TANABE Chikuunsai IV , Connection from the Past to the Future © musée du quai Branly - Jacques Chirac, foto Tadayuki Minamoto
FENDRE L’AIR. Art du bambou au Japon – exposição de 27 de Novembro de 2018 a 7 de Abril de 2019
No Japão, o desenvolvimento da cestaria de bambu artesanal está intimamente ligado à difusão da arte do chá, que veio da China por volta dos séculos VIII e IX. As primeiras gerações de artesãos japoneses se inspiram dos modelos chineses que eles próprios procuravam imitar das sofisticadas formas de vasos de bronze ou de porcelana. No início da era Meiji (1868 -1912), o renascimento de um certo tipo de cerimônia do chá, cujos arranjos florais usavam recipientes em bambu, solicitou a criatividade de artistas refinados e inventivos que se libertaram do modelo chinês e inventaram suas próprias formas. Ainda hoje, o trabalho em bambu japonês dá a alguns de seus criadores, mestres da tecelagem de fibras, o prestigioso status de Tesouro Nacional Vivo. Paralelamente à realização de vasos decorativos tradicionais para o arranjo floral, os criadores contemporâneos liberam sua criatividade realizando obras muito pessoais. Por vezes desprovidas de qualquer funcionalidade, as cestas contemporâneas transformam-se em verdadeiras esculturas, formando um campo artístico de profunda originalidade. Essa exposição é a ocasião de descobrir mais de 200 peças antigas e contemporâneas de uma beleza poética. Sete artistas contemporâneos se encontram em destaque na exposição. Os seus trabalhos são ilustrados através de uma apresentação monográfica, que inclui também uma série de obras especialmente concebidas para a exposição.
Musée du quai Branly - Jacques-Chirac - 37 Quai Branly, 75007 Paris
http://www.quaibranly.fr/
No Japão, o desenvolvimento da cestaria de bambu artesanal está intimamente ligado à difusão da arte do chá, que veio da China por volta dos séculos VIII e IX. As primeiras gerações de artesãos japoneses se inspiram dos modelos chineses que eles próprios procuravam imitar das sofisticadas formas de vasos de bronze ou de porcelana. No início da era Meiji (1868 -1912), o renascimento de um certo tipo de cerimônia do chá, cujos arranjos florais usavam recipientes em bambu, solicitou a criatividade de artistas refinados e inventivos que se libertaram do modelo chinês e inventaram suas próprias formas. Ainda hoje, o trabalho em bambu japonês dá a alguns de seus criadores, mestres da tecelagem de fibras, o prestigioso status de Tesouro Nacional Vivo. Paralelamente à realização de vasos decorativos tradicionais para o arranjo floral, os criadores contemporâneos liberam sua criatividade realizando obras muito pessoais. Por vezes desprovidas de qualquer funcionalidade, as cestas contemporâneas transformam-se em verdadeiras esculturas, formando um campo artístico de profunda originalidade. Essa exposição é a ocasião de descobrir mais de 200 peças antigas e contemporâneas de uma beleza poética. Sete artistas contemporâneos se encontram em destaque na exposição. Os seus trabalhos são ilustrados através de uma apresentação monográfica, que inclui também uma série de obras especialmente concebidas para a exposição.
Musée du quai Branly - Jacques-Chirac - 37 Quai Branly, 75007 Paris
http://www.quaibranly.fr/
Andy Warhol
Michael Jackson
1984
Acrílico e tinta serigráfica sobre tela
76,2 x 66 cm
The Andy Warhol Museum, Pittsburgh;
Founding Collection, Contribution The Andy
Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.
© The Andy Warhol Foundation for the Visual
Arts, Inc. / Licensed by Adagp, Paris, 2018
Michael Jackson : On the Wall – exposição de 23 de Novembro de 2018 a 14 de Fevereiro de 2019
Michael Jackson é uma das figuras culturais mais influentes do século XX, e seu legado continua presente. Sua influência e fama continuam intensas, e as questões que Jackson levantou, especialmente do ponto de vista de identidade, raça e celebridade, ainda são relevantes. Michael Jackson também é uma das figuras mais proeminentes nas artes visuais. Desde que Andy Warhol usou sua imagem em 1982, uma grande variedade de artistas contemporâneos, de diferentes gerações e trabalhando em diferentes países, fizeram o mesmo. Michael Jackson: On the Wall reúne obras de mais de 40 artistas, obras de coleções públicas e particulares e também inclui obras criadas especialmente para a ocasião. Estas obras integram-se no contexto da vida e da obra de Michael Jackson com a preocupação de fazer emergir os desafios culturais, sociais e políticos que marcaram a trajetória singular desse artista afro-americano em ressonância com os acontecimentos de seu tempo. A exposição tenta questionar a extensão e o impacto de seu trabalho na cultura de hoje, por que e como o artista continua a influenciar novas gerações de artistas e fãs em diferentes lugares do mundo.
Grand Palais - 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
www.grandpalais.fr
Michael Jackson é uma das figuras culturais mais influentes do século XX, e seu legado continua presente. Sua influência e fama continuam intensas, e as questões que Jackson levantou, especialmente do ponto de vista de identidade, raça e celebridade, ainda são relevantes. Michael Jackson também é uma das figuras mais proeminentes nas artes visuais. Desde que Andy Warhol usou sua imagem em 1982, uma grande variedade de artistas contemporâneos, de diferentes gerações e trabalhando em diferentes países, fizeram o mesmo. Michael Jackson: On the Wall reúne obras de mais de 40 artistas, obras de coleções públicas e particulares e também inclui obras criadas especialmente para a ocasião. Estas obras integram-se no contexto da vida e da obra de Michael Jackson com a preocupação de fazer emergir os desafios culturais, sociais e políticos que marcaram a trajetória singular desse artista afro-americano em ressonância com os acontecimentos de seu tempo. A exposição tenta questionar a extensão e o impacto de seu trabalho na cultura de hoje, por que e como o artista continua a influenciar novas gerações de artistas e fãs em diferentes lugares do mundo.
