Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Uma Canção de Natal, 1867
oleo em madeira, coleção particular, cortesia Grant Ford Ltd, Reino-Unido
OS PRE-RAFAELISTAS
A Irmandade Pré-Rafaelita, fundada em 1848 na Inglaterra, seguiu os preceitos do influente teórico John Ruskin. Ela procurou libertar a arte das convenções acadêmicas inglesas e da moral vitoriana, criando uma nova pintura inspirada nos Primitivos italianos, os antecessores de Rafael. Embora a Irmandade tenha se dissolvido rapidamente, ela deu um novo impulso à arte inglesa e influenciou particularmente o Movimento Estético, que se baseava na idéia de "arte pela arte" e no culto à beleza. Como Oscar Wilde, a figura emblemática do movimento, os artistas gradualmente passaram a considerar que a arte deveria servir a um único ideal, a beleza. É por isso que embarcaram numa busca de harmonia de cor e forma, recusando-se a dar um sentido moral às suas obras. Em um contexto marcado pela revolução industrial, os artistas se inspiraram na literatura inglesa, bem como na história e geografia distante, como a antiguidade greco-romana, que muitas vezes estava associada à voluptuosidade e ao refinamento. Eles também foram inspirados pela Idade Média e suas lendas, pela África e pelo Oriente fantasiado. A figura feminina também é encenada, idealizada e representada de forma sensual nesta tendência artística que muitas vezes coloca a mulher em primeiro plano. O Petit Palais recebeu o excepcional empréstimo por cinco anos de oito pinturas inglesas do movimento pré-rafaelite, de uma coleção particular e estrangeira. Os visitantes poderão descobrir pinturas de William Holman Hunt, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, John William Inchbold, Frederic Leighton, Lawrence Alma-Tadema e John William Waterhouse.
Musée Petit Palais - Av. Winston Churchill, 75008 Paris
petitpalais.paris.fr
A Irmandade Pré-Rafaelita, fundada em 1848 na Inglaterra, seguiu os preceitos do influente teórico John Ruskin. Ela procurou libertar a arte das convenções acadêmicas inglesas e da moral vitoriana, criando uma nova pintura inspirada nos Primitivos italianos, os antecessores de Rafael. Embora a Irmandade tenha se dissolvido rapidamente, ela deu um novo impulso à arte inglesa e influenciou particularmente o Movimento Estético, que se baseava na idéia de "arte pela arte" e no culto à beleza. Como Oscar Wilde, a figura emblemática do movimento, os artistas gradualmente passaram a considerar que a arte deveria servir a um único ideal, a beleza. É por isso que embarcaram numa busca de harmonia de cor e forma, recusando-se a dar um sentido moral às suas obras. Em um contexto marcado pela revolução industrial, os artistas se inspiraram na literatura inglesa, bem como na história e geografia distante, como a antiguidade greco-romana, que muitas vezes estava associada à voluptuosidade e ao refinamento. Eles também foram inspirados pela Idade Média e suas lendas, pela África e pelo Oriente fantasiado. A figura feminina também é encenada, idealizada e representada de forma sensual nesta tendência artística que muitas vezes coloca a mulher em primeiro plano. O Petit Palais recebeu o excepcional empréstimo por cinco anos de oito pinturas inglesas do movimento pré-rafaelite, de uma coleção particular e estrangeira. Os visitantes poderão descobrir pinturas de William Holman Hunt, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, John William Inchbold, Frederic Leighton, Lawrence Alma-Tadema e John William Waterhouse.
Musée Petit Palais - Av. Winston Churchill, 75008 Paris
petitpalais.paris.fr
Mestre de Amiens ? , Puy de 1519, Pré ministrant pasture salutaire, óleo sobre painel e estrutura de carvalho esculpido, 303 x 126 cm © Michel Bourguet/Musée de Picardie
LES PUYS D’AMIENS, obras-primas da catedral Notre-Dame – exposição de 3 de Julho a 10 de Outubro de 2021 em Amiens
Os Puys d'Amiens, obras-primas da coleção de pinturas de Amiens, são os vestígios da extraordinária produção artística da irmandade Notre-Dame du Puy no final da Idade Média e na era moderna. Esta piedosa instituição reunia os notáveis da cidade de Amiens, clérigos ou leigos, para glorificar a Virgem através de jogos poéticos. Ela oferecia refeições em cada uma das festas marianas durante as quais competições de poesia eram organizadas mas que caiu em desuso durante o Renascimento. A “Canção Real” era a forma de poema mais popular da época. O termo de Puy vem do fato de que essas canções eram recitadas em uma plataforma - ou pódio - chamada puy em francês medieval, sobre a qual o poeta subia para declamar seus versos. O nome Puy se estendeu a todas as obras que a irmandade encomendou. No dia 2 de fevereiro, dia da Purificação da Virgem, o mestre eleito para o ano anunciava o seu lema que inspiraria o pintor a quem era encomendada uma pintura. A obra era exposta na catedral no dia de Natal e aí permanecia durante todo o ano, antes de ser substituída pela do ano seguinte. A partir do final do século XV, os quadros dos anos anteriores foram simplesmente deslocados e pendurados um pouco mais atrás na igreja, de modo que no início do século XVIII, dezenas destas obras de devoção mariana enfeitavam os pilares da Catedral de Notre-Dame em Amiens. Foi precisamente o seu grande número e a evolução do gosto que levou os cânones a decidir esvaziar a catedral das pinturas em 1723. A maior parte delas foram destruídas ou dispersas pela diocese, e apenas as obras consideradas de qualidade suficiente foram mantidas numa capela separada. Como resultado desta dispersão, os Puys que chegaram até nós representam apenas uma pequena parte de todas as obras realizadas. No entanto, os Puys ilustram a história artística, política, cultural e religiosa de Amiens. Essas obras retratam a sociedade de Amiens ao longo de um período de quase três séculos. Através dos Puys, a exposição reconstitui a história desta irmandade que foi central na vida cultural, religiosa e artística de Amiens.
Musée de Picardie - 2, rue Puvis de Chavannes - 80000 AMIENS
museedepicardie.fr
Tapete pássaros e grifos segundo Amédée Couder. Manufacture Sallandrouze, 1836, coleção Cité Internationale de la Tapisserie
SALLANDROUZE DE LAMORNAY, história de uma fabricação excepcional – exposição de 3 de Julho a 19 de Setembro de 2021 em Aubusson
A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento A Cité internationale de la tapisserie dedica uma exposição à fábrica de Sallandrouze em Lamornaix. Profundamente ligada à história da região e à cidade de Aubusson, esta família desempenhou um papel importante na indústria têxtil do século XIX. A exposição apresenta cerca de quarenta obras e é organizada cronologicamente, de acordo com os três diretores sucessivos da manufatura: Jean Sallandrouze (1760-1826), seu filho, Charles Sallandrouze (1808-1867) e finalmente seu neto, Octave Sallandrouze (1834-1897). Estas três personagens correspondem a três períodos para a empresa: o seu desenvolvimento no início do século, uma época áurea que se estende dos anos 1810 aos 1860, seguida de dificuldades financeiras que levarão à cessação da produção em 1878. Durante estas poucas décadas, a fábrica prestou especial atenção ao desenvolvimento de novos modelos e conseguiu atrair os serviços de artistas ornamentais como Amédée Couder. Jean Sallandrouze de Lamornaix foi o primeiro membro da família a alcançar um sucesso significativo na indústria de tapetes e tapeçaria. Assim, na primeira exposição nacional de produtos industriais em Paris em 1802, a empresa Rogier e Sallandrouze, nascida da associação entre Jean Sallandrouze de Lamornaix e o presidente da câmara de Aubusson, Guillaume Rogier, foi recompensada. Além da sua fábrica, então situada no local atual da fábrica Saint-Jean em Aubusson, Jean abriu uma fábrica de tapetes de veludo no bairro do Marais de Paris. O seu filho, Charles Sallandrouze de Lamornaix, assumiu a empresa em 1826 e se tornou um importante industrial no século XIX. Paralelamente às oficinas em Aubusson, adquiriu o Hotel Montholon em Paris para montar uma loja no novo bairro da moda dos Grands Boulevards. Charles também esteve envolvido na política e foi eleito conselheiro geral da Creuse a partir de 1841, deputado em várias ocasiões a partir de 1846, e finalmente presidente da câmara de Aubusson. Charles Sallandrouze de Lamornaix participou ativamente nas exposições universais do século XIX. Com a morte de Charles, o filho do fabricante, Octave Sallandrouze de Lamornaix, assumiu a empresa. Os seus tapetes e tapeçarias também tiveram grande sucesso na Exposição Universal de 1867. Após a derrota da França contra a Prússia em 1870, num contexto de crise econômica, a fábrica de Sallandrouze de Lamornaix fechou em 1872. Os seus edifícios foram comprados pela família Hamot, que ali desenvolveu uma prestigiosa fábrica de tapetes e tapeçaria que mais tarde se tornaria a Manufatura Saint-Jean.
Centre Culturel et Artistique Jean Lurçat- Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento A Cité internationale de la tapisserie dedica uma exposição à fábrica de Sallandrouze em Lamornaix. Profundamente ligada à história da região e à cidade de Aubusson, esta família desempenhou um papel importante na indústria têxtil do século XIX. A exposição apresenta cerca de quarenta obras e é organizada cronologicamente, de acordo com os três diretores sucessivos da manufatura: Jean Sallandrouze (1760-1826), seu filho, Charles Sallandrouze (1808-1867) e finalmente seu neto, Octave Sallandrouze (1834-1897). Estas três personagens correspondem a três períodos para a empresa: o seu desenvolvimento no início do século, uma época áurea que se estende dos anos 1810 aos 1860, seguida de dificuldades financeiras que levarão à cessação da produção em 1878. Durante estas poucas décadas, a fábrica prestou especial atenção ao desenvolvimento de novos modelos e conseguiu atrair os serviços de artistas ornamentais como Amédée Couder. Jean Sallandrouze de Lamornaix foi o primeiro membro da família a alcançar um sucesso significativo na indústria de tapetes e tapeçaria. Assim, na primeira exposição nacional de produtos industriais em Paris em 1802, a empresa Rogier e Sallandrouze, nascida da associação entre Jean Sallandrouze de Lamornaix e o presidente da câmara de Aubusson, Guillaume Rogier, foi recompensada. Além da sua fábrica, então situada no local atual da fábrica Saint-Jean em Aubusson, Jean abriu uma fábrica de tapetes de veludo no bairro do Marais de Paris. O seu filho, Charles Sallandrouze de Lamornaix, assumiu a empresa em 1826 e se tornou um importante industrial no século XIX. Paralelamente às oficinas em Aubusson, adquiriu o Hotel Montholon em Paris para montar uma loja no novo bairro da moda dos Grands Boulevards. Charles também esteve envolvido na política e foi eleito conselheiro geral da Creuse a partir de 1841, deputado em várias ocasiões a partir de 1846, e finalmente presidente da câmara de Aubusson. Charles Sallandrouze de Lamornaix participou ativamente nas exposições universais do século XIX. Com a morte de Charles, o filho do fabricante, Octave Sallandrouze de Lamornaix, assumiu a empresa. Os seus tapetes e tapeçarias também tiveram grande sucesso na Exposição Universal de 1867. Após a derrota da França contra a Prússia em 1870, num contexto de crise econômica, a fábrica de Sallandrouze de Lamornaix fechou em 1872. Os seus edifícios foram comprados pela família Hamot, que ali desenvolveu uma prestigiosa fábrica de tapetes e tapeçaria que mais tarde se tornaria a Manufatura Saint-Jean.
Centre Culturel et Artistique Jean Lurçat- Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
O raja Raj Singh de Chamba e sua rani nos jardins de Rajnagar
India, Chamba, em torno de 1790-1795
Guache e ouro em papel , 34 × 27 cm
Don Émile Soldi Colbert (1905), deposito do museu do Louvre ao MNAAG, OA 6031
© RMN-Grand Palais (MNAAG, Paris) / Thierry Ollivier
JARDINS D’ASIE – exposição de 7 de Julho a 20 de Setembro de 2021
A exposição Jardins da Ásia explora, através de uma seleção de oitenta obras das coleções do museu, a arte do jardim da Índia Mughal ao Japão, passando pela China, tendo dado cada um destes países uma contribuição particularmente significativa e original para esta criação idealizada da natureza. Não há falta de distinções tipológicas e estéticas. Imperativos climáticos, singularidades culturais e desenvolvimentos históricos são todos elementos que convidam a uma abordagem comparativa dos jardins asiáticos. Os jardins da Ásia são locais fechados concebidos de acordo com a disposição e estruturação do espaço próprio a cada uma das civilizações que os originaram. Combinando água e arquitetura, o jardim abriga uma vida em mutação perpétua. Reflete também, evidentemente, o estatuto social ou a riqueza dos seus proprietários. Deixando para trás a vida cotidiana, com as suas percepções ordinárias e jogos de poder, os jardins oferecem uma nova fonte de inspiração. Espera-se provar a harmonia e vitalidade de vários paraísos - seja em suas variações muçulmanas, taoístas ou budistas. O mundo dos jardins penetra nos interiores de palácios e casas através de objetos decorados que evocam esse tema. Foi por meio dessas expressões artísticas que ele também foi exportado para fora da Ásia. Os jardins asiáticos distinguem-se dos ocidentais pela escolha simbólica das plantas e pela forma como se associam entre si, mas também pela instalação de arquitecturas leves, perenes ou efêmeras. Tudo isso cria um universo vivo e individualizado. O jardim convoca os sentidos e a memória, e leva a uma experiência que evolui com as estações ou com os sentimentos de quem aí se encontra. Através dos reinos vegetal e mineral, convoca múltiplas referências religiosas, literárias e simbólicas.
