – 11, Avenue du Président Wilson - 75116 Paris
www.mam.paris.fr
Duco Sangharé - Peuhl © musée du quai Branly - Jacques Chirac, photo Claude Germain
PEINTURES DES LOINTAINS, a coleção do Museu do quai Branly-Jacques Chirac – de 30 de janeiro de 2018 a 6 de janeiro de 2019
Reunindo mais de 220 pinturas e obras gráficas da coleção do Museu, realizadas na maior parte entre 1830 e 1930, essa exposição destaca e questiona uma parte importante da história cultural e política da França, o colonialismo. Essas obras inéditas revelam a evolução do olhar do homem europeu sobre os povos, culturas e territórios longínquos. Diante do estranho e do desconhecido, os artistas ocidentais expressam sensações, emoções e pontos de vista variados. Primeiro cedendo à tentação do exotismo - onde a exaltação da cor e da luz favorecem os sonhos de um Oriente de luxo e volúpia – aparecendo mais tarde um olhar mais realista, etnográfico, atento ao outro. Das figuras dos ameríndios de George Catlin às cenas da vida cotidiana no Cairo de Emile Bernard, passando pelas estampas e desenhos do Tahiti feitas por Matisse ou Gauguin, entre o sonho e o naturalismo, a fantasia e o documentário, o romantismo e a propaganda colonial, essa coleção de pinturas é um reflexo da história artística e política do país.
Musée du quai Branly - Jacques Chirac - 37 Quai Branly, 75007 Paris
www.quaibranly.fr
"São Martinho", Escola Creto-veneziana, em torno de 1500 © Petit Palais
COLEÇÃO DE ÍCONES E DAS ARTES CRISTÃS DO ORIENTE
O Petit Palais inaugurou uma bela sala dedicada à sua notável coleção de ícones e artes cristãs do Oriente. Esse conjunto dará uma visão da arte sagrada e das práticas do culto do Oriente cristão do século X ao século XIX, desde a Grécia até a Etiópia, passando pelos Balcãs, pelas ilhas do Mediterrâneo e a Rússia. Os ícones desta coleção são oriundos de diferentes escolas de pintura presentes no mundo ortodoxo do século XV ao XIX. A queda de Constantinopla em 1453 levou ao fim do Império Bizantino onde foram criadas estas pinturas sobre madeira com fundo dourado representando o Cristo, a Virgem ou os santos. Os objetos de culto permaneceram em uso nas comunidades cristãs da Grécia e dos Balcãs que, após a queda de Constantinopla, passaram sob domínio otomano. A Creta, possessão de Veneza e onde numerosos artistas de Constantinopla encontraram refúgio, se tornou o novo centro de produção ligada à Itália. A Rússia, nova guardiã da herança ortodoxa, continuou a produzir ícones procedentes de diferentes centros artísticos, que desde a Idade Média, tinham copiado as regras do Império Bizantino. Uma magnífica coleção !
Petit Palais - Avenue Winston Churchill, 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr/
Telhado do Grande Arco da Défense, visto do drone © Riad Kneife
LA GRANDE ARCHE DE LA DEFENSE
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
Centro de Criação Contemporânea Olivier Debré (CCCOD) em Tours
CENTRE DE CREATION CONTEMPORAINE OLIVIER DEBRE (CCC OD) - cidade de Tours
Tours, cidade de história, arte e cultura situada no vale do Loire, inaugura em pleno coração da cidade, o novo centro de arte contemporânea Olivier Debré. O edifício dos anos 50 préexistente, emblemático de um patrimônio arquitetural e expressão da memória coletiva, foi preservado e completado pela proposição original da agência dos irmãos arquitetos portugueses Manuel e Francisco Aires Mateus - um novo volume com revestimento de pedra que se eleva acima de uma galeria de vidro. O interior compõ-se de três núcleos principais : uma nave visível em permanência do exterior, uma galeria branca, o white cub, um espaço de grandes volumes que recebe luz a partir de uma iluminação zenital indireta. E a galeria escura, que oferece a possibilidade de um escuro total, um pedido que tornou-se recorrente nas práticas de exposições contemporâneas (videos, obras luminosas, digital…). Pequenas galerias, em torno das duas grandes, oferecem outros espaços de exposição. Dois auditórios acolherão conferências e projeções. A livraria propõe uma seleção de livros de arte e no primeiro andar o Café será um ponto de encontro de referência da cidade. A arquitetura do CCC OD é luminosa, sóbria e de agradável percurso.
CCC OD - Jardin François 1er, 37000 Tours
www.cccod.fr
Tours, cidade de história, arte e cultura situada no vale do Loire, inaugura em pleno coração da cidade, o novo centro de arte contemporânea Olivier Debré. O edifício dos anos 50 préexistente, emblemático de um patrimônio arquitetural e expressão da memória coletiva, foi preservado e completado pela proposição original da agência dos irmãos arquitetos portugueses Manuel e Francisco Aires Mateus - um novo volume com revestimento de pedra que se eleva acima de uma galeria de vidro. O interior compõ-se de três núcleos principais : uma nave visível em permanência do exterior, uma galeria branca, o white cub, um espaço de grandes volumes que recebe luz a partir de uma iluminação zenital indireta. E a galeria escura, que oferece a possibilidade de um escuro total, um pedido que tornou-se recorrente nas práticas de exposições contemporâneas (videos, obras luminosas, digital…). Pequenas galerias, em torno das duas grandes, oferecem outros espaços de exposição. Dois auditórios acolherão conferências e projeções. A livraria propõe uma seleção de livros de arte e no primeiro andar o Café será um ponto de encontro de referência da cidade. A arquitetura do CCC OD é luminosa, sóbria e de agradável percurso.
CCC OD - Jardin François 1er, 37000 Tours
www.cccod.fr
Confluentia, de Bina Baitel. Tecelagem Atelier Françoise Vernaudon © Eric Roger/Cité Internationale de la Tapisserie
CITE INTERNATIONALE DE LA TAPISSERIE em Aubusson
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
CHATEAU DU CLOS LUCE
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
www.vinci-closluce.com
Jardins de Valloires © R. Duthilleul SMBS -GLP
JARDINS DE VALLOIRES na Picardia
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Abadia de Auberive - ala oeste
L’ABBAYE DE L’AUBERIVE
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Les Caves du Louvre
LES CAVES DU LOUVRE
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
"Axis Mundi" de Charles Sandison
MUDO – Musée de l’Oise – Beauvais
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
Abadia de Royaumont
Abadia e Fundação Royaumont – cerca de 35 km ao norte
de Paris
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
Parc du Petit Prince
Parc du Petit Prince – Parque do Pequeno Príncipe –
Alsácia
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.
Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
.
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.
Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
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Château de Chaumont sur Loire
©E. Sander
Château de Chaumont sur Loire – a menos de duas horas de
Paris
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
Domaine de Villarceaux
Dominio de Villarceaux - cercanias de Paris
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
Villa des Brillants à Meudon
Musée Rodin – Villa des Brillants – Meudon (a 20 minutos de Paris)
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