Grand Palais - 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
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Hervé Di Rosa, Le Bonheur -
Etapa 1 : Sofia, Bulgaria, 1993
Tempera e folha de ouro sobre madeira.
Coleção particular.
© ADAGP, Paris 2018. Foto : Pierre Schwartz
DI ROSA, L’OEUVRE AU MONDE – exposição de 20 de Outubro de 2018 a 20 de Janeiro de 2019 em Roubaix
Hervé Di Rosa é um artista contemporâneo e principal ator da Figuração Livre. Nasceu em 1959 na cidade de Sète no sul da França. Em suas obras, Hervé Di Rosa retorna à figuração, em resposta a décadas de arte conceitual e intelectual, misturando todas as formas de arte sem divergência cultural e geográfica. Seus trabalhos utilizam as belas artes e artes aplicadas, arte ocidental e não ocidental. Ele utiliza o grafite, cartazes, quadrinhos, pop art, rock e punk e cultura suburbana. Durante alguns anos, ele expôs na Europa e nos Estados Unidos com Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Grande viajante, ele percorre o mundo para conhecer, aprender e compartilhar seu ofício com outros artesãos. Hervé Di Rosa entrelaça o conhecimento de cada um em um trabalho comum, rico em culturas, experiências e sentidos. Em parceria com os melhores artesãos, Hervé Di Rosa, continua seu trabalho iniciado há algumas décadas, talvez no porto de Sète. A exposição em Roubaix apresenta também as últimas obras de Hervé Di Rosa, cerâmicas feitas durante a décima nona etapa dessa volta ao mundo criativa do artista. Essas cerâmicas foram realizadas junto aos famosos artesãos da empresa Viúva Lamego, uma das históricas fábricas de azulejos de Portugal.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine
Hervé Di Rosa é um artista contemporâneo e principal ator da Figuração Livre. Nasceu em 1959 na cidade de Sète no sul da França. Em suas obras, Hervé Di Rosa retorna à figuração, em resposta a décadas de arte conceitual e intelectual, misturando todas as formas de arte sem divergência cultural e geográfica. Seus trabalhos utilizam as belas artes e artes aplicadas, arte ocidental e não ocidental. Ele utiliza o grafite, cartazes, quadrinhos, pop art, rock e punk e cultura suburbana. Durante alguns anos, ele expôs na Europa e nos Estados Unidos com Keith Haring e Jean-Michel Basquiat. Grande viajante, ele percorre o mundo para conhecer, aprender e compartilhar seu ofício com outros artesãos. Hervé Di Rosa entrelaça o conhecimento de cada um em um trabalho comum, rico em culturas, experiências e sentidos. Em parceria com os melhores artesãos, Hervé Di Rosa, continua seu trabalho iniciado há algumas décadas, talvez no porto de Sète. A exposição em Roubaix apresenta também as últimas obras de Hervé Di Rosa, cerâmicas feitas durante a décima nona etapa dessa volta ao mundo criativa do artista. Essas cerâmicas foram realizadas junto aos famosos artesãos da empresa Viúva Lamego, uma das históricas fábricas de azulejos de Portugal.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine
La Piscine © A. Leprince M.A.I.A.D. Roubaix
LA PISCINE – o museu de artes e indústria da cidade de Roubaix
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
Gustave Moreau (1826-1898)
Esboço
oléo sobre tela ; 27 × 22 cm
Paris, musée Gustave Moreau, Cat. 1151
© RMN-Grand Palais / Christian Jean
VERS LE SONGE ET L’ABSTRAIT – GUSTAVE MOREAU - exposição de 17 de Outubro de 2018 a 21 de Janeiro de 2019
Gustave Moreau (1826-1898) foi uma figura importante na pintura simbolista francesa cuja obra se concentrou na ilustração de figuras bíblicas e mitológicas. O Musée Gustave Moreau, situado na sua magnífica casa-atelier, conserva uma coleção de mais de 25.000 obras do pintor. A equipe científica que trabalhou na exposição « Rumo ao sonho e ao abstrato » examinou suas pinturas e aquarelas não figurativas e questionou o seu status de obras abstratas. Seria Moreau, como foi considerado pelos críticos de arte e artistas dos anos 50, o precursor da abstração ? Eles ressaltam que Moreau considerava o abstrato a não-materialidade, a transcedência, o além e não uma oposição ao figurativo. Desde a inauguração do museu em 1903, alguns críticos percebem que as obras figurativas de Moreau são esboços das obras realizadas posteriormente. A equipe científica estudou a maneira como o pintor elaborava sua obra, como construia a composição a partir da cor e a definição do motivo a partir do desenho. Ele inventou uma maneira de pintar que questiona a relação entre a linha e a forma, as cores e os valores, tentando escapar ao realismo. Moreau transmitiu aos seus estudantes, os fundadores do fauvismo, o seu amor à cor. A exposição é apresentada na galeria do primeiro andar e nos ateliers do segundo e terceiro andar, num percurso de sete seções, reunindo uma centena de pinturas e aquarelas.