Musée national des arts asiatiques - Guimet - 6, place d’Iéna 75116 Paris
www.guimet.fr
A exposição Jardins da Ásia explora, através de uma seleção de oitenta obras das coleções do museu, a arte do jardim da Índia Mughal ao Japão, passando pela China, tendo dado cada um destes países uma contribuição particularmente significativa e original para esta criação idealizada da natureza. Não há falta de distinções tipológicas e estéticas. Imperativos climáticos, singularidades culturais e desenvolvimentos históricos são todos elementos que convidam a uma abordagem comparativa dos jardins asiáticos. Os jardins da Ásia são locais fechados concebidos de acordo com a disposição e estruturação do espaço próprio a cada uma das civilizações que os originaram. Combinando água e arquitetura, o jardim abriga uma vida em mutação perpétua. Reflete também, evidentemente, o estatuto social ou a riqueza dos seus proprietários. Deixando para trás a vida cotidiana, com as suas percepções ordinárias e jogos de poder, os jardins oferecem uma nova fonte de inspiração. Espera-se provar a harmonia e vitalidade de vários paraísos - seja em suas variações muçulmanas, taoístas ou budistas. O mundo dos jardins penetra nos interiores de palácios e casas através de objetos decorados que evocam esse tema. Foi por meio dessas expressões artísticas que ele também foi exportado para fora da Ásia. Os jardins asiáticos distinguem-se dos ocidentais pela escolha simbólica das plantas e pela forma como se associam entre si, mas também pela instalação de arquitecturas leves, perenes ou efêmeras. Tudo isso cria um universo vivo e individualizado. O jardim convoca os sentidos e a memória, e leva a uma experiência que evolui com as estações ou com os sentimentos de quem aí se encontra. Através dos reinos vegetal e mineral, convoca múltiplas referências religiosas, literárias e simbólicas.
Musée national des arts asiatiques - Guimet - 6, place d’Iéna 75116 Paris
www.guimet.fr
Menina com um livro 1976
tinta e cor em seda , 19 x 11,5 cm
coleção particular
© Musée des Ursulines de Mâcon
MAI-THU, écho d’un Vietnam rêvé – exposição de 16 de Junho a 24 de Outubro de 2021 na cidade de Mâcon
Mai Trung Thứ (1906 - 1980), conhecido como Mai-Thu, é um pintor vietnamita. Filho de uma rica família mandarim, veio de um ramo mais jovem, o que o isenta de assumir o cargo de funcionário imperial. Em 1925, foi selecionado para frequentar a recém-criada Escola de Belas Artes da Indochina em Hanói, fundada pelo francês Victor Tardieu, que deu origem ao surgimento da noção de artista no Vietnã no sentido ocidental do termo. Anteriormente, havia uma tradição pictórica muito diferente e essencialmente influenciada pela cultura chinesa. O objetivo reivindicado da escola é permitir que os alunos criem um novo estilo, sintetizando a arte ocidental mas permanecendo vietnamita. Mai-Thu permanecerá fiel a esse ensinamento por toda a vida. Na década de 1930 o país abre-se à modernidade mas a antiga Indochina oferecia poucas oportunidades aos artistas. Mai-Thu deixou definitivamente o Vietnã pela França em 1937. Em 1939, quando estourou a Segunda Guerra Mundial, Mai-Thu juntou-se ao exército francês. O artista foi desmobilizado em 1941 em Mâcon. Aí estabeleceu ligações privilegiadas com as famílias influentes da região, das quais deixou muitos retratos. Mai-Thu mudou-se para Paris em 1943. Ao chegar à França, privilegiou a pintura em seda, técnica exigente sem possível arrependimento. Ele sabe como realçar o brilho da seda e a sutileza das cores. A profundidade é representada por uma estratificação de planos que toma emprestado da pintura narrativa tradicional chinesa e japonesa. Os temas de Mai-Thu vêm de um Vietnã tradicional idealizado, poético, como que congelado no tempo. Mai-Thu consegue inventar um estilo que se acredita ser tradicional e imutável. Na verdade, é uma arte intelectual sutil, imbuída de referências artísticas europeias e tradições do Extremo Oriente.
Musée des Ursulines - 5, rue de la Préfecture - 71000 Mâcon
Mai Trung Thứ (1906 - 1980), conhecido como Mai-Thu, é um pintor vietnamita. Filho de uma rica família mandarim, veio de um ramo mais jovem, o que o isenta de assumir o cargo de funcionário imperial. Em 1925, foi selecionado para frequentar a recém-criada Escola de Belas Artes da Indochina em Hanói, fundada pelo francês Victor Tardieu, que deu origem ao surgimento da noção de artista no Vietnã no sentido ocidental do termo. Anteriormente, havia uma tradição pictórica muito diferente e essencialmente influenciada pela cultura chinesa. O objetivo reivindicado da escola é permitir que os alunos criem um novo estilo, sintetizando a arte ocidental mas permanecendo vietnamita. Mai-Thu permanecerá fiel a esse ensinamento por toda a vida. Na década de 1930 o país abre-se à modernidade mas a antiga Indochina oferecia poucas oportunidades aos artistas. Mai-Thu deixou definitivamente o Vietnã pela França em 1937. Em 1939, quando estourou a Segunda Guerra Mundial, Mai-Thu juntou-se ao exército francês. O artista foi desmobilizado em 1941 em Mâcon. Aí estabeleceu ligações privilegiadas com as famílias influentes da região, das quais deixou muitos retratos. Mai-Thu mudou-se para Paris em 1943. Ao chegar à França, privilegiou a pintura em seda, técnica exigente sem possível arrependimento. Ele sabe como realçar o brilho da seda e a sutileza das cores. A profundidade é representada por uma estratificação de planos que toma emprestado da pintura narrativa tradicional chinesa e japonesa. Os temas de Mai-Thu vêm de um Vietnã tradicional idealizado, poético, como que congelado no tempo. Mai-Thu consegue inventar um estilo que se acredita ser tradicional e imutável. Na verdade, é uma arte intelectual sutil, imbuída de referências artísticas europeias e tradições do Extremo Oriente.
Musée des Ursulines - 5, rue de la Préfecture - 71000 Mâcon
LES EXTATIQUES – exposição de 24 de Junho a 3 de Outubro de 2021
Les Extatiques, é uma exposição de arte contemporânea ao ar livre, um percurso único incluindo várias obras de arte monumentais e surpreendentes. Este ano, em sua quarta edição, as instalações estão situadas na esplanada de La Défense, distrito empresarial onde a arte tem tido sempre um lugar de destaque e os jardins de La Seine Musicale. A Seine Musicale, projetada pelos arquitetos Shigeru Ban e Jean Gastines e dedicado à música, está localizada na ponta jusante da ilha Seguin em Boulogne-Billancourt. O jardim Bellini, localizado no telhado de La Seine Musicale e composto apenas por essências da região parisiense, é particularmente adequado para receber obras propostas por artistas. Para esta quarta edição, o curador Fabrice Bousteau quis enfatizar a abertura e a diversidade entre as disciplinas e os artistas representados. O projeto faz parte do renascimento do distrito de Paris La Défense através da revegetação e da criação de novos parques, e faz parte da ilha da biodiversidade de La Seine Musicale. As instalações artísticas expressam esse florescimento. Através de uma seleção de artistas e obras, esta exposição mostra a intensidade e ambivalência das experiências extasiantes. O êxtase é uma experiência efêmera e elusiva que oferece a possibilidade de questionar os tabus sociais do momento e de tirar lições sobre a natureza do homem e o seu lugar no mundo. Na esplanada de La Défense encontramos as obras dos artistas Johan Creten, Ghyslain Bertholon, Daniel Arsham, Jean-François Fourtou, Alain Passard, Cyril Lancelin, Luka Fineisen e Tony Cragg. Na Seine Musicale : Zadok Ben-David, Lilian Bourgeat, Jean-Bernard Métais, Stéphane Thidet, Nils-Udo, Noel Dolla.
Les Extatiques, é uma exposição de arte contemporânea ao ar livre, um percurso único incluindo várias obras de arte monumentais e surpreendentes. Este ano, em sua quarta edição, as instalações estão situadas na esplanada de La Défense, distrito empresarial onde a arte tem tido sempre um lugar de destaque e os jardins de La Seine Musicale. A Seine Musicale, projetada pelos arquitetos Shigeru Ban e Jean Gastines e dedicado à música, está localizada na ponta jusante da ilha Seguin em Boulogne-Billancourt. O jardim Bellini, localizado no telhado de La Seine Musicale e composto apenas por essências da região parisiense, é particularmente adequado para receber obras propostas por artistas. Para esta quarta edição, o curador Fabrice Bousteau quis enfatizar a abertura e a diversidade entre as disciplinas e os artistas representados. O projeto faz parte do renascimento do distrito de Paris La Défense através da revegetação e da criação de novos parques, e faz parte da ilha da biodiversidade de La Seine Musicale. As instalações artísticas expressam esse florescimento. Através de uma seleção de artistas e obras, esta exposição mostra a intensidade e ambivalência das experiências extasiantes. O êxtase é uma experiência efêmera e elusiva que oferece a possibilidade de questionar os tabus sociais do momento e de tirar lições sobre a natureza do homem e o seu lugar no mundo. Na esplanada de La Défense encontramos as obras dos artistas Johan Creten, Ghyslain Bertholon, Daniel Arsham, Jean-François Fourtou, Alain Passard, Cyril Lancelin, Luka Fineisen e Tony Cragg. Na Seine Musicale : Zadok Ben-David, Lilian Bourgeat, Jean-Bernard Métais, Stéphane Thidet, Nils-Udo, Noel Dolla.
Malala Andrialavidrazana - Figures 1861, Natural History of Mankind
UN.E AIR.E DE FAMILLE – exposição de 25 de Junho a 8 de Novembro de 2021
A exposição abre um diálogo entre obras das coleções históricas do museu de arte e história Paul Eluard de Saint Denis, enriquecidas por numerosos empréstimos, e obras de mulheres artistas do continente africano, salientando o empenho e compromisso comum de artistas ao longo dos séculos. O interesse dos surrealistas por objetos de arte não ocidentais e por uma primitividade que é simultaneamente remota e original tendeu a congelar a visão ocidental do que é denominado como arte africana durante muito tempo. Contudo, estes artistas se comprometeram fortemente contra a exposição colonial de 1931, através de folhetos - Não visite a Exposição Colonial e Primeira Revisão da Exposição Colonial- e uma uma contra-exposição, A Verdade sobre as Colônias. Duas décadas depois, foi através da luta pela libertação de Henri Martin, um jovem mecânic que entrou para a Marinha em 1945 e foi condenado em 1950 a 5 anos de prisão por incitar os marinheiros a desobedecer na guerra da Indochina, que Eluard expressou mais uma vez o seu compromisso, ao lado de Picasso, Léger e Sartre, contra a política colonial francesa. Treze mulheres artistas africanas contemporâneas se reuniram em torno deste projeto para fazer ouvir suas vozes, graças a uma ampla gama de disciplinas artísticas - pintura, desenho, vídeo, instalação. Criando um diálogo entre obras históricas e contemporâneas, a exposição explora os temas da relação com o outro, memória, cartografias, migrações ou mesmo espiritualidades e o compromisso pós colonial. De uma identidade híbrida, feita de diferentes contribuições, essas obras oferecem uma leitura diferente da modernidade, indo para além da questão das origens em que muitas vezes estão confinadas.
Musée d’art et d’histoire Paul Eluard - 22 bis, rue Gabriel Péri – 93 200 Saint-Denis
www.musee-saint-denis.fr
A exposição abre um diálogo entre obras das coleções históricas do museu de arte e história Paul Eluard de Saint Denis, enriquecidas por numerosos empréstimos, e obras de mulheres artistas do continente africano, salientando o empenho e compromisso comum de artistas ao longo dos séculos. O interesse dos surrealistas por objetos de arte não ocidentais e por uma primitividade que é simultaneamente remota e original tendeu a congelar a visão ocidental do que é denominado como arte africana durante muito tempo. Contudo, estes artistas se comprometeram fortemente contra a exposição colonial de 1931, através de folhetos - Não visite a Exposição Colonial e Primeira Revisão da Exposição Colonial- e uma uma contra-exposição, A Verdade sobre as Colônias. Duas décadas depois, foi através da luta pela libertação de Henri Martin, um jovem mecânic que entrou para a Marinha em 1945 e foi condenado em 1950 a 5 anos de prisão por incitar os marinheiros a desobedecer na guerra da Indochina, que Eluard expressou mais uma vez o seu compromisso, ao lado de Picasso, Léger e Sartre, contra a política colonial francesa. Treze mulheres artistas africanas contemporâneas se reuniram em torno deste projeto para fazer ouvir suas vozes, graças a uma ampla gama de disciplinas artísticas - pintura, desenho, vídeo, instalação. Criando um diálogo entre obras históricas e contemporâneas, a exposição explora os temas da relação com o outro, memória, cartografias, migrações ou mesmo espiritualidades e o compromisso pós colonial. De uma identidade híbrida, feita de diferentes contribuições, essas obras oferecem uma leitura diferente da modernidade, indo para além da questão das origens em que muitas vezes estão confinadas.
Musée d’art et d’histoire Paul Eluard - 22 bis, rue Gabriel Péri – 93 200 Saint-Denis
www.musee-saint-denis.fr
Agatoak Kowspi, Yeningei (titulo atribuido) (Amigo), série Pinturas kwomas Série verde, Abril - Julho 2001, pintura acrilica e grafite sobre papel, 31,8 x 23,9 cm © FRAC Picardie
DRAWING POWER, Children of Compost – exposição de 26 de Junho a 30 de Setembro de 2021
A exposição Drawing Power - Children of Compost explora a forma como os artistas contemporâneos utilizam o desenho para representar, agir e refletir sobre as questões ecológicas atuais. Através do desenho, os artistas podem criar novas formas e representações e imaginar um mundo diferente e assim mudar o papel do homem no planeta. Autores comprometidos com o combate à emergência climática propõem ir além do binômio natureza/cultura que coloca a natureza a serviço do homem e de seus necessidades, como um produto ao qual estão apenas vinculados como consumidores. Nas artes plásticas, as noções herdadas desta separação, tais como paisagem, jardim, sentimento bucólico e o sublime, são naturalmente revisitadas pelos artistas. O desenho assume o papel de interface para oferecer novas representações da convivência, implicando um diálogo com humanos e não humanos. Drawing Power - Children of Compost se propõe a construir, sobre as dificuldades do presente, um futuro de vida regenerada por novas concepções dos seres vivos. Os artistas convidados a participar nesta exposição incorporam um amplo espectro de práticas. Vão do ativismo ao trabalho longe das grandes metrópoles, às experiências performativas, sociopolíticas ou político-poéticas. Alguns artistas, como a dupla Hipkiss, colocam-se à margem da vida urbana e defendem uma visão ecofeminista; artistas do povo Kwoma em Nova Papua, Agatoak Kowspi e Kowspi Marek, utilizam ferramentas do desenho ocidental para desenharem a sua cosmogonia até então oral; alguns deles, como Marcos Ávila Forero e Nohemí Pérez, partiram para reconhecer áreas intensas de luta eco-social. O desenho leve, elementar, oferece um território único para reflexão e ação. Esta exposição foi imaginada por Joana P.R. Neves, diretora artística da DRAWING NOW Art Fair, em colaboração com o Fundo regional de arte contemporânea (Frac) Picardie, instalado na cidade de Amiens, e que construiu uma coleção em torno do desenho contemporâneo, uma das mais importantes da França e da Europa.
Drawing Lab Paris - 17 rue de Richelieu, 75001 Paris
www.drawinglabparis.com
A exposição Drawing Power - Children of Compost explora a forma como os artistas contemporâneos utilizam o desenho para representar, agir e refletir sobre as questões ecológicas atuais. Através do desenho, os artistas podem criar novas formas e representações e imaginar um mundo diferente e assim mudar o papel do homem no planeta. Autores comprometidos com o combate à emergência climática propõem ir além do binômio natureza/cultura que coloca a natureza a serviço do homem e de seus necessidades, como um produto ao qual estão apenas vinculados como consumidores. Nas artes plásticas, as noções herdadas desta separação, tais como paisagem, jardim, sentimento bucólico e o sublime, são naturalmente revisitadas pelos artistas. O desenho assume o papel de interface para oferecer novas representações da convivência, implicando um diálogo com humanos e não humanos. Drawing Power - Children of Compost se propõe a construir, sobre as dificuldades do presente, um futuro de vida regenerada por novas concepções dos seres vivos. Os artistas convidados a participar nesta exposição incorporam um amplo espectro de práticas. Vão do ativismo ao trabalho longe das grandes metrópoles, às experiências performativas, sociopolíticas ou político-poéticas. Alguns artistas, como a dupla Hipkiss, colocam-se à margem da vida urbana e defendem uma visão ecofeminista; artistas do povo Kwoma em Nova Papua, Agatoak Kowspi e Kowspi Marek, utilizam ferramentas do desenho ocidental para desenharem a sua cosmogonia até então oral; alguns deles, como Marcos Ávila Forero e Nohemí Pérez, partiram para reconhecer áreas intensas de luta eco-social. O desenho leve, elementar, oferece um território único para reflexão e ação. Esta exposição foi imaginada por Joana P.R. Neves, diretora artística da DRAWING NOW Art Fair, em colaboração com o Fundo regional de arte contemporânea (Frac) Picardie, instalado na cidade de Amiens, e que construiu uma coleção em torno do desenho contemporâneo, uma das mais importantes da França e da Europa.
Drawing Lab Paris - 17 rue de Richelieu, 75001 Paris
www.drawinglabparis.com
Hôtel de la Marine, salão dos Almirantes e salão de honra © Ambroise Tézenas CMN
HÔTEL DE LA MARINE
Localizado na Place de la Concorde, entre a Champs-Élysées e as Tuileries, o Hôtel de la Marine é um conjunto arquitetônico magnífico criado no século XVIII por Ange-Jacques Gabriel, o primeiro arquiteto do rei Luís XV. Até 1789, albergou o Garde-Meuble da Coroa antes de se tornar, durante mais de duzentos anos, e até 2015, quartel-general do Estado-Maior Naval. Após um imenso projeto de restauração dos quartos e mobiliário que durou quase 4 anos, o Hôtel de la Marine, abriu as suas portas para o publico que poderá visitar os apartamentos decorados no século XVIII pelo Intendente do Garde-Meuble e os salões cerimoniais do século XIX. O acesso é feito pelo pátio do Intendente, coberto por um surpreendente telhado de vidro, após cruzar o pátio principal conectado com a Place de la Concorde e a Rue Royale. Este último espaço, com livraria, cafetaria e restaurante, permanecerá de livre acesso ao público. Os restantes espaços sumptuosos, datados dos séculos XVIII e XIX, serão acessíveis por reserva e acompanhados por um novo dispositivo de mediação, em várias linguas,denominado "Confidant". Graças a um auricular inteligente, os visitantes poderão interagir com os quartos e o seu mobiliário de uma forma muito mais imersiva e natural. Dois espaços de restaurantes complementarão a visita patrimonial para oferecer um verdadeiro lugar para viver. Um restaurante, cujo menu será assinado pelo chefe Jean-François Piège e o Café Lapérouse, decorado por Cordelia de Castellane, será acessível durante todo o dia a partir das arcadas da Place de la Concorde e do pátio de honra. No Outono de 2021, o antigo depósito das tapeçarias do Garde-Meuble albergará as galerias de exposição da Coleção Al Thani, uma vasta coleção de objetos históricos e decorativos propriedade do sheik Tamin ben Hamad Al Thani, o Emir do Qatar.
Hôtel de la Marine - 2 place de la Concorde - 75008 Paris
Localizado na Place de la Concorde, entre a Champs-Élysées e as Tuileries, o Hôtel de la Marine é um conjunto arquitetônico magnífico criado no século XVIII por Ange-Jacques Gabriel, o primeiro arquiteto do rei Luís XV. Até 1789, albergou o Garde-Meuble da Coroa antes de se tornar, durante mais de duzentos anos, e até 2015, quartel-general do Estado-Maior Naval. Após um imenso projeto de restauração dos quartos e mobiliário que durou quase 4 anos, o Hôtel de la Marine, abriu as suas portas para o publico que poderá visitar os apartamentos decorados no século XVIII pelo Intendente do Garde-Meuble e os salões cerimoniais do século XIX. O acesso é feito pelo pátio do Intendente, coberto por um surpreendente telhado de vidro, após cruzar o pátio principal conectado com a Place de la Concorde e a Rue Royale. Este último espaço, com livraria, cafetaria e restaurante, permanecerá de livre acesso ao público. Os restantes espaços sumptuosos, datados dos séculos XVIII e XIX, serão acessíveis por reserva e acompanhados por um novo dispositivo de mediação, em várias linguas,denominado "Confidant". Graças a um auricular inteligente, os visitantes poderão interagir com os quartos e o seu mobiliário de uma forma muito mais imersiva e natural. Dois espaços de restaurantes complementarão a visita patrimonial para oferecer um verdadeiro lugar para viver. Um restaurante, cujo menu será assinado pelo chefe Jean-François Piège e o Café Lapérouse, decorado por Cordelia de Castellane, será acessível durante todo o dia a partir das arcadas da Place de la Concorde e do pátio de honra. No Outono de 2021, o antigo depósito das tapeçarias do Garde-Meuble albergará as galerias de exposição da Coleção Al Thani, uma vasta coleção de objetos históricos e decorativos propriedade do sheik Tamin ben Hamad Al Thani, o Emir do Qatar.
Hôtel de la Marine - 2 place de la Concorde - 75008 Paris
MUSEU DO DOMINIO REAL DE MARLY
O museu do Domaine royal de Marly é uma viagem no tempo durante a qual a surpreendente história do Château de Marly é revelada. Embora o castelo tenha sido destruido, a sua importância histórica é imensa. Construído em 1679, o Château de Marly era uma residência de recreio onde Luís XIV vinha para se retirar longe do tumulto da Corte de Versalhes. O palácio, cuja arquitetura lembrava um cenário de teatro, e a máquina maravilhosa de Marly, que abastecia o jardim de água, eram invejados em toda a Europa. Ao contrário da vida oficial em Versalhes, Marly era um lugar à parte, onde Luís XIV expressava seus gostos pessoais. O soberano rodiava-se com ilustres convidados, aos quais oferecia uma infinidade de diversões: caça, concertos, jogos, bailes, passeios. O percurso do museu começa com uma apresentação da arquitetura única de Marly e dos jardins em relação aos vestígios atualmente visíveis no parque. Os segredos da máquina Marly são revelados, um mecanismo gigantesco cuja construção exigiu o planejamento do Sena para alimentar os jogos de água nos jardins do rei. O resto do percurso é dedicado à atmosfera íntima de Marly, que com o tempo se tornou uma verdadeira residência real, um instrumento de poder para o rei. O parque do museu é um esplendor. O museu do Domaine royal de Marly é um complemento essencial para descobrir Versalhes e o mundo de Luís XIV.
Musée du Domaine royal de Marly - 1 Grille royale – Parc de Marly 78160 Marly-le-Roi
www.musee-domaine-marly.fr
O museu do Domaine royal de Marly é uma viagem no tempo durante a qual a surpreendente história do Château de Marly é revelada. Embora o castelo tenha sido destruido, a sua importância histórica é imensa. Construído em 1679, o Château de Marly era uma residência de recreio onde Luís XIV vinha para se retirar longe do tumulto da Corte de Versalhes. O palácio, cuja arquitetura lembrava um cenário de teatro, e a máquina maravilhosa de Marly, que abastecia o jardim de água, eram invejados em toda a Europa. Ao contrário da vida oficial em Versalhes, Marly era um lugar à parte, onde Luís XIV expressava seus gostos pessoais. O soberano rodiava-se com ilustres convidados, aos quais oferecia uma infinidade de diversões: caça, concertos, jogos, bailes, passeios. O percurso do museu começa com uma apresentação da arquitetura única de Marly e dos jardins em relação aos vestígios atualmente visíveis no parque. Os segredos da máquina Marly são revelados, um mecanismo gigantesco cuja construção exigiu o planejamento do Sena para alimentar os jogos de água nos jardins do rei. O resto do percurso é dedicado à atmosfera íntima de Marly, que com o tempo se tornou uma verdadeira residência real, um instrumento de poder para o rei. O parque do museu é um esplendor. O museu do Domaine royal de Marly é um complemento essencial para descobrir Versalhes e o mundo de Luís XIV.
Musée du Domaine royal de Marly - 1 Grille royale – Parc de Marly 78160 Marly-le-Roi
www.musee-domaine-marly.fr
Cartaz Dans les têtes de Stéphane Blanquet
DANS LES TÊTES DE STEPHANE BLANQUET – exposição até 2 de Janeiro de 2022
Stéphane Blanquet nasceu em 1973, num subúrbio parisiense. Ele é considerado uma das principais figuras da cena artística underground. Há 30 anos, Stéphane Blanquet desenvolve um universo orgânico e sexual, povoado por monstruosidades e devaneios. Um mundo atormentado e perturbador. No entanto, o artista se defende de qualquer desejo de provocação. “Você só tem que colocar um pouco de religião, sexo cru e pronto. O que me interessa é o meu mundo interior. Ele pode parecer um pouco grosseiro ou muito demonstrativo, mas de qualquer forma não acho que estou trapaceando ”, confessa. Desde o início de sua carreira, Stéphane Blanquet busca a independência, foge do sistema institucional e se autopublica. No inicio, ele se destacou nos quadrinhos, um meio acessível e fácil de montar que lhe permitia criar muito e com rapidez. “Torna possível criar todo um universo impossível, mas os quadrinhos me levaram aos desenhos animados, os desenhos animados me levaram às instalações, às instalações aos volumes ...” Essas publicações o aproximaram da cena alternativa que então emergia e, a partir daí, iniciou uma brilhante carreira de cartunista e multiplicou colaborações de prestígio na França e no exterior. Desenhos, esculturas, instalações e tapeçarias. A tapeçaria é um meio original que ele trabalha digitalmente, mais uma vez, para ir mais rápido. “É parecido com uma pintura e dá para sentir o lado orgânico do desenho. O que me interessa é que o meu trabalho chama a atenção pelo lado muito cintilante e muito bem feito da tapeçaria ”, indica o artista. A obra de Stéphane Blanquet brinca com as convenções, brinca com as nossas percepções. Uma viagem incômoda mas essencial dentro de nós mesmos.
TRANCHÉE RACINE é um manifesto artístico iniciado por Stéphane Blanquet, que continuou a implementá-lo desde então. Originalmente, uma edição de imagens gráficas que reúne um grupo internacional de artistas de todas as esferas da vida, foi transformada em uma exposição para acompanhar a monografia Dans les tête de Stéphane Blanquet.