Musée Gustave Moreau – 14, rue de la Rochefoucauld – 75009 Paris
www.musee-moreau.fr
Gustave Moreau (1826-1898) foi uma figura importante na pintura simbolista francesa cuja obra se concentrou na ilustração de figuras bíblicas e mitológicas. O Musée Gustave Moreau, situado na sua magnífica casa-atelier, conserva uma coleção de mais de 25.000 obras do pintor. A equipe científica que trabalhou na exposição « Rumo ao sonho e ao abstrato » examinou suas pinturas e aquarelas não figurativas e questionou o seu status de obras abstratas. Seria Moreau, como foi considerado pelos críticos de arte e artistas dos anos 50, o precursor da abstração ? Eles ressaltam que Moreau considerava o abstrato a não-materialidade, a transcedência, o além e não uma oposição ao figurativo. Desde a inauguração do museu em 1903, alguns críticos percebem que as obras figurativas de Moreau são esboços das obras realizadas posteriormente. A equipe científica estudou a maneira como o pintor elaborava sua obra, como construia a composição a partir da cor e a definição do motivo a partir do desenho. Ele inventou uma maneira de pintar que questiona a relação entre a linha e a forma, as cores e os valores, tentando escapar ao realismo. Moreau transmitiu aos seus estudantes, os fundadores do fauvismo, o seu amor à cor. A exposição é apresentada na galeria do primeiro andar e nos ateliers do segundo e terceiro andar, num percurso de sete seções, reunindo uma centena de pinturas e aquarelas.
Musée Gustave Moreau – 14, rue de la Rochefoucauld – 75009 Paris
www.musee-moreau.fr
Dorothea Lange
Toward Los Angeles, California, 1937 © The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California
DOROTHEA LANGE, politiques du visible – exposição de 16 de Outubro de 2018 a 27 de Janeiro de 2019
O trabalho da fotógrafa americana Dorothea Langea (1895-1966) ajudou a moldar a nossa visão do período entre as guerras nos Estados Unidos e refinar o nosso conhecimento desse período. Em 1932, durante a Grande Depressão, que começou em 1929, Lange, observando pessoas desempregadas e desabrigadas nas ruas de São Francisco, abandonou sua atividade como retratista de estúdio, julgando-a inapropriada. Durante dois anos, que marcam um momento decisivo em sua vida, ela fotografa situações que descrevem o impacto social da recessão urbana. Em 1935 ela trabalha junto com Paul Schuster Taylor, professor de economia, nas agências federais estabelecidas no âmbito do New Deal. Sua colaboração durará mais de trinta anos: durante a Segunda Guerra Mundial, Lange praticou a fotografia ininterruptamente, documentando os principais problemas da época, incluindo o internamento de famílias nipo-americanas, as evoluções econômicas e sociais atribuíveis às indústrias envolvidas no esforço de guerra. Outros aspectos de sua prática, que ela considerava arquivística, também são destacados na exposição. Reposicionando as fotografias de Lange no contexto de sua abordagem antropológica, a exposição oferece ao público a oportunidade de entender que a força dessas imagens também está enraizada nas interações do fotógrafo com o tema, que é evidente nas legendas que ela escreve para acompanhar suas fotografias. Dorothea Lange criou imagens tanto íntimas como comoventes ao longo de sua carreira para denunciar a injustiça e influenciar a opinião pública.
JEU DE PAUME - 1, Place de la Concorde - 75008 · PARIS
www.jeudepaume.org
O trabalho da fotógrafa americana Dorothea Langea (1895-1966) ajudou a moldar a nossa visão do período entre as guerras nos Estados Unidos e refinar o nosso conhecimento desse período. Em 1932, durante a Grande Depressão, que começou em 1929, Lange, observando pessoas desempregadas e desabrigadas nas ruas de São Francisco, abandonou sua atividade como retratista de estúdio, julgando-a inapropriada. Durante dois anos, que marcam um momento decisivo em sua vida, ela fotografa situações que descrevem o impacto social da recessão urbana. Em 1935 ela trabalha junto com Paul Schuster Taylor, professor de economia, nas agências federais estabelecidas no âmbito do New Deal. Sua colaboração durará mais de trinta anos: durante a Segunda Guerra Mundial, Lange praticou a fotografia ininterruptamente, documentando os principais problemas da época, incluindo o internamento de famílias nipo-americanas, as evoluções econômicas e sociais atribuíveis às indústrias envolvidas no esforço de guerra. Outros aspectos de sua prática, que ela considerava arquivística, também são destacados na exposição. Reposicionando as fotografias de Lange no contexto de sua abordagem antropológica, a exposição oferece ao público a oportunidade de entender que a força dessas imagens também está enraizada nas interações do fotógrafo com o tema, que é evidente nas legendas que ela escreve para acompanhar suas fotografias. Dorothea Lange criou imagens tanto íntimas como comoventes ao longo de sua carreira para denunciar a injustiça e influenciar a opinião pública.
JEU DE PAUME - 1, Place de la Concorde - 75008 · PARIS
www.jeudepaume.org
Francisco Javier Seguí de la Riva
& Ana Buenaventura
Juegos cósmicos 1, 1972
Courtesy Francisco Javier Seguí de la Riva
& Ana Buenaventura
MADRID, OCTOBRE 68 – la scène expérimentale espagnole – exposição de 12 de Outubro de 2018 a 24 de Fevereiro de 2019
Em 1968, IBM oferece um computador à universidade espanhola, marcando o início das atividades do Centro de Computação. Depois de décadas de isolamento cultural, artistas, arquitetos e músicos embarcaram em uma reflexão em torno da exploração do computador em seus processos criativos. O Centro de Computação torna-se o espaço mais significativo de liberdade criativa desde o final da ditadura, afirmando-se como uma estrutura de experimentação coletiva. A imunidade assegurada pela aura da tecnologia, aparentemente não-ideológica, permite ao centro impulsionar a inovação espanhola que tinha permanecido em gestação. A experimentação abre-se a novas formas de expressão em todos os campos de criação como a música e as artes visuais, baseando-se nas novas teorias linguísticas de Noam Chomsky e no legado da poesia experimental espanhola. A exposição mostra o trabalho de Javier Seguí de la Riva que forma a coletânea necessária para compreender o contexto do período e para unir as obras de arquitetos e artistas em um questionamento em torno do imaginário e da experimentação. Com esta exposição o Centro Frac-Val de Loire inaugura a primeira dedicada na França à cena experimental espanhola dos anos 1960-1980.