Halle Saint Pierre - 2, rue Ronsard - 75018 Paris
hallesaintpierre.org
Stéphane Blanquet nasceu em 1973, num subúrbio parisiense. Ele é considerado uma das principais figuras da cena artística underground. Há 30 anos, Stéphane Blanquet desenvolve um universo orgânico e sexual, povoado por monstruosidades e devaneios. Um mundo atormentado e perturbador. No entanto, o artista se defende de qualquer desejo de provocação. “Você só tem que colocar um pouco de religião, sexo cru e pronto. O que me interessa é o meu mundo interior. Ele pode parecer um pouco grosseiro ou muito demonstrativo, mas de qualquer forma não acho que estou trapaceando ”, confessa. Desde o início de sua carreira, Stéphane Blanquet busca a independência, foge do sistema institucional e se autopublica. No inicio, ele se destacou nos quadrinhos, um meio acessível e fácil de montar que lhe permitia criar muito e com rapidez. “Torna possível criar todo um universo impossível, mas os quadrinhos me levaram aos desenhos animados, os desenhos animados me levaram às instalações, às instalações aos volumes ...” Essas publicações o aproximaram da cena alternativa que então emergia e, a partir daí, iniciou uma brilhante carreira de cartunista e multiplicou colaborações de prestígio na França e no exterior. Desenhos, esculturas, instalações e tapeçarias. A tapeçaria é um meio original que ele trabalha digitalmente, mais uma vez, para ir mais rápido. “É parecido com uma pintura e dá para sentir o lado orgânico do desenho. O que me interessa é que o meu trabalho chama a atenção pelo lado muito cintilante e muito bem feito da tapeçaria ”, indica o artista. A obra de Stéphane Blanquet brinca com as convenções, brinca com as nossas percepções. Uma viagem incômoda mas essencial dentro de nós mesmos.
TRANCHÉE RACINE é um manifesto artístico iniciado por Stéphane Blanquet, que continuou a implementá-lo desde então. Originalmente, uma edição de imagens gráficas que reúne um grupo internacional de artistas de todas as esferas da vida, foi transformada em uma exposição para acompanhar a monografia Dans les tête de Stéphane Blanquet.
Halle Saint Pierre - 2, rue Ronsard - 75018 Paris
hallesaintpierre.org
CHÂTEAU D’AUVERS
No centro da aldeia de Auvers-sur-Oise, o Château d´Auvers, é um lugar único, combinando patrimônio e experiência impressionista numa paisagem preservada. O Château d’Auvers foi construido em 1635 por um financista italiano no estilo das vilas renascentistas italianas. Ele construiu um ninfeu (edifício dedicado às ninfas, divindades associadas à água e à natureza) em mosaico de conchas inspirado na Antiguidade que é um dos raros exemplos que restam na França. A propriedade é rodeada por três tipos de jardins: o renascentista italiano, o jardim francês e o jardim inglês. O jardim renascentista desenvolve-se em socalcos horizontais que abrem amplas perspectivas sobre o vale do Oise, paisagem que inspirou muitos pintores impressionistas e pós-impressionistas. O domínio do Château tem duas oranjeiras: a oranjeira do norte, que abriga o ninfeu, e a oranjeira do sul, onde se realizam exposições temporárias. O Château d'Auvers também oferece um percurso multimídia dedicado ao impressionismo « Visão Impressionista, Nascimento e Descendência ». Este percurso oferece todas as chaves para descobrir este movimento e os pintores que vieram a Auvers e ao Vale do Oise para se inspirar: Daubigny, Cézanne, Pissarro e Van Gogh. Um projeto cultural inovador e contemporâneo sobre o Impressionismo, em um castelo dos séculos XVII e XVIII.
Château d’Auvers - Orangerie Sud - rue François Mitterrand - 95430 Auvers-sur-Oise
www.chateau-auvers.fr
No centro da aldeia de Auvers-sur-Oise, o Château d´Auvers, é um lugar único, combinando patrimônio e experiência impressionista numa paisagem preservada. O Château d’Auvers foi construido em 1635 por um financista italiano no estilo das vilas renascentistas italianas. Ele construiu um ninfeu (edifício dedicado às ninfas, divindades associadas à água e à natureza) em mosaico de conchas inspirado na Antiguidade que é um dos raros exemplos que restam na França. A propriedade é rodeada por três tipos de jardins: o renascentista italiano, o jardim francês e o jardim inglês. O jardim renascentista desenvolve-se em socalcos horizontais que abrem amplas perspectivas sobre o vale do Oise, paisagem que inspirou muitos pintores impressionistas e pós-impressionistas. O domínio do Château tem duas oranjeiras: a oranjeira do norte, que abriga o ninfeu, e a oranjeira do sul, onde se realizam exposições temporárias. O Château d'Auvers também oferece um percurso multimídia dedicado ao impressionismo « Visão Impressionista, Nascimento e Descendência ». Este percurso oferece todas as chaves para descobrir este movimento e os pintores que vieram a Auvers e ao Vale do Oise para se inspirar: Daubigny, Cézanne, Pissarro e Van Gogh. Um projeto cultural inovador e contemporâneo sobre o Impressionismo, em um castelo dos séculos XVII e XVIII.
Château d’Auvers - Orangerie Sud - rue François Mitterrand - 95430 Auvers-sur-Oise
www.chateau-auvers.fr
Tony SOULIE
TONY SOULIE, Battre la mesure du ciel – exposição até 19 de Setembro de 2021
O Château d’Auvers apresenta uma seleção de pinturas do artista francês Tony Soulié, nascido em 1955. Tony Soulié, pintor, fotógrafo, poeta, percorre incansavelmente o mundo onde capta imagens e sinais os transcrevendo no seu estúdio parisiense. Nos anos 70 e 80, o artista surgiu no centro de um movimento chamado a nova abstração francesa, com obras que misturavam fotografia e pintura. Sua prática gestual é fortemente marcada por pintores americanos, tais como Jackson Pollock pelos gestos e Richard Rauschenberg pelos mundos sobrepostos. Tony Soulié sempre se coloca acima do espaço de trabalho, em um gesto ritualizado. Tema favorito do artista, as paisagens pintadas pelo artista são múltiplas e vão desde o Arizona até às imagens urbanas de Xangai e da Califórnia. A região francesa do Vexin também permanece, para ele, uma terra de inspiração. Soulié acredita que o artista é um facilitador, que precisa confiar numa espiritualidade e em sinais primários. Por isso ele tem trabalhado muito na África, onde as pessoas têm uma relação muito próxima com a terra. Fortemente influenciado pelos grandes horizontes americanos e do Novo México, próximo de uma natureza que permaneceu selvagem, Soulié também se interessa por civilizações antigas ou desaparecidas, pelas tribos ameríndias que têm uma relação muito forte com toda a cosmogonia. Soulié convoca esse universo cujos sinais ele se esforça por transcrever na sua obra. Com "Battre la mesure du ciel" (Bate a medida do céu) o artista exibe o que ele denomina flores rituais que curam a alma e oferece uma ode otimista ao impulso vital da natureza e da criação. Soulié questiona a pintura, entre figuração e abstração, e exalta a cor e a luz de uma forma viva e vibrante.
Château d’Auvers - Orangerie Sud - rue François Mitterrand - 95430 Auvers-sur-Oise
www.chateau-auvers.fr
O Château d’Auvers apresenta uma seleção de pinturas do artista francês Tony Soulié, nascido em 1955. Tony Soulié, pintor, fotógrafo, poeta, percorre incansavelmente o mundo onde capta imagens e sinais os transcrevendo no seu estúdio parisiense. Nos anos 70 e 80, o artista surgiu no centro de um movimento chamado a nova abstração francesa, com obras que misturavam fotografia e pintura. Sua prática gestual é fortemente marcada por pintores americanos, tais como Jackson Pollock pelos gestos e Richard Rauschenberg pelos mundos sobrepostos. Tony Soulié sempre se coloca acima do espaço de trabalho, em um gesto ritualizado. Tema favorito do artista, as paisagens pintadas pelo artista são múltiplas e vão desde o Arizona até às imagens urbanas de Xangai e da Califórnia. A região francesa do Vexin também permanece, para ele, uma terra de inspiração. Soulié acredita que o artista é um facilitador, que precisa confiar numa espiritualidade e em sinais primários. Por isso ele tem trabalhado muito na África, onde as pessoas têm uma relação muito próxima com a terra. Fortemente influenciado pelos grandes horizontes americanos e do Novo México, próximo de uma natureza que permaneceu selvagem, Soulié também se interessa por civilizações antigas ou desaparecidas, pelas tribos ameríndias que têm uma relação muito forte com toda a cosmogonia. Soulié convoca esse universo cujos sinais ele se esforça por transcrever na sua obra. Com "Battre la mesure du ciel" (Bate a medida do céu) o artista exibe o que ele denomina flores rituais que curam a alma e oferece uma ode otimista ao impulso vital da natureza e da criação. Soulié questiona a pintura, entre figuração e abstração, e exalta a cor e a luz de uma forma viva e vibrante.
Château d’Auvers - Orangerie Sud - rue François Mitterrand - 95430 Auvers-sur-Oise
www.chateau-auvers.fr
Michael Schmidt,
Sem título
Berlin-Kreuzberg.
Stadtbilder
[Berlin-Kreuzberg.
Vistas urbanas],
1981
MICHAEL SCHMIDT , uma outra fotografia alemã – exposição até 29 de Agosto de 2021
O fotógrafo Michael Schmidt (1945-2014) é considerado um dos principais pilares da arte alemã do século XX. Essa grande retrospectiva cronológica presta homenagem ao artista através de fotografias originais, obras inéditas, livros e um vasto arquivo que ilustra o desenvolvimento da sua obra ao longo de quase cinco décadas. Michael Schmidt escreveu uma parte da história da fotografia. Através do seu trabalho como fotógrafo e professor, ele continua sendo um modelo para toda uma geração de jovens fotógrafos. Fotógrafo autodidata nascido em Berlim, Schmidt dedicou grande parte de seu trabalho à sua cidade natal e, mais particularmente, a Berlim Ocidental. Os distritos de Kreuzberg e, mais particularmente, Wedding, foram seus campos favoritos. Retratado inicialmente em um estilo puramente documental, Schmidt gradualmente se afastou dessa linguagem visual tradicional para ousar, a partir da década de 1980, um olhar mais pessoal. Iniciada em meados da década de 1960, sua obra pode ser vista como um processo de busca de identidade artística, mas também como uma ilustração do desenvolvimento da fotografia artística na Alemanha do pós-guerra. No final da década de 1970, o cinza tornou-se o elemento cromático central na obra do fotógrafo alemão, que ele via como uma cor autônoma. A grande maioria de seus projetos fotográficos são acompanhados por um livro, um elemento ao qual o fotógrafo atribui particular importância e que é o resultado de um trabalho cuidadosamente pensado.
Jeu de Paume - 1, place de la Concorde, 75008 Paris
www.jeudepaume.org
O fotógrafo Michael Schmidt (1945-2014) é considerado um dos principais pilares da arte alemã do século XX. Essa grande retrospectiva cronológica presta homenagem ao artista através de fotografias originais, obras inéditas, livros e um vasto arquivo que ilustra o desenvolvimento da sua obra ao longo de quase cinco décadas. Michael Schmidt escreveu uma parte da história da fotografia. Através do seu trabalho como fotógrafo e professor, ele continua sendo um modelo para toda uma geração de jovens fotógrafos. Fotógrafo autodidata nascido em Berlim, Schmidt dedicou grande parte de seu trabalho à sua cidade natal e, mais particularmente, a Berlim Ocidental. Os distritos de Kreuzberg e, mais particularmente, Wedding, foram seus campos favoritos. Retratado inicialmente em um estilo puramente documental, Schmidt gradualmente se afastou dessa linguagem visual tradicional para ousar, a partir da década de 1980, um olhar mais pessoal. Iniciada em meados da década de 1960, sua obra pode ser vista como um processo de busca de identidade artística, mas também como uma ilustração do desenvolvimento da fotografia artística na Alemanha do pós-guerra. No final da década de 1970, o cinza tornou-se o elemento cromático central na obra do fotógrafo alemão, que ele via como uma cor autônoma. A grande maioria de seus projetos fotográficos são acompanhados por um livro, um elemento ao qual o fotógrafo atribui particular importância e que é o resultado de um trabalho cuidadosamente pensado.
Jeu de Paume - 1, place de la Concorde, 75008 Paris
www.jeudepaume.org
El Anatsui En quête de liberté, detalhe da instalação, 2020. El Anatsui © Eric Sander - CMN
EL ANATSUI, em busca da liberdade – exposição até 14 de Novembro de 2021
O artista ganeano El Anatsui imagina uma instalação poética criada sob as abóbadas seculares do monumento da Corciergerie, propícia à meditação sobre a passagem do tempo, em harmonia com a história do palácio da Cité, do seu ambiente e da sua arquitectura medieval. Local de poder e depois de confinamento, vestígio do palácio real medieval que se tornou prisão durante a Revolução, a Conciergerie evoca tanto a grandiosidade como a tragédia, o longo tempo, por vezes o esquecimento, e as memórias plurais de um passado que ainda é sensível. Imersa numa luz fraca, pontuada pelos pilares e abóbadas do monumento, esta instalação faz eco à história do mundo e a passagem do tempo através de cinco elementos da natureza: água, vento, madeira, metal e pedra. Dois rios, combinando têxteis e projeção de vídeo, uma homenagem aos dois braços do Sena que cercam a Ile de la Cité, correm através da Salle des Gens d'Armes em antigas travessas de ferrovias. O efeito do moviemnto é sugerido pelo caminho ininterrupto da água que reflete o céu e por uma projeção do ciclo diário do sol. Cinquenta pedras convidam os visitantes a sentar-se e meditar para se tornarem os elementos vivos desta instalação. Nas paredes e nas lareiras, seis esculturas metálicas com reflexos cintilantes, como cortinas feitas de tampinhas de garrafas de álcool e lâminas de latas de refrigerante, simbolizam as portas que se abrem para um campo infinito de possibilidades.