Frac Centre-Val de Loire / Les Turbulences - 88 rue du Colombier, 45000 Orléans
www.frac-centre.fr
Em 1968, IBM oferece um computador à universidade espanhola, marcando o início das atividades do Centro de Computação. Depois de décadas de isolamento cultural, artistas, arquitetos e músicos embarcaram em uma reflexão em torno da exploração do computador em seus processos criativos. O Centro de Computação torna-se o espaço mais significativo de liberdade criativa desde o final da ditadura, afirmando-se como uma estrutura de experimentação coletiva. A imunidade assegurada pela aura da tecnologia, aparentemente não-ideológica, permite ao centro impulsionar a inovação espanhola que tinha permanecido em gestação. A experimentação abre-se a novas formas de expressão em todos os campos de criação como a música e as artes visuais, baseando-se nas novas teorias linguísticas de Noam Chomsky e no legado da poesia experimental espanhola. A exposição mostra o trabalho de Javier Seguí de la Riva que forma a coletânea necessária para compreender o contexto do período e para unir as obras de arquitetos e artistas em um questionamento em torno do imaginário e da experimentação. Com esta exposição o Centro Frac-Val de Loire inaugura a primeira dedicada na França à cena experimental espanhola dos anos 1960-1980.
Frac Centre-Val de Loire / Les Turbulences - 88 rue du Colombier, 45000 Orléans
www.frac-centre.fr
Camille CLAUDEL, Portrait de Louise Claudel, pastel, vers 1887, musÈe Camille Claudel,
Nogent-sur-Seine © photo Christian Moutarde
CAMILLE CLAUDEL, PAUL CLAUDEL: le rêve et la vie – exposição de 29 de Setembro de 2018 a 13 de Janeiro de 2019
Em sua primeira exposição temporária, o museu apresenta o diálogo artístico entre Camille Claudel e seu irmão Paul. Em 1913, Camille foi internada em um hospital psiquiátrico. Esse fato tende a esconder a cumplicidade que existiu entre os dois irmãos, a importância de Paul como modelo para a escultora, e a visão do escritor sobre o trabalho de sua irmã e seu papel no reconhecimento de Camille como uma artista proeminente.
Seguindo uma ordem cronológica, a exposição Camille Claudel, Paul Claudel: o sonho e a vida divide-se em três partes. Sua proposta é capturar a intimidade intelectual e artística entre Camille e Paul Claudel, mostrar como os laços estreitos, estabelecidos desde a infância, durarão por toda a vida e aparecerão em seus respectivos trabalhos. Através de documentos de arquivo, fotos, correspondência, a primeira parte da exposição cobre a infância dos irmãos até a internamento de Camille Claudel. A arte japonesa fascina a Europa. A segunda parte da exposição mostra como, integrados em círculos literários e simbólicos, os Claudel descobriram juntos as artes japonesas e como se apropriaram delas de forma diferente. A terceira parte explora o papel de Paul Claudel no reconhecimento do trabalho de sua irmã.
Musée Camille Claudel - 10, rue Gustave Flaubert, 10400 Nogent-sur-Seine
www.museecamilleclaudel.fr
O rei Luis Filipe e seus filhos saindo pelo portão de honra do Palácio de Versalhes , 10 junho de 1837, Horace Vernet, 1846, Musée des châteaux de Versailles et de Trianon
© RMN-GP (Château de Versailles) / Daniel Arnaudet
LOUIS-PHILIPPE ET VERSAILLES – exposição de 6 de outubro de 2018 a 3 de Fevereiro de 2019
O Palácio de Versalhes dedica uma exposição a Luís-Filipe, que transformou a antiga residência real em um museu dedicado a história da França. Herdeiro da família Orleans, Luís-Filipe tem pouca história em comum com o Versalhes do Antigo Regime. No entanto, após a sua ascensão ao trono em 1830, ele se interessou pelo palácio e trabalhou para transformá-lo em um monumento nacional. Seu objetivo foi certamente o de reconciliar os franceses e inscrever seu reinado na história nacional. A partir de então, dois Versalhes coexistem. A residência real no edifício central, com os restaurados e renovados Grandes Apartamentos, onde a antiga monarquia é evocada no apartamento cerimonial do rei. Nas alas norte e sul, Luis-Filipe cria galerias históricas de uma ponta a outra do palácio : a Galeria das Batalhas, a Sala dos Estados Gerais e a Sala de 1792, o salão da coroação de Napoleão, os salões das cruzadas e os salões da África. Para a implementação deste projeto, o arquiteto do palácio, Frédéric Nepveu, inspirou-se do vocabulário decorativo dos Grandes Apartamentos, mas utilizou novas técnicas, em particular uma estrutura metálica que permite a iluminação zenital da monumental Galeria das Batalhas. A exposição é apresentada em todas essas salas que foram restauradas para a ocasião.
Château de Versailles - Place d'Armes, 78000 Versailles
http://www.chateauversailles.fr/
O Palácio de Versalhes dedica uma exposição a Luís-Filipe, que transformou a antiga residência real em um museu dedicado a história da França. Herdeiro da família Orleans, Luís-Filipe tem pouca história em comum com o Versalhes do Antigo Regime. No entanto, após a sua ascensão ao trono em 1830, ele se interessou pelo palácio e trabalhou para transformá-lo em um monumento nacional. Seu objetivo foi certamente o de reconciliar os franceses e inscrever seu reinado na história nacional. A partir de então, dois Versalhes coexistem. A residência real no edifício central, com os restaurados e renovados Grandes Apartamentos, onde a antiga monarquia é evocada no apartamento cerimonial do rei. Nas alas norte e sul, Luis-Filipe cria galerias históricas de uma ponta a outra do palácio : a Galeria das Batalhas, a Sala dos Estados Gerais e a Sala de 1792, o salão da coroação de Napoleão, os salões das cruzadas e os salões da África. Para a implementação deste projeto, o arquiteto do palácio, Frédéric Nepveu, inspirou-se do vocabulário decorativo dos Grandes Apartamentos, mas utilizou novas técnicas, em particular uma estrutura metálica que permite a iluminação zenital da monumental Galeria das Batalhas. A exposição é apresentada em todas essas salas que foram restauradas para a ocasião.
Château de Versailles - Place d'Armes, 78000 Versailles
http://www.chateauversailles.fr/
Igreja Nossa Senhora da Hora, Mosul, Iraque, 2018
CITES MILLENAIRES, voyage virtuel de Palmyre à Mossoul – exposição virtual de 10 de Outubro de 2018 a 10 de Fevereiro de 2019
Diante da destruição maciça infligida nestes últimos anos ao patrimônio árabe, a exposição Cidades Milenares, viagem virtual de Palmira a Mosul tem como objetivo mostrar o que se passa no mundo árabe, explicando e contextualizando. A ambição é dar um acesso direto aos monumentos, renderizados em 3D, a fim de mostrar esses vestígios da humanidade como eles eram e como são hoje. Reviver o templo de Baal Shamin em Palmira ou a mesquita dos omíadas em Aleppo, permitirá que todos compreendam a beleza e se conscientizem do valor, da fragilidade dessa herança. Através das novas tecnologias digitais a exposição oferece uma experiência singular, totalmente virtual. Somos transportados tanto no espaço, em lugares de difícil acesso ou inacessíveis - até mesmo proibidos - como no tempo, passado, presente e futuro. A escolha das quatro cidades - Palmira, Aleppo, Mosul, Leptis Magna – nos faz penetrar no coração de brilhantes civilizações e tornar-nos consciente de sua diversidade. Também permite descrever contextos geopolíticos contemporâneos muito diferentes, e evocar essas cidades como lugar de vida. A exposição é concebida como um manifesto para a defesa dessas cidades extraordinárias e, de modo geral, para a preservação do patrimônio em todo o mundo.
Institut du Monde Arabe - 1, rue des Fossés Saint-Bernard, 75005 Paris
Diante da destruição maciça infligida nestes últimos anos ao patrimônio árabe, a exposição Cidades Milenares, viagem virtual de Palmira a Mosul tem como objetivo mostrar o que se passa no mundo árabe, explicando e contextualizando. A ambição é dar um acesso direto aos monumentos, renderizados em 3D, a fim de mostrar esses vestígios da humanidade como eles eram e como são hoje. Reviver o templo de Baal Shamin em Palmira ou a mesquita dos omíadas em Aleppo, permitirá que todos compreendam a beleza e se conscientizem do valor, da fragilidade dessa herança. Através das novas tecnologias digitais a exposição oferece uma experiência singular, totalmente virtual. Somos transportados tanto no espaço, em lugares de difícil acesso ou inacessíveis - até mesmo proibidos - como no tempo, passado, presente e futuro. A escolha das quatro cidades - Palmira, Aleppo, Mosul, Leptis Magna – nos faz penetrar no coração de brilhantes civilizações e tornar-nos consciente de sua diversidade. Também permite descrever contextos geopolíticos contemporâneos muito diferentes, e evocar essas cidades como lugar de vida. A exposição é concebida como um manifesto para a defesa dessas cidades extraordinárias e, de modo geral, para a preservação do patrimônio em todo o mundo.
Institut du Monde Arabe - 1, rue des Fossés Saint-Bernard, 75005 Paris
ÀS ARMAS !
poster de propaganda
polonesa durante la guerra
soviéto-polonesa, 1920
© muzeum wojska polskiego
(musée de l’armée polonaise)
A L’EST LA GUERRE SANS FIN 1918-1923– exposição de 5 de Outubro de 2018 a 20 de Janeiro de 2019
No rescaldo das revoluções russas de fevereiro e outubro de 1917 e a assinatura do Tratado de Brest-Litovsk entre a Rússia e os impérios centrais em 3 de março de 1918, os combates parecem diminuir no leste, apesar da guerra civil russa. No Ocidente, pelo contrário, a assinatura deste Tratado permite que a Alemanha reimplante 50 divisões na frente ocidental. A partir de 21 de março, os combates intensificam-se e na primavera a Alemanha lança uma série de ofensivas curtas. Em agosto de 1918, os aliados contra-atacam e forçam o Império alemão a negociar um armistício em 11 de novembro de 1918. Enquanto no Ocidente, a luta cessa entre os beligerantes, uma nebulosa de distúrbios internos, às vezes de guerras civis e confrontos internacionais, opõem os vários países resultantes do colapso do Império Alemão, Austro-Húngaro, Otomano e russo no leste, após a sua derrota militar. O resultado é a violência e a instabilidade, cujas repercussões ainda são visíveis hoje. Nestas circunstâncias, a resolução da primeira guerra mundial é tão complexa quanto frágil. Os vários tratados estabelecidos são ferozmente negociados e rapidamente contestados. Assim, o Tratado de Sèvres, de 10 de agosto de 1920, entre a Turquia e os aliados, é reformulado e substituído, menos de três anos depois, pelo Tratado de Lausanne, assinado em 24 de julho de 1923. Esta exposição tem como objetivo seguir, a leste, da Finlândia ao Líbano, entre 1918 e 1923, a difícil substituição dos antigos impérios pelos novos Estados-nação e o surgimento, através das várias revoluções e contra-revoluções, de uma radicalização totalitária.