Conciergerie - 2, boulevard du Palais- 75001 Paris
www.paris-conciergerie.fr
O artista ganeano El Anatsui imagina uma instalação poética criada sob as abóbadas seculares do monumento da Corciergerie, propícia à meditação sobre a passagem do tempo, em harmonia com a história do palácio da Cité, do seu ambiente e da sua arquitectura medieval. Local de poder e depois de confinamento, vestígio do palácio real medieval que se tornou prisão durante a Revolução, a Conciergerie evoca tanto a grandiosidade como a tragédia, o longo tempo, por vezes o esquecimento, e as memórias plurais de um passado que ainda é sensível. Imersa numa luz fraca, pontuada pelos pilares e abóbadas do monumento, esta instalação faz eco à história do mundo e a passagem do tempo através de cinco elementos da natureza: água, vento, madeira, metal e pedra. Dois rios, combinando têxteis e projeção de vídeo, uma homenagem aos dois braços do Sena que cercam a Ile de la Cité, correm através da Salle des Gens d'Armes em antigas travessas de ferrovias. O efeito do moviemnto é sugerido pelo caminho ininterrupto da água que reflete o céu e por uma projeção do ciclo diário do sol. Cinquenta pedras convidam os visitantes a sentar-se e meditar para se tornarem os elementos vivos desta instalação. Nas paredes e nas lareiras, seis esculturas metálicas com reflexos cintilantes, como cortinas feitas de tampinhas de garrafas de álcool e lâminas de latas de refrigerante, simbolizam as portas que se abrem para um campo infinito de possibilidades.
Conciergerie - 2, boulevard du Palais- 75001 Paris
www.paris-conciergerie.fr
Exposição Blooming © Ballade Studio
BLOOMING – exposição de 3 de Junho a 15 de Novembro de 2021 na cidade de Reims
A exposição de arte Blooming, florescência, o desabrochar, celebra a renovação após a pandemia e também a abertura de um novo espaço dedicado à pintura, ao desenho e fotografia figurativa, o Cellier Pompadour do Dominio do Champagne Pommery. O desabrochar da vida e da natureza tem inspirado muito os artistas ao longo dos séculos. Blooming apresenta mais de sessenta artistas do passado e contemporâneos que magnificam o desabrochar e sublimam as flores e a natureza. A exposição é um diálogo entre grandes artistas do Museu de Belas Artes de Reims, fechado para reforma, e artistas contemporâneos ligados ao Domaine Pommery. Desde o século 17 ou 18, os pintores de flores da Holanda eram verdadeiros especialistas no gênero. Longe da realidade, essas pinturas foram objeto de encenação nascida da imaginação dos artistas. Essas composições revelaram o lado efêmero da vida, a natureza transitória da existência. No século XIX, as flores continuaram presentes na arte. No último quartel do século XIX desenvolveu-se a representação de jardins, jardins de recreio e também hortas. As pinturas de Camille Corot, Gauguin, Fantin-Latour, Jacques-Emile Blanche ilustram com frescor e deleite a natureza. Ao lado é apresentada uma visão contemporânea do tema das flores e da primavera com as criações dos artistas, Laurent Pernot, as cerâmicas de Stephen Wilks, Jean-François Fourtou, Jean-Pierre Formica, Barthélémy Toguo, Raphaëlle Peria, Mathilde de l’Ecotais entre outros. Dando prosseguimento a esta maravilhosa exposição, visite as maiores (18km) e mais profundas (30m) caves de Champagne, onde todos os ano acontecem no subsolo, exposições de Arte Contemporânea a “Expérience Pommery #".
Domaine Pommery - 5, place Général Gouraud, 51100 Reims
A exposição de arte Blooming, florescência, o desabrochar, celebra a renovação após a pandemia e também a abertura de um novo espaço dedicado à pintura, ao desenho e fotografia figurativa, o Cellier Pompadour do Dominio do Champagne Pommery. O desabrochar da vida e da natureza tem inspirado muito os artistas ao longo dos séculos. Blooming apresenta mais de sessenta artistas do passado e contemporâneos que magnificam o desabrochar e sublimam as flores e a natureza. A exposição é um diálogo entre grandes artistas do Museu de Belas Artes de Reims, fechado para reforma, e artistas contemporâneos ligados ao Domaine Pommery. Desde o século 17 ou 18, os pintores de flores da Holanda eram verdadeiros especialistas no gênero. Longe da realidade, essas pinturas foram objeto de encenação nascida da imaginação dos artistas. Essas composições revelaram o lado efêmero da vida, a natureza transitória da existência. No século XIX, as flores continuaram presentes na arte. No último quartel do século XIX desenvolveu-se a representação de jardins, jardins de recreio e também hortas. As pinturas de Camille Corot, Gauguin, Fantin-Latour, Jacques-Emile Blanche ilustram com frescor e deleite a natureza. Ao lado é apresentada uma visão contemporânea do tema das flores e da primavera com as criações dos artistas, Laurent Pernot, as cerâmicas de Stephen Wilks, Jean-François Fourtou, Jean-Pierre Formica, Barthélémy Toguo, Raphaëlle Peria, Mathilde de l’Ecotais entre outros. Dando prosseguimento a esta maravilhosa exposição, visite as maiores (18km) e mais profundas (30m) caves de Champagne, onde todos os ano acontecem no subsolo, exposições de Arte Contemporânea a “Expérience Pommery #".
Domaine Pommery - 5, place Général Gouraud, 51100 Reims
Peder Severin Krøyer,
Rosas,
1893
oleo sobre tela
67,5 x 76,5 cm
Skagen, Skagen Kunstmuseer
© Art Museums of Skagen
L’HEURE BLEUE de Peter Severin KRØYER – exposição até 26 de Setembro de 2021
Pela primeira vez é apresentada na França, a primeira exposição monográfica de um dos grandes mestres da pintura dinamarquesa, Peder Severin Krøyer (1851-1909). Krøyer ocupou um lugar de destaque na arte de seu tempo. Pintor prolífico, excelente desenhista, mas também fotógrafo, ele lançou um olhar humanista e benevolente sobre o que o rodeava. Um olhar, entre outras coisas, centrado no mundo do trabalho, o dos pescadores, os seus familiares e os seus colegas reunidos desde a última década do século XIX em Skagen, este fim do mundo situado no final da península da Jutlândia. Foi nesta aldeia, onde as águas do Báltico se encontram com as do Mar do Norte, onde no verão surge uma luz muito especial na hora do crepúsculo nórdico, que ele foi seduzido por esta "hora azul" cujo brilho e poesia ele nos mostra. Esta tendência à luz e ao ar livre não faz de Krøyer um pintor impressionista. Formado na Academia de Belas Artes de Copenhague e no estúdio de Léon Bonnat em Paris, Krøyer teve uma distinta carreira oficial entre as duas capitais. Sua arte, longe da audácia impressionista, está na linha naturalista. Ele foi inspirado pelo movimento naturalista romântico que se alimenta da ideia de que a natureza está investida de uma força divina e que tudo emana dessa força. A exposição apresenta mais de sessenta obras-primas do Museu Skagen - o repositório de uma das primeiras coleções mundiais do artista – bem como de outros museus da Dinamarca, Suécia, Hungria e Alemanha que honram este notável intérprete da hora azul, fenômeno meteorológico que antecede o crepúsculo e se desenvolve sobretudo nas longínquas praias do norte.
Musée Marmottan Monet - 2, rue Louis-Boilly 75016 Paris
www.marmottan.fr
Pela primeira vez é apresentada na França, a primeira exposição monográfica de um dos grandes mestres da pintura dinamarquesa, Peder Severin Krøyer (1851-1909). Krøyer ocupou um lugar de destaque na arte de seu tempo. Pintor prolífico, excelente desenhista, mas também fotógrafo, ele lançou um olhar humanista e benevolente sobre o que o rodeava. Um olhar, entre outras coisas, centrado no mundo do trabalho, o dos pescadores, os seus familiares e os seus colegas reunidos desde a última década do século XIX em Skagen, este fim do mundo situado no final da península da Jutlândia. Foi nesta aldeia, onde as águas do Báltico se encontram com as do Mar do Norte, onde no verão surge uma luz muito especial na hora do crepúsculo nórdico, que ele foi seduzido por esta "hora azul" cujo brilho e poesia ele nos mostra. Esta tendência à luz e ao ar livre não faz de Krøyer um pintor impressionista. Formado na Academia de Belas Artes de Copenhague e no estúdio de Léon Bonnat em Paris, Krøyer teve uma distinta carreira oficial entre as duas capitais. Sua arte, longe da audácia impressionista, está na linha naturalista. Ele foi inspirado pelo movimento naturalista romântico que se alimenta da ideia de que a natureza está investida de uma força divina e que tudo emana dessa força. A exposição apresenta mais de sessenta obras-primas do Museu Skagen - o repositório de uma das primeiras coleções mundiais do artista – bem como de outros museus da Dinamarca, Suécia, Hungria e Alemanha que honram este notável intérprete da hora azul, fenômeno meteorológico que antecede o crepúsculo e se desenvolve sobretudo nas longínquas praias do norte.
Musée Marmottan Monet - 2, rue Louis-Boilly 75016 Paris
www.marmottan.fr
Aristide Maillol, A Onda, gravura sobre madeira, 1895-1898,
Petit Palais, don Indivision Petiet 2020
© Paris Musées / Petit Palais
ÉDITION LIMITÉE - Vollard, Petiet et l’estampe de maîtres – exposição até 29 de Agosto de 2021
A carreira de Ambroise Vollard (1866-1939) como negociante de arte fez dele uma figura essencial no comércio de arte na viragem dos séculos XIX e XX, entre Paul Durand-Ruel e Daniel-Henry Kahnweiler. Ele promoveu numerosos artistas então desconhecidos, incluindo Cézanne, Maillol, Renoir, Picasso, Gauguin. Ele também foi um ávido colecionador e editor de arte. Além de suas atividades como negociante de pintura, ele se lançou em 1894 na publicação de gravuras. A exposição Edição Limitada explora o trabalho do icônico negociante de arte como editor de gravuras e livros ilustrados. Vollard trabalhou com os maiores artistas de seu tempo: Picasso, Bonnard, Cassatt, Chagall, Maillol, Redon, Rouault e muitos outros. Apaixonado por publicações, ele investiu a maior parte de sua fortuna na venda de quadros dos mestres modernos e elevou esta atividade a um nível nunca antes visto. Em 1939, ele morreu subitamente em um acidente de carro. Henri Marie Petiet (1894-1980), que comprava de Vollard desde os anos 1920, comprou a maior parte de seu estoque de gravuras. Ele se estabeleceu imediatamente como seu sucessor como revendedor de gravuras, mas também como um passeur da modernidade francesa no exterior, particularmente nos Estados Unidos. O Petit Palais apresenta nessa exposição uma excepcional coleção de estampas, livros ilustrados e objetos editoriais (bronzes e cerâmica).
Petit Palais - Avenue Winston Churchill, 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr
DALI, L’ENIGME SANS FIN
Atelier des Lumières 2021
Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2021 / © Adagp, Paris, 2021
Foto : Eric Spiller photographies / Culturespaces
DALI, L’ÉNIGME SANS FIN – exposição até 2 de Janeiro de 2022
O Atelier des Lumières apresenta a exposiço imersiva Dali, o enigma sem fim. Esta criação aborda as diferentes facetas do artista catalão: desde a sua pesquisa inicial impressionista e cubista até às suas obras místicas com temas religiosos, incluindo o seu período surrealista e a sua relação com o palco, a fotografia e o cinema. O visitante descobre, sob um novo ângulo, os efeitos óticos e as evocações oníricas que o pintor utiliza para a criação artística. Suas obras, com múltiplos níveis de leitura, iluminam o salão do Atelier des Lumières. Implantadas e animadas no chão e nas paredes até dez metros de altura, elas revelam os detalhes das pinceladas, as linhas e a interação dos materiais. Por cerca de quarenta minutos, a exposição espelha os pensamento do pintor em uma atmosfera quase hipnótica. Toda a exposição digital é pontuada pela música de Pink Floyd. Constantemente experimentando e rejeitando qualquer mecanismo racional, esses dois ícones da pintura e da música compartilham uma imaginação visual surpreendente onde visões obsessivas e virtuosismo técnico se misturam. As cores profundas, as formas esticadas e volumosas das telas de Dalí são delineadas nas paredes ao som de títulos de álbuns míticos do grupo fazendo o visitante mergulhar em um universo flutuante, pacífico ou perturbador.
Atelier des Lumières - 8 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
O Atelier des Lumières apresenta a exposiço imersiva Dali, o enigma sem fim. Esta criação aborda as diferentes facetas do artista catalão: desde a sua pesquisa inicial impressionista e cubista até às suas obras místicas com temas religiosos, incluindo o seu período surrealista e a sua relação com o palco, a fotografia e o cinema. O visitante descobre, sob um novo ângulo, os efeitos óticos e as evocações oníricas que o pintor utiliza para a criação artística. Suas obras, com múltiplos níveis de leitura, iluminam o salão do Atelier des Lumières. Implantadas e animadas no chão e nas paredes até dez metros de altura, elas revelam os detalhes das pinceladas, as linhas e a interação dos materiais. Por cerca de quarenta minutos, a exposição espelha os pensamento do pintor em uma atmosfera quase hipnótica. Toda a exposição digital é pontuada pela música de Pink Floyd. Constantemente experimentando e rejeitando qualquer mecanismo racional, esses dois ícones da pintura e da música compartilham uma imaginação visual surpreendente onde visões obsessivas e virtuosismo técnico se misturam. As cores profundas, as formas esticadas e volumosas das telas de Dalí são delineadas nas paredes ao som de títulos de álbuns míticos do grupo fazendo o visitante mergulhar em um universo flutuante, pacífico ou perturbador.
Atelier des Lumières - 8 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Henry Moret, Temps calme à Pern, Ouessant, 1892, oleo sobre tela, coleção particular, foto Archives Durand-Ruel ©Durand-Ruel & Cie
PAUL DURAND-RUEL ET LE POST-IMPRESSIONNISME – exposição de 19 de Maio a 24 de Outubro de 2021
Paul Durand-Ruel (1831- 1922), galerista francês, dedicou sua vida a defender os pintores de vanguarda, apesar da violenta oposição dos círculos oficiais e da incompreensão do público. Por mais de vinte anos, com fé inabalável, ele ganhou o reconhecimento pela Escola de 1830 (conhecida como Escola Barbizon). A partir de 1870 apoiará e fará com que a escola impressionista seja admitida, ficando conhecido como o galerista dos impressionistas. Geralmente não se sabe que ele deu o mesmo apoio inabalável a cinco pintores da geração pós-impressionista (Moret, Maufra, Loiseau, G. d'Espagnat e André) que estavam vinculados à sua galeria por um contrato moral de exclusividade. Esta falta de conhecimento se deve em parte ao fato de que ele não viveu o suficiente para garantir seu sucesso. A exposição destacará a proximidade estilística desses pintores da terceira geração Durand-Ruel. Três deles , Henry Moret, Maxime Maufra e Gustave Loiseau , são pintores paisagistas e marinistas, que seguem os passos do impressionismo ao mesmo tempo que fizeram mudanças significativas. Henry Moret e Maxime Maufra, em particular, participaram da aventura de Pont-Aven no final da década de 1880, ao lado de Paul Gauguin e o grupo de sintetistas. Os outros dois - Georges d´Espagnat e Albert André - rompem mais com a estética impressionista, preferindo cenas de gênero e pinturas decorativas à paisagem. O objetivo da exposição é tornar estes artistas conhecidos, apresentando pinturas raramente expostas, mas revelando a grande arte destes pintores.
Propriété Caillebotte - 8 rue de Concy - 91330 Yerres
proprietecaillebotte.com
Paul Durand-Ruel (1831- 1922), galerista francês, dedicou sua vida a defender os pintores de vanguarda, apesar da violenta oposição dos círculos oficiais e da incompreensão do público. Por mais de vinte anos, com fé inabalável, ele ganhou o reconhecimento pela Escola de 1830 (conhecida como Escola Barbizon). A partir de 1870 apoiará e fará com que a escola impressionista seja admitida, ficando conhecido como o galerista dos impressionistas. Geralmente não se sabe que ele deu o mesmo apoio inabalável a cinco pintores da geração pós-impressionista (Moret, Maufra, Loiseau, G. d'Espagnat e André) que estavam vinculados à sua galeria por um contrato moral de exclusividade. Esta falta de conhecimento se deve em parte ao fato de que ele não viveu o suficiente para garantir seu sucesso. A exposição destacará a proximidade estilística desses pintores da terceira geração Durand-Ruel. Três deles , Henry Moret, Maxime Maufra e Gustave Loiseau , são pintores paisagistas e marinistas, que seguem os passos do impressionismo ao mesmo tempo que fizeram mudanças significativas. Henry Moret e Maxime Maufra, em particular, participaram da aventura de Pont-Aven no final da década de 1880, ao lado de Paul Gauguin e o grupo de sintetistas. Os outros dois - Georges d´Espagnat e Albert André - rompem mais com a estética impressionista, preferindo cenas de gênero e pinturas decorativas à paisagem. O objetivo da exposição é tornar estes artistas conhecidos, apresentando pinturas raramente expostas, mas revelando a grande arte destes pintores.
Propriété Caillebotte - 8 rue de Concy - 91330 Yerres
proprietecaillebotte.com
Michel François, Menina em Havana, 1996
Cartaz, Coleção Frac Île-de-France
© Michel François / Adagp, Paris, 2021
CHILDREN POWER - exposição em três partes e três lugares diferentes de Maio a 21 de Dezembro de 2021
A exposição Children Power aborda o tema da infância seguindo a tendência de releitura das chamadas pedagogias alternativas que revelou um maior interesse pela educação e, portanto, pela infância. A exposição é apresentada em três lugares. No Le Plateau a exposição é dedicada somente às crianças. Adultos com mais de 18 anos não terão acesso à exposição, a menos que estejam acompanhando alguma criança. Para a ocasião, quinze artistas foram convidados a produzir novas obras com base neste contexto particular. No Château de Rentilly a exposição é sobre a infância. O objetivo foi de examinar a forma como os artistas têm sido capazes de representar a infância e a adolescência através de imagens fotográficas ou videográficas. As Reservas do Frac (fundo regional de arte contemporânea) em Romainville apresentam obras selecionadas pelas crianças de duas turmas de uma escola. A seleção que fizeram, de forma totalmente desinibida e característica da infância, reúne de uma forma inédita um conjunto de obras de todos os meios combinados. Cada um dos três componentes do projeto , três pontos de vista distintos ao invés de apenas um em relação a este assunto que é, portanto, também vasto e complexo , é concebido com a ambição de derrubar certas convenções estabelecidas nessa área.
frac île-de-france, les réserves, Romainville, 43 rue de la Commune de Paris, 93230 Romainville www.fraciledefrance.com
Le Château Rentilly / Domaine de Rentilly, 1 rue de l’Étang, 77600 Bussy-Saint-Martin fraciledefrance.com / parcculturelrentilly.fr
Le Plateau, Paris, 22 rue des Alouettes, 75019 Paris www.fraciledefrance.com
A exposição Children Power aborda o tema da infância seguindo a tendência de releitura das chamadas pedagogias alternativas que revelou um maior interesse pela educação e, portanto, pela infância. A exposição é apresentada em três lugares. No Le Plateau a exposição é dedicada somente às crianças. Adultos com mais de 18 anos não terão acesso à exposição, a menos que estejam acompanhando alguma criança. Para a ocasião, quinze artistas foram convidados a produzir novas obras com base neste contexto particular. No Château de Rentilly a exposição é sobre a infância. O objetivo foi de examinar a forma como os artistas têm sido capazes de representar a infância e a adolescência através de imagens fotográficas ou videográficas. As Reservas do Frac (fundo regional de arte contemporânea) em Romainville apresentam obras selecionadas pelas crianças de duas turmas de uma escola. A seleção que fizeram, de forma totalmente desinibida e característica da infância, reúne de uma forma inédita um conjunto de obras de todos os meios combinados. Cada um dos três componentes do projeto , três pontos de vista distintos ao invés de apenas um em relação a este assunto que é, portanto, também vasto e complexo , é concebido com a ambição de derrubar certas convenções estabelecidas nessa área.
frac île-de-france, les réserves, Romainville, 43 rue de la Commune de Paris, 93230 Romainville www.fraciledefrance.com
Le Château Rentilly / Domaine de Rentilly, 1 rue de l’Étang, 77600 Bussy-Saint-Martin fraciledefrance.com / parcculturelrentilly.fr
Le Plateau, Paris, 22 rue des Alouettes, 75019 Paris www.fraciledefrance.com
Bords de Marne, les canotiers, em torno de 1925
óleo sobre tela, dim. 59,5 cm x 72,5 cm
Paris, Musée d’art Moderne de Paris,
legado do Doutor Maurice Girardin, 1953
© Adagp, Paris 2021
LE PARIS DE DUFY - exposição até Setembro de 2021
O artista francês Raoul Dufy (1877-1953) foi pintor, designer, gravador, ilustrador de livros, ceramista, criador de tecidos, tapeçarias e mobiliário, decorador de interiores, espaços públicos e teatro francês. A exposição O Paris de Dufy, que apresenta o Musée de Montmartre, tem como objetivo mostrar e estudar a escolha do tema de Paris como motivo da obra do artista: um tema que nunca foi tratado até hoje. Dufy teve dois endereços em Montmartre: rue Cortot 12, em 1901, onde atualmente se encontra o Museu de Montmartre, e o segundo de 1911 a 1950, no 5, impasse de Guelma, perto da Place Pigalle, local onde nasceram muitas obras-primas, algumas das quais estão incluídas na exposição, e que foi a base do pintor ao longo da sua vida. Se no principio Dufy foi influenciado pelo impressionismo, pelo fauvismo e por Cézanne, ele percebe que, para os olhos, as cores não pertencem necessariamente a uma coisa. Elas têm vida própria, transbordam dos objetos e isso principalmente na experiência da percepção do movimento. A partir de 1919, a sua pintura adquiri um novo dinamismo, concentrando-se em três áreas: fluidez, cor e movimento. A originalidade do verdadeiro estilo Dufy, que o artista estabeleceu e ao qual permanecera fiel, reside na dissociação da forma e da cor, o que um crítico chamou de "poças de cores justapostas". A dissociação entre cor e desenho às vezes é tamanha que Dufy costuma instalar objetos reduzidos a um contorno em três ou quatro grandes áreas coloridas. A exposição segue os passos do jovem artista que descobre a capital do início do século XX e, do topo do morro de Montmartre, o panorama parisiense cuja paisagem repleta de monumentos se tornaria uma fonte infinita de inspiração. Os monumentos da capital lhe inspirarão na produção de uma série de tapeçarias utilizadas para estofamento de assentos, tela e serão executadas pela manufatura nacional de Beauvais. É de fato uma Paris vista de cima, e seus monumentos vistos de frente, que perpassam toda a obra de Dufy, em qualquer meio que ele os inscreva.
Musée de Montmartre Jardins Renoir - 12 rue Cortot – 75018 Paris
www.museedemontmartre.fr
O artista francês Raoul Dufy (1877-1953) foi pintor, designer, gravador, ilustrador de livros, ceramista, criador de tecidos, tapeçarias e mobiliário, decorador de interiores, espaços públicos e teatro francês. A exposição O Paris de Dufy, que apresenta o Musée de Montmartre, tem como objetivo mostrar e estudar a escolha do tema de Paris como motivo da obra do artista: um tema que nunca foi tratado até hoje. Dufy teve dois endereços em Montmartre: rue Cortot 12, em 1901, onde atualmente se encontra o Museu de Montmartre, e o segundo de 1911 a 1950, no 5, impasse de Guelma, perto da Place Pigalle, local onde nasceram muitas obras-primas, algumas das quais estão incluídas na exposição, e que foi a base do pintor ao longo da sua vida. Se no principio Dufy foi influenciado pelo impressionismo, pelo fauvismo e por Cézanne, ele percebe que, para os olhos, as cores não pertencem necessariamente a uma coisa. Elas têm vida própria, transbordam dos objetos e isso principalmente na experiência da percepção do movimento. A partir de 1919, a sua pintura adquiri um novo dinamismo, concentrando-se em três áreas: fluidez, cor e movimento. A originalidade do verdadeiro estilo Dufy, que o artista estabeleceu e ao qual permanecera fiel, reside na dissociação da forma e da cor, o que um crítico chamou de "poças de cores justapostas". A dissociação entre cor e desenho às vezes é tamanha que Dufy costuma instalar objetos reduzidos a um contorno em três ou quatro grandes áreas coloridas. A exposição segue os passos do jovem artista que descobre a capital do início do século XX e, do topo do morro de Montmartre, o panorama parisiense cuja paisagem repleta de monumentos se tornaria uma fonte infinita de inspiração. Os monumentos da capital lhe inspirarão na produção de uma série de tapeçarias utilizadas para estofamento de assentos, tela e serão executadas pela manufatura nacional de Beauvais. É de fato uma Paris vista de cima, e seus monumentos vistos de frente, que perpassam toda a obra de Dufy, em qualquer meio que ele os inscreva.
Musée de Montmartre Jardins Renoir - 12 rue Cortot – 75018 Paris
www.museedemontmartre.fr
Cartaz da exposição Mémoire de glace
MÉMOIRE DE GLACE – exposição de 8 de Maio a 7 de Novembro de 2021 na cidade de Nemours
Devido ao aquecimento global dos últimos trinta anos, vestígios arqueológicos são regularmente descobertos em geleiras alpinas, a uma altitude de mais de 2.500 m. A missão da "arqueologia glacial" é coletar, preservar e estudar esses vestígios muito especiais, mantidos congelados por décadas, séculos ou até mesmo milênios. A exposição "Memória do Gelo" apresenta 150 objetos pré-históricos e históricos libertados pelo degelo das geleiras alpinas. Através destes vestígios ela lança luz sobre as razões que levaram o homem a frequentar grandes altitudes, seja para se deslocar de um vale para outro ou para explorar os recursos naturais aí encontrados.
Quatro temas são desenvolvidos de forma mais particular durante esta exposição com o objetivo de levar o visitante nos passos destes homens em busca de recursos e equipamentos de qualidade para as montanhas, circulando entre desfiladeiros e vales e colocando-se sob boa proteção.A exposição determina por um apelo à participação do cidadão na recolha e salvaguarda do patrimônio arqueológico glacial.
Musée départemental de Préhistoire d’Île-de-France - 48 avenue Étienne Dailly - 77140 Nemours
www.musee-prehistoire-idf.fr
Devido ao aquecimento global dos últimos trinta anos, vestígios arqueológicos são regularmente descobertos em geleiras alpinas, a uma altitude de mais de 2.500 m. A missão da "arqueologia glacial" é coletar, preservar e estudar esses vestígios muito especiais, mantidos congelados por décadas, séculos ou até mesmo milênios. A exposição "Memória do Gelo" apresenta 150 objetos pré-históricos e históricos libertados pelo degelo das geleiras alpinas. Através destes vestígios ela lança luz sobre as razões que levaram o homem a frequentar grandes altitudes, seja para se deslocar de um vale para outro ou para explorar os recursos naturais aí encontrados.