Musée de l’Armée – Hôtel national des Invalides –
129, rue de Grenelle – 75007 Paris
Joan Miró Mulheres e pássaros na noite 5 mai 1947 oléo sobre tela 73 x 92 cm États-Unis, New York Calder Foundation © Successió Miró / Adagp, Paris 2018 Foto Calder Foundation, New York / Art Resource, NY.
MIRÓ – exposição de 3 de outubro de 2018 a 4 de Fevereiro de 2019
A criação artística do catalão Miró (1893-1983) semea a arte de todo o século XX, com seu poder e sua poesia. Em uma cenografia que lembra o universo mediterrâneo de Miró, mais de 150 obras entre pinturas, desenhos, cerâmicas, esculturas e livros ilustrados estarão reunidas destacando o itinerário do artista marcado por renovações incessantes. A exposição exibe suas obras fauvistas, cubistas e surrealistas para as quais Miró inventou um mundo poético, até então desconhecido na pintura do século XX. Estes períodos mostram o questionamento do artista, suas pesquisas e sua paleta de cores e um vocabulário de formas incomuns e novas. Sua arte se enraiza na vida cotidiana e faz emerger um mundo até então desconhecido onde os sonhos do criador ocupam um lugar privilegiado. A ascensão do fascismo na década de 1930 fez com que ele se envolvesse em uma luta pela liberdade. Representações selvagens ilustram o poder estranho e sem precedentes que ele dá ao seu trabalho nesses momentos de extrema tensão. Na década de 1940, Constelações, uma série de pequeno formato executadas em Varengeville-sur-Mer, na Normandia, dialoga com os sonhos não realizados. Suas esculturas em cerâmica também refletem o mundo entre realidade e devaneio. Através de formas simplificadas, Miró constrói um mundo encantador.
Grand Palais
www.grandpalais.fr
A criação artística do catalão Miró (1893-1983) semea a arte de todo o século XX, com seu poder e sua poesia. Em uma cenografia que lembra o universo mediterrâneo de Miró, mais de 150 obras entre pinturas, desenhos, cerâmicas, esculturas e livros ilustrados estarão reunidas destacando o itinerário do artista marcado por renovações incessantes. A exposição exibe suas obras fauvistas, cubistas e surrealistas para as quais Miró inventou um mundo poético, até então desconhecido na pintura do século XX. Estes períodos mostram o questionamento do artista, suas pesquisas e sua paleta de cores e um vocabulário de formas incomuns e novas. Sua arte se enraiza na vida cotidiana e faz emerger um mundo até então desconhecido onde os sonhos do criador ocupam um lugar privilegiado. A ascensão do fascismo na década de 1930 fez com que ele se envolvesse em uma luta pela liberdade. Representações selvagens ilustram o poder estranho e sem precedentes que ele dá ao seu trabalho nesses momentos de extrema tensão. Na década de 1940, Constelações, uma série de pequeno formato executadas em Varengeville-sur-Mer, na Normandia, dialoga com os sonhos não realizados. Suas esculturas em cerâmica também refletem o mundo entre realidade e devaneio. Através de formas simplificadas, Miró constrói um mundo encantador.
Grand Palais
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Anônimo, Gaiola de pássaros, por volta de 1750-1751. Ferro pintado e porcelana Musée des Arts Décoratifs
LA FABRIQUE DU LUXE - Les marchands merciers parisiens au XVIIIe siècle -exposição de 29 de Setembro de 2018 a 27 de Janeiro de 2019
« A fábrica de luxo- negociantes de tecidos parisienses no século XVIII » é a primeira exposição dedicada a esta corporação particularmente codificada e indispensável na difusão da arte francesa e do luxo. Através dos destinos de comerciantes como Gersaint ou Devaux, o museu Cognacq-Jay apresenta uma centena de obras de arte, documentos e arquivos que ilustram as origens do luxo em Paris. Ao mesmo tempo, comerciante, importador, coletor, desenhista e decorador, o negociante de tecidos, que começou a ser designado negociante de objetos de arte a partir do século XVIII, ocupa um papel essencial no desenvolvimento da indústria de luxo nessa época. Personagem atípico, ele mantém relações na alta aristocracia e conta com uma rede internacional de artistas que dominam as melhores especialidades técnicas e artísticas, sejam elas provenientes de Lyon ou da China. Além disso, para se tornarem conhecidos e ampliar suas redes, eles desenvolvem os mecanismos de promoção publicitária, com o concurso de cartunistas anônimos ou artistas como Boucher ou Watteau.
Dissolvida durante a Revolução Francesa, esta corporação suscita
ainda hoje o interesse dos historiadores da arte e universitários . O percurso da exposição
explora o contexto que propiciou o desenvolvimento desta corporação,
as chaves do seu sucesso, as suas inovações, e retrata
alguns dos seus famosos representantes.
MUSÉE COGNACQ-JAY - 8, rue Elzévir - 75003 Paris
museecognacqjay.paris.fr
« A fábrica de luxo- negociantes de tecidos parisienses no século XVIII » é a primeira exposição dedicada a esta corporação particularmente codificada e indispensável na difusão da arte francesa e do luxo. Através dos destinos de comerciantes como Gersaint ou Devaux, o museu Cognacq-Jay apresenta uma centena de obras de arte, documentos e arquivos que ilustram as origens do luxo em Paris. Ao mesmo tempo, comerciante, importador, coletor, desenhista e decorador, o negociante de tecidos, que começou a ser designado negociante de objetos de arte a partir do século XVIII, ocupa um papel essencial no desenvolvimento da indústria de luxo nessa época. Personagem atípico, ele mantém relações na alta aristocracia e conta com uma rede internacional de artistas que dominam as melhores especialidades técnicas e artísticas, sejam elas provenientes de Lyon ou da China. Além disso, para se tornarem conhecidos e ampliar suas redes, eles desenvolvem os mecanismos de promoção publicitária, com o concurso de cartunistas anônimos ou artistas como Boucher ou Watteau.
Dissolvida durante a Revolução Francesa, esta corporação suscita
ainda hoje o interesse dos historiadores da arte e universitários . O percurso da exposição
explora o contexto que propiciou o desenvolvimento desta corporação,
as chaves do seu sucesso, as suas inovações, e retrata
alguns dos seus famosos representantes.
MUSÉE COGNACQ-JAY - 8, rue Elzévir - 75003 Paris
museecognacqjay.paris.fr
Odalisque ou Bayadère, 1932, Hêtre rouge polychromé, 70 x 180 x 50 cm, Arles, Musée Réattu
OSSIP ZADKINE, L’instinct de la matière – exposição de 28 de Setembro de 2018 a 10 de Fevereiro de 2019
Para o artista russo Ossip Zadkine (Vitebsk 1888 – Paris 1967), a matéria é o vem primeiro. Ele sabe, sente que ela
é portadora de uma vocação formal. A exposição « O Instinto da matéria » mostra esta relação íntima com a matéria primordial, as formas que estão em gestação: as veias e nódulos da madeira, a densidade e as partículas da rocha, a fluidez da tinta ou o guache. A matéria possui sua própria dinâmica. O gesto do escultor ou a mão do desenhista deve capta-la em um impulso. “O instinto da matéria » permite apreender o diálogo orgânico de Zadkine com os diferentes materiais que ele considera como « potências formais ».
O visitante redescobre o trabalho de Zadkine em uma cenografia original. A seção inicial reúne algumas talhas diretas. Assim são apresentados nesta parte grandes obras dos anos 1910 a 1925. Mostrando as capacidades metamórficas da matéria, a segunda parte da exposição concentra-se na matéria transformada, a montagem, a incorporação e a incrustação de materiais. A introdução de trabalhos em papel permite encontrar o modo de apresentação adotado pelo artista em vida e, ir além da imagem de um trabalho muitas vezes reduzido à simples escultura. A abordagem proposta enfatiza a riqueza plástica e a força interior de uma obra comprometida em preservar o elo vital do homem com a natureza.
MUSÉE ZADKINE - 100 bis rue d’Assas, 75006 Paris
www.zadkine.paris.fr
Para o artista russo Ossip Zadkine (Vitebsk 1888 – Paris 1967), a matéria é o vem primeiro. Ele sabe, sente que ela
é portadora de uma vocação formal. A exposição « O Instinto da matéria » mostra esta relação íntima com a matéria primordial, as formas que estão em gestação: as veias e nódulos da madeira, a densidade e as partículas da rocha, a fluidez da tinta ou o guache. A matéria possui sua própria dinâmica. O gesto do escultor ou a mão do desenhista deve capta-la em um impulso. “O instinto da matéria » permite apreender o diálogo orgânico de Zadkine com os diferentes materiais que ele considera como « potências formais ».
O visitante redescobre o trabalho de Zadkine em uma cenografia original. A seção inicial reúne algumas talhas diretas. Assim são apresentados nesta parte grandes obras dos anos 1910 a 1925. Mostrando as capacidades metamórficas da matéria, a segunda parte da exposição concentra-se na matéria transformada, a montagem, a incorporação e a incrustação de materiais. A introdução de trabalhos em papel permite encontrar o modo de apresentação adotado pelo artista em vida e, ir além da imagem de um trabalho muitas vezes reduzido à simples escultura. A abordagem proposta enfatiza a riqueza plástica e a força interior de uma obra comprometida em preservar o elo vital do homem com a natureza.
MUSÉE ZADKINE - 100 bis rue d’Assas, 75006 Paris
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Giandomenico TIEPOLO Scène de carnaval ou Le Menuet 1754-1755 huile sur toile 80,5 x 105 cm Paris, Musée du Louvre, Département des Peintures photo © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Franck Raux
EBLOUISSANTE VENISE, les arts et l’Europe au XVIII siècle – exposição de 26 de Setembro de 2018 a 21 de Janeiro de 2019
Herdeira de uma tradição multisecular, a civilização veneziana brilha em toda sua glória no início do século XVIII, no campo das artes plásticas, artes decorativas, música e ópera. Graças à presença de grandes talentos, entre os quais, os pintores Piazzetta e Giambattista Tiepolo, Canaletto, os escultores Brustolon e Corradini, Veneza cultiva um luxo e estética únicos. Vive-se a música intensamente através das criações de compositores como Porpora, Hasse, Vivaldi, servido por cantores de renome internacional como o castrato Farinelli ou a soprano Faustina Bordoni. Nos "Ospedali", as meninas órfãs ou pobres recebem uma educação musical completa e seu virtuosismo as torna famosas em toda a Europa. Na cidade durante o Carnaval, drama e comédia são onipresentes.