Quatro temas são desenvolvidos de forma mais particular durante esta exposição com o objetivo de levar o visitante nos passos destes homens em busca de recursos e equipamentos de qualidade para as montanhas, circulando entre desfiladeiros e vales e colocando-se sob boa proteção.A exposição determina por um apelo à participação do cidadão na recolha e salvaguarda do patrimônio arqueológico glacial.
Musée départemental de Préhistoire d’Île-de-France - 48 avenue Étienne Dailly - 77140 Nemours
www.musee-prehistoire-idf.fr
Cartaz da exposição
DES IMAGES ET DES HOMMES, BAMIYAN 20 ANS APRES - Exposição de 24 de Fevereiro a 18 Outubro de 2021
Em 11 de Março de 2001, os Talibãs que tinham tomado o poder no Afeganistão organizaram a destruição de dois Budas monumentais, com 38 e 55 metros de altura, esculpidos nas rochas dos altos penhascos de Bamiyan. Obras de valor universal testemunhas da extraordinária vitalidade da arte budista deste vale, situado na Rota da Seda e aberto a todas as influências, indiana, grega e romana. As imagens da destruição foram transmitidas pelos Talibãs ao mundo inteiro, seis meses antes da destruição das torres gêmeas do World Trade Center em Nova York. Estes dois eventos marcaram a nossa entrada no século XXI, e o ataque à memória da humanidade, ao seu patrimônio e à memória em que está enraizada, foi desde então reconhecido como um crime contra a humanidade. Vinte anos depois, o Museu Nacional de Artes Asiáticas - Guimet decidiu comemorar a destruição do sítio de Bamiyan através de uma exposição que apresenta as principais obras arqueológicas encontradas neste penhasco afegão. Fotografias do artista visual Pascal Convert revelam a riqueza desse patrimônio de uma forma contemporânea. A exposição homenageia Joseph e Ria Hackin, arqueólogos de Bamiyan e curadores do museu, mortos há 80 anos.
Musée national des arts asiatiques – Guimet - 6, place d’Iéna 75116 Paris
Em 11 de Março de 2001, os Talibãs que tinham tomado o poder no Afeganistão organizaram a destruição de dois Budas monumentais, com 38 e 55 metros de altura, esculpidos nas rochas dos altos penhascos de Bamiyan. Obras de valor universal testemunhas da extraordinária vitalidade da arte budista deste vale, situado na Rota da Seda e aberto a todas as influências, indiana, grega e romana. As imagens da destruição foram transmitidas pelos Talibãs ao mundo inteiro, seis meses antes da destruição das torres gêmeas do World Trade Center em Nova York. Estes dois eventos marcaram a nossa entrada no século XXI, e o ataque à memória da humanidade, ao seu patrimônio e à memória em que está enraizada, foi desde então reconhecido como um crime contra a humanidade. Vinte anos depois, o Museu Nacional de Artes Asiáticas - Guimet decidiu comemorar a destruição do sítio de Bamiyan através de uma exposição que apresenta as principais obras arqueológicas encontradas neste penhasco afegão. Fotografias do artista visual Pascal Convert revelam a riqueza desse patrimônio de uma forma contemporânea. A exposição homenageia Joseph e Ria Hackin, arqueólogos de Bamiyan e curadores do museu, mortos há 80 anos.
Musée national des arts asiatiques – Guimet - 6, place d’Iéna 75116 Paris
Cécile Hartmann, Le Serpent Noir # 3 (Sacred Stones, Dakota do Sul), 2020 Imagem do filme Le Serpent Noir 42 ', cor, som sem diálogo, música original composta por Térence Meunier Production Fondation des Artistes/Cécile Hartmann Studio, cortesia da artista
CECILE HARTMANN, LE SERPENT NOIR – exposição até 26 de Setembro de 2021
Segundo uma antiga profecia nativa americana: "Uma serpente negra virá que enfeitiçará os homens e devorará a terra". Inspirada nesta metáfora, a artista plástica Cécile Hartmann decidiu filmar a trajetória do oleoduto Keystone, um oleoduto gigante que transporta mais de 700.000 barris de petróleo por dia de Alberta a Illinois, contaminando em sua passagem as reservas de água potável e os cemitérios ancestrais dos índios norte-americanos. Acostumada a estudar um mundo contemporâneo em perpétua metamorfose, a artista combina estética minimalista e engajamento político ao se concentrar em locais de tensão. Depois de filmar os prédios de Dubai e a reconstrução de Hiroshima, Hartmann sai em busca de imagens que testemunhem os ciclos de destruição e criação que atravessam arquiteturas e paisagens. Com o filme The Black Serpent (2020), ela mistura fotografias, esculturas, pinturas de parede e serigrafias para lembrar as muitas lutas do povo Sioux para proteger suas terras. O documentário revela paisagens fragmentadas e esgotadas, como os vestígios de eventos latentes que reaparecem na superfície. Entrelaçando vários espaços e temporalidades, vários arquivos e projeções mentais, as obras textuais, cinematográficas e sonoras apresentadas na exposição tornam-se verdadeiras testemunhas desta violência silenciada. Visões panorâmicas de paisagens naturais mergulham subitamente em imagens tiradas o mais próximo possível do solo, revelando diferentes camadas de argila como as múltiplas camadas da memória. Através da sua obra proteiforme, Cécile Hartmann quer ser tanto arqueóloga de um presente devastado quanto profeta de um renascimento iminente, e assim nos convida a pensar nas tensões geopolíticas e ecológicas de um lugar mergulhado na história.
MABA – Fondation des Artistes - 16 rue Charles VII, 94130 Nogent-sur-Marne
Segundo uma antiga profecia nativa americana: "Uma serpente negra virá que enfeitiçará os homens e devorará a terra". Inspirada nesta metáfora, a artista plástica Cécile Hartmann decidiu filmar a trajetória do oleoduto Keystone, um oleoduto gigante que transporta mais de 700.000 barris de petróleo por dia de Alberta a Illinois, contaminando em sua passagem as reservas de água potável e os cemitérios ancestrais dos índios norte-americanos. Acostumada a estudar um mundo contemporâneo em perpétua metamorfose, a artista combina estética minimalista e engajamento político ao se concentrar em locais de tensão. Depois de filmar os prédios de Dubai e a reconstrução de Hiroshima, Hartmann sai em busca de imagens que testemunhem os ciclos de destruição e criação que atravessam arquiteturas e paisagens. Com o filme The Black Serpent (2020), ela mistura fotografias, esculturas, pinturas de parede e serigrafias para lembrar as muitas lutas do povo Sioux para proteger suas terras. O documentário revela paisagens fragmentadas e esgotadas, como os vestígios de eventos latentes que reaparecem na superfície. Entrelaçando vários espaços e temporalidades, vários arquivos e projeções mentais, as obras textuais, cinematográficas e sonoras apresentadas na exposição tornam-se verdadeiras testemunhas desta violência silenciada. Visões panorâmicas de paisagens naturais mergulham subitamente em imagens tiradas o mais próximo possível do solo, revelando diferentes camadas de argila como as múltiplas camadas da memória. Através da sua obra proteiforme, Cécile Hartmann quer ser tanto arqueóloga de um presente devastado quanto profeta de um renascimento iminente, e assim nos convida a pensar nas tensões geopolíticas e ecológicas de um lugar mergulhado na história.
MABA – Fondation des Artistes - 16 rue Charles VII, 94130 Nogent-sur-Marne
Bule Berinjela
Manufacture nationale de Sèvres
Adrian Saxe (nascido em 1943)
1981
©Paris RMN- Grand Palais (SèvresManufacture et Musée nationaux/
Stéphane Maréchalle)
A TABLE! Le repas, tout un art - exposição de 18 de Novembro de 2020 a 24 Octobre de 2021
A exposição "À Mesa! A refeição, uma verdadeira arte" traça a fascinante história da refeição gastronômica dos franceses, desde a Antiguidade até os dias atuais e celebra o 10º aniversário da classificação da refeição gastronômica francesa pela UNESCO e o 280º aniversário da Manufacture de Sèvres, um importante centro de criação e patrimônio. Aos olhos de todo o mundo, a França simboliza o país onde os habitantes adoram se reunir ao longo da vida em torno de mesas bem postas para praticar a arte da conversação e da boa comida. Esta estetização da refeição não diz respeito apenas às classes mais ricas ou aos restaurantes estrelados, mas faz parte de uma verdadeira art de vivre francesa. A exposição "À Table! Le repas, tout un art ”se propõe a refazer a história desta prática para mostrar como a opulência e a elegância dos jantares da realeza se difundiram e transmitiram até os nossos dias, a ponto de constituir um ideal de felicidade e um importante rito social do país. Venha descobrir como surgiram alguns pratos emblemáticos da gastronomia francesa e como evoluíram os modos à mesa. Do prato aos talheres, a diversidade dos utensílios vai lhe contar a história às vezes surpreendente de práticas alimentares e estilos de vida.
A exposição mostra a evolução de uma prática partilhada por todos. Através desta exposição, Sèvres - Manufacture et Musée nationaux celebra a convivialidade, partilha e transmissão. Em torno do tema unificador da gastronomia, a exposição dirige-se ao público mais vasto possível: famílias, jovens, bem como amantes e conhecedores da gastronomia, história e artes da mesa.
Sèvres – Manufacture et Musée Nationaux - 2, place de la Manufacture 92310 Sèvres
www.sevresciteceramique.fr
A exposição "À Mesa! A refeição, uma verdadeira arte" traça a fascinante história da refeição gastronômica dos franceses, desde a Antiguidade até os dias atuais e celebra o 10º aniversário da classificação da refeição gastronômica francesa pela UNESCO e o 280º aniversário da Manufacture de Sèvres, um importante centro de criação e patrimônio. Aos olhos de todo o mundo, a França simboliza o país onde os habitantes adoram se reunir ao longo da vida em torno de mesas bem postas para praticar a arte da conversação e da boa comida. Esta estetização da refeição não diz respeito apenas às classes mais ricas ou aos restaurantes estrelados, mas faz parte de uma verdadeira art de vivre francesa. A exposição "À Table! Le repas, tout un art ”se propõe a refazer a história desta prática para mostrar como a opulência e a elegância dos jantares da realeza se difundiram e transmitiram até os nossos dias, a ponto de constituir um ideal de felicidade e um importante rito social do país. Venha descobrir como surgiram alguns pratos emblemáticos da gastronomia francesa e como evoluíram os modos à mesa. Do prato aos talheres, a diversidade dos utensílios vai lhe contar a história às vezes surpreendente de práticas alimentares e estilos de vida.
A exposição mostra a evolução de uma prática partilhada por todos. Através desta exposição, Sèvres - Manufacture et Musée nationaux celebra a convivialidade, partilha e transmissão. Em torno do tema unificador da gastronomia, a exposição dirige-se ao público mais vasto possível: famílias, jovens, bem como amantes e conhecedores da gastronomia, história e artes da mesa.
Sèvres – Manufacture et Musée Nationaux - 2, place de la Manufacture 92310 Sèvres
www.sevresciteceramique.fr
AUVERS-SUR-OISE E O ITINERARIO DE VAN GOGH
Na segunda metade do século XIX, a cidade de Auvers-sur-Oise tornou-se uma destinação privilegiada para os artistas que desejavam pintar ao ar livre. A variedade de paisagens e o carater ainda rural do vale do rio Oise inspiraram pintores como Vincent Van Gogh, Cézanne, Pissarro, Corot e Daubigny. A charmosa Auvers sur Oise soube preservar esse patrimônio paisagístico e cultural através dos itinerários de pintores. Por uma inesperada descoberta, o itinerário de Van Gogh ganhou mais uma etapa. Com seus quadros, Van Gogh imortalizou a prefeitura e a igreja da cidade, o Albergue Ravoux onde viveu, os campos de trigo e o cemitério onde ele repousa junto com seu irmão Théo. A última etapa do itinerário Van Gogh foi acrescida graças à descoberta do pesquisador Wouter van der Veen. Durante o recém confinamento, Wouter se deparou com um cartão postal antigo da cidade que mostra alguns tocos deformados, raízes visíveis, à beira de uma pequena estrada. A legenda indica « Auvers-sur-Oise – rua Daubigny ». Ele comparou esse motivo com uma pintura de Van Gogh e descobriu que essas raízes de árvores teriam servido de modelo para o último quadro pintado pelo artista no dia 27 de julho de 1890, intitulado Raízes. O pintor de 37 anos, que estava em Auvers-sur-Oise, suicidou-se nessa noite com uma bala no peito. Ele morreu dois dias depois, após muito sofrimento, em seu quarto no Albergue Ravoux. Passaram-se 130 anos e a descoberta da etapa Racines (Raízes), inaugurada em Auvers-sur-Oise no dia 28 de Julho passado, parece dissipar a nuvem de mistério que envolvia o último dia de vida do pintor. O lugar, aliado ao estudo das cores da tinta "característica, neste lugar, do final do dia", permite, segundo o perito, deduzir que Van Gogh teria pintado todo o dia em frente a estas raízes antes de terminar a sua vida. Para o pesquisador, esta descoberta não se limita a uma reconstrução dos fatos, mas permite uma melhor interpretação do trabalho que é Raízes. Wouter diz ter entendido este quadro há apenas dois meses atrás. «Um matagal é algo que você corta, mas onde a vida fica. Para mim, é uma mensagem de despedida. Ele está desistindo. Mas a vida continua.»
Na segunda metade do século XIX, a cidade de Auvers-sur-Oise tornou-se uma destinação privilegiada para os artistas que desejavam pintar ao ar livre. A variedade de paisagens e o carater ainda rural do vale do rio Oise inspiraram pintores como Vincent Van Gogh, Cézanne, Pissarro, Corot e Daubigny. A charmosa Auvers sur Oise soube preservar esse patrimônio paisagístico e cultural através dos itinerários de pintores. Por uma inesperada descoberta, o itinerário de Van Gogh ganhou mais uma etapa. Com seus quadros, Van Gogh imortalizou a prefeitura e a igreja da cidade, o Albergue Ravoux onde viveu, os campos de trigo e o cemitério onde ele repousa junto com seu irmão Théo. A última etapa do itinerário Van Gogh foi acrescida graças à descoberta do pesquisador Wouter van der Veen. Durante o recém confinamento, Wouter se deparou com um cartão postal antigo da cidade que mostra alguns tocos deformados, raízes visíveis, à beira de uma pequena estrada. A legenda indica « Auvers-sur-Oise – rua Daubigny ». Ele comparou esse motivo com uma pintura de Van Gogh e descobriu que essas raízes de árvores teriam servido de modelo para o último quadro pintado pelo artista no dia 27 de julho de 1890, intitulado Raízes. O pintor de 37 anos, que estava em Auvers-sur-Oise, suicidou-se nessa noite com uma bala no peito. Ele morreu dois dias depois, após muito sofrimento, em seu quarto no Albergue Ravoux. Passaram-se 130 anos e a descoberta da etapa Racines (Raízes), inaugurada em Auvers-sur-Oise no dia 28 de Julho passado, parece dissipar a nuvem de mistério que envolvia o último dia de vida do pintor. O lugar, aliado ao estudo das cores da tinta "característica, neste lugar, do final do dia", permite, segundo o perito, deduzir que Van Gogh teria pintado todo o dia em frente a estas raízes antes de terminar a sua vida. Para o pesquisador, esta descoberta não se limita a uma reconstrução dos fatos, mas permite uma melhor interpretação do trabalho que é Raízes. Wouter diz ter entendido este quadro há apenas dois meses atrás. «Um matagal é algo que você corta, mas onde a vida fica. Para mim, é uma mensagem de despedida. Ele está desistindo. Mas a vida continua.»
Musée Cernuschi
MUSÉE CERNUSCHI – Reabertura no dia 4 de Março de 2020
Após uma grande renovação, o Musée Cernuschi, referência na arte chinesa, reabre as suas portas com um novo percurso de visita. O Museu reafirma sua vocação como um espaço privilegiado para descobrir o Extremo Oriente da Ásia por meio de trocas artísticas que unem a China ao Japão, Coréia e Vietnã. Esse novo percurso redesenhado é um verdadeiro convite para viajar no cenário da mansão imaginada no século XIX por Henri Cernuschi. O percurso apresenta novas facetas da coleção, destacando uma ampla seleção de obras, a maioria das quais não foram expostas até agora. A apresentação começa com a coleção, sobretudo das artes do Japão e da China, iniciada por Henri Cernuschi durante sua permanência na Ásia entre 1871 e 1873. Numa segunda etapa, o visitante é levado a mergulhar em uma história singular que, de dinastia à dinastia, oferece uma vasta perspectiva sobre as artes da China, consideradas em sua continuidade da pré-história ao século XXI. Este percurso cronológico que acompanha a evolução cultural e artística da China é pontuado por momentos dedicados às outras principais áreas culturais da coleção, Coréia, Japão e Vietnã. No final do percurso, a nova "sala de pintura" permite apresentar ao público, cerca de cinquenta obras de arte gráfica da rica coleção de artes gráficas do museu, famosa por sua coleção única de artistas asiáticos do século XX.
Musée Cernuschi - Musée des Arts de l’Asie de la Ville de Paris - 7, avenue Vélasquez 75008 Paris
www.cernuschi.paris.fr
Após uma grande renovação, o Musée Cernuschi, referência na arte chinesa, reabre as suas portas com um novo percurso de visita. O Museu reafirma sua vocação como um espaço privilegiado para descobrir o Extremo Oriente da Ásia por meio de trocas artísticas que unem a China ao Japão, Coréia e Vietnã. Esse novo percurso redesenhado é um verdadeiro convite para viajar no cenário da mansão imaginada no século XIX por Henri Cernuschi. O percurso apresenta novas facetas da coleção, destacando uma ampla seleção de obras, a maioria das quais não foram expostas até agora. A apresentação começa com a coleção, sobretudo das artes do Japão e da China, iniciada por Henri Cernuschi durante sua permanência na Ásia entre 1871 e 1873. Numa segunda etapa, o visitante é levado a mergulhar em uma história singular que, de dinastia à dinastia, oferece uma vasta perspectiva sobre as artes da China, consideradas em sua continuidade da pré-história ao século XXI. Este percurso cronológico que acompanha a evolução cultural e artística da China é pontuado por momentos dedicados às outras principais áreas culturais da coleção, Coréia, Japão e Vietnã. No final do percurso, a nova "sala de pintura" permite apresentar ao público, cerca de cinquenta obras de arte gráfica da rica coleção de artes gráficas do museu, famosa por sua coleção única de artistas asiáticos do século XX.
Musée Cernuschi - Musée des Arts de l’Asie de la Ville de Paris - 7, avenue Vélasquez 75008 Paris
www.cernuschi.paris.fr
Vista aérea dos Invalides © Paris, musée de l'Armée
O HÔTEL DES INVALIDES comemora 350 anos
Esse ano, o Musée de l'Armée (Museu do Exército) celebra o 350º aniversário da fundação do Hôtel des Invalides por Luís XIV em 24 de Fevereiro de 1670, com numerosos eventos agendados ao longo do ano. Exposições, visitas guiadas sobre a vida dos pensionistas e a construção do monumento, visitas multimédia e espectáculos 3D irão pontuar o ano e permitir a todos os públicos descobrir todas as facetas de um local excepcional e único. Em 1670, Luís XIV ordenou e financiou a construção de um hotel para soldados doentes, feridos e idosos. O plano de construção é de um quadrilátero, onde os edifícios estão dispostos atrás de uma fachada monumental, dando acesso a um grande pátio central. Jules Hardouin-Mansart, foi o responsável pela construção das igrejas. A igreja dos soldados foi concluída em 1679, mas foi só em 1706 que Luís XIV inaugurou a igreja real do Dôme. Embora os planos originais sugerissem uma igreja com um altar duplo, existem hoje dois edifícios diferentes: a catedral de Saint-Louis des Invalides e a igreja do Dôme. Desde 1861, o Dôme acolhe o túmulo de Napoleão I. Após a Guerra de 1870, a atividade hospitalar dos Invalides declinou em favor da função patrimonial, resultante da instalação do museu de Artilharia em 1871 e, em seguida, da criação do Museu Histórico do Exército em 1896. Os dois estabelecimentos fundiram-se em 1905, dando origem ao Museu do Exército que possui uma das mais ricas coleções da história militar do mundo com quase 500.000 peças desde a Idade do Bronze até o século 21.
O Hôtel des Invalides é uma aliança admirável entre um edifício - uma obra-prima da arquitetura clássica - e as coleções de três museus nacionais, o Museu do Exército, o Museu da Ordem da Libertação e o Museu dos Planos-Relevos.
Musée de l’Armée - Hôtel national des Invalides - 129, rue de Grenelle – 75007 Paris
musee-armee.fr
Esse ano, o Musée de l'Armée (Museu do Exército) celebra o 350º aniversário da fundação do Hôtel des Invalides por Luís XIV em 24 de Fevereiro de 1670, com numerosos eventos agendados ao longo do ano. Exposições, visitas guiadas sobre a vida dos pensionistas e a construção do monumento, visitas multimédia e espectáculos 3D irão pontuar o ano e permitir a todos os públicos descobrir todas as facetas de um local excepcional e único. Em 1670, Luís XIV ordenou e financiou a construção de um hotel para soldados doentes, feridos e idosos. O plano de construção é de um quadrilátero, onde os edifícios estão dispostos atrás de uma fachada monumental, dando acesso a um grande pátio central. Jules Hardouin-Mansart, foi o responsável pela construção das igrejas. A igreja dos soldados foi concluída em 1679, mas foi só em 1706 que Luís XIV inaugurou a igreja real do Dôme. Embora os planos originais sugerissem uma igreja com um altar duplo, existem hoje dois edifícios diferentes: a catedral de Saint-Louis des Invalides e a igreja do Dôme. Desde 1861, o Dôme acolhe o túmulo de Napoleão I. Após a Guerra de 1870, a atividade hospitalar dos Invalides declinou em favor da função patrimonial, resultante da instalação do museu de Artilharia em 1871 e, em seguida, da criação do Museu Histórico do Exército em 1896. Os dois estabelecimentos fundiram-se em 1905, dando origem ao Museu do Exército que possui uma das mais ricas coleções da história militar do mundo com quase 500.000 peças desde a Idade do Bronze até o século 21.
O Hôtel des Invalides é uma aliança admirável entre um edifício - uma obra-prima da arquitetura clássica - e as coleções de três museus nacionais, o Museu do Exército, o Museu da Ordem da Libertação e o Museu dos Planos-Relevos.
Musée de l’Armée - Hôtel national des Invalides - 129, rue de Grenelle – 75007 Paris
musee-armee.fr
Cité de l’Économie © Charlotte Donker
CITÉCO – a Cidade da Economia
A Cidade da Economia, Citéco, é o primeiro museu interativo europeu dedicado à economia
com uma missão educativa e pedagógica. Situado no centro de Paris, no Hôtel Gaillard, uma mansão do século XIX, residência do banqueiro Émile Gaillard e obra-prima da arquitetura neo-renascentista classificada como Monumento Histórico, o edifício reflete o status social de seu proprietário e seus gostos artísticos. Em 1923, a Banque de France adquiriu a mansão, estabelecendo uma de suas sucursais. O primeiro desafio do museu foi o de adaptar a sua cenografia nos antigos aposentos de uma mansão particular e nos espaços de uma agência bancária. A exposição permanente ocupa 2.400 m2, abrangendo a extraordinária riqueza patrimonial do Hôtel Gaillard ao longo de várias salas emblemáticas, incluindo o Gabinete do Director, o Salão de Baile e a antiga sala dos cofres rodeada por um fosso de 5 metros de profundidade cheio de água. O percurso museal aborda as noções econômicas passo a passo em francês, inglês e espanhol em seis sequências: trocas, atores, mercados, instabilidades, regulações e tesouro. A cenografia surpreende, convida a ler e a participar de forma lúdica com uma grande diversidade de abordagens: vídeos originais, jogos multimídia individuais e coletivos, manipulações interativas. A museografia interativa e sua oferta cultural visam seduzir todos os públicos.
CITÉCO - 1, place du Général-Catroux 75017 Paris
A Cidade da Economia, Citéco, é o primeiro museu interativo europeu dedicado à economia
com uma missão educativa e pedagógica. Situado no centro de Paris, no Hôtel Gaillard, uma mansão do século XIX, residência do banqueiro Émile Gaillard e obra-prima da arquitetura neo-renascentista classificada como Monumento Histórico, o edifício reflete o status social de seu proprietário e seus gostos artísticos. Em 1923, a Banque de France adquiriu a mansão, estabelecendo uma de suas sucursais. O primeiro desafio do museu foi o de adaptar a sua cenografia nos antigos aposentos de uma mansão particular e nos espaços de uma agência bancária. A exposição permanente ocupa 2.400 m2, abrangendo a extraordinária riqueza patrimonial do Hôtel Gaillard ao longo de várias salas emblemáticas, incluindo o Gabinete do Director, o Salão de Baile e a antiga sala dos cofres rodeada por um fosso de 5 metros de profundidade cheio de água. O percurso museal aborda as noções econômicas passo a passo em francês, inglês e espanhol em seis sequências: trocas, atores, mercados, instabilidades, regulações e tesouro. A cenografia surpreende, convida a ler e a participar de forma lúdica com uma grande diversidade de abordagens: vídeos originais, jogos multimídia individuais e coletivos, manipulações interativas. A museografia interativa e sua oferta cultural visam seduzir todos os públicos.
CITÉCO - 1, place du Général-Catroux 75017 Paris
La Piscine © A. Leprince M.A.I.A.D. Roubaix
LA PISCINE – o museu de artes e indústria da cidade de Roubaix
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
Atelier des Lumières ©Culturespaces/E.Spiller
ATELIER DES LUMIERES
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
FUNDAÇÃO PIERRE GIANADDA, Martigny, Suiça
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Telhado do Grande Arco da Défense, visto do drone © Riad Kneife
LA GRANDE ARCHE DE LA DEFENSE
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
Confluentia, de Bina Baitel. Tecelagem Atelier Françoise Vernaudon © Eric Roger/Cité Internationale de la Tapisserie
CITE INTERNATIONALE DE LA TAPISSERIE em Aubusson
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
CHATEAU DU CLOS LUCE
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
www.vinci-closluce.com
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
www.vinci-closluce.com
Jardins de Valloires © R. Duthilleul SMBS -GLP
JARDINS DE VALLOIRES na Picardia
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Abadia de Auberive - ala oeste
L’ABBAYE DE L’AUBERIVE
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Les Caves du Louvre
LES CAVES DU LOUVRE
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
"Axis Mundi" de Charles Sandison
MUDO – Musée de l’Oise – Beauvais
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
Abadia de Royaumont
Abadia e Fundação Royaumont – cerca de 35 km ao norte de Paris
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
Parc du Petit Prince
Parc du Petit Prince – Parque do Pequeno Príncipe – Alsácia
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
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Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
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Château de Chaumont sur Loire
©E. Sander
Château de Chaumont sur Loire – a menos de duas horas de Paris
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
Domaine de Villarceaux
Dominio de Villarceaux - cercanias de Paris
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
Villa des Brillants à Meudon
Musée Rodin – Villa des Brillants – Meudon (a 20 minutos de Paris)
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