O renome internacional de pintores e escultores venezianos é tal que eles são convidados por muitos mecenas europeus. Eles viajam para a Inglaterra, França, Alemanha e Áustria, onde introduzem um estilo dinâmico e colorido que assume a forma da rocaille na França, rococó nos países germânicos e contribui para a formação de novas gerações de criadores. Contudo a situação política e econômica de Veneza torna-se cada vez mais frágil a partir de 1760.
Ao longo do século XVIII, o mito de Veneza, cidade única por sua história, sua arquitetura, seu modo de vida, sua vitalidade festiva, se desenvolve pouco a pouco. Com Tiepolo e Pietro Longhi, a pintura cede gradualmente para a representação agradável de uma vida, colorida e sonora, povoada por estranhas figuras mascaradas. Goldoni restitui de forma cômica, em suas peças, as contradições da sociedade contemporânea. No entanto, por trás da pompa das cerimônias públicas, a organização oligárquica do Estado e da economia se esclerosa perigosamente. A intervenção de Napoleão Bonaparte provoca a queda da República em 1797.
A exposição é uma homenagem a esta página da história artística da Serenissima, pela escolha das pinturas mais significativas, esculturas, desenhos e objetos, bem como pela presença de atores e músicos.
Grand Palais
www.grandpalais.fr
Herdeira de uma tradição multisecular, a civilização veneziana brilha em toda sua glória no início do século XVIII, no campo das artes plásticas, artes decorativas, música e ópera. Graças à presença de grandes talentos, entre os quais, os pintores Piazzetta e Giambattista Tiepolo, Canaletto, os escultores Brustolon e Corradini, Veneza cultiva um luxo e estética únicos. Vive-se a música intensamente através das criações de compositores como Porpora, Hasse, Vivaldi, servido por cantores de renome internacional como o castrato Farinelli ou a soprano Faustina Bordoni. Nos "Ospedali", as meninas órfãs ou pobres recebem uma educação musical completa e seu virtuosismo as torna famosas em toda a Europa. Na cidade durante o Carnaval, drama e comédia são onipresentes.
O renome internacional de pintores e escultores venezianos é tal que eles são convidados por muitos mecenas europeus. Eles viajam para a Inglaterra, França, Alemanha e Áustria, onde introduzem um estilo dinâmico e colorido que assume a forma da rocaille na França, rococó nos países germânicos e contribui para a formação de novas gerações de criadores. Contudo a situação política e econômica de Veneza torna-se cada vez mais frágil a partir de 1760.
Ao longo do século XVIII, o mito de Veneza, cidade única por sua história, sua arquitetura, seu modo de vida, sua vitalidade festiva, se desenvolve pouco a pouco. Com Tiepolo e Pietro Longhi, a pintura cede gradualmente para a representação agradável de uma vida, colorida e sonora, povoada por estranhas figuras mascaradas. Goldoni restitui de forma cômica, em suas peças, as contradições da sociedade contemporânea. No entanto, por trás da pompa das cerimônias públicas, a organização oligárquica do Estado e da economia se esclerosa perigosamente. A intervenção de Napoleão Bonaparte provoca a queda da República em 1797.
A exposição é uma homenagem a esta página da história artística da Serenissima, pela escolha das pinturas mais significativas, esculturas, desenhos e objetos, bem como pela presença de atores e músicos.
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The turquoise Stack, Torbjørn Kvasbø, 2012. alt 100 diam 80 cm.
Foto : Thomas Teeter. © Torbjørn KvasbøPhoto
FORCES DE LA NATURE, trois artistes norvégiens – exposição de 26 de Setembro de 2018 a 1° de Abril de 2019
A exposição « Forças da natureza » celebra a criatividade da Noruega nos campos da cerâmica contemporânea e tapeçaria, apresentando 65 obras dos anos 2000 até os dias de hoje, projetadas por Kari Dyrdal, Torbjørn Kvasbø e Marit Tingleff, três artistas noruegueses com percursos reconhecidos internacionalmente. Esses artistas graduaram-se na escola de artes aplicadas em Bergen em 1977-1978, numa década de revolução pedagógica e vontade de internacionalizar as influências artísticas na Noruega. O vínculo estreito entre eles reside no poder de sua expressão plástica abstrata, que evoca as forças de crescimento e transformação da natureza.
Kari Dyrdal, que nasceu em 1952, é uma tecelã que utiliza tecnologias digitais renovando a produção clássica da arte têxtil. Ela trabalha em ciclos temáticos como a ondulação das águas na série Espelhos, ou os elementos mecânicos do antigo tear Jacquard. A artista inicia com imagens fotográficas que ela mesma cria e as transpõe em uma superfície para tecer. Ela trabalha as cores e texturas de acordo com suas visões quase abstratas. Uma obra extremamente tátil.
Nascido em 1953, Torbjørn Kvasbø é atualmente um dos mais importantes escultores-ceramistas da Europa. Seu trabalho explora o potencial da terra inspirando-se da paisagem de seu país e também da plástica do corpo humano. As superfícies ásperas de suas primeiras esculturas ganham cores brilhantes nas produções atuais e a forma tubular, constante no seu trabalho, abre-se e ganha maiores dimensões.
Marit Tingleff nasceu em 1954 e é uma das melhores ceramistas de sua geração. Com seus grandes pratos e placas de parede, ela renova a cerâmica tradicional e a decoração gráfica em cerâmica. Nos últimos anos, ela aproveitou os recursos técnicos da Academia Nacional de artes em Oslo, onde ela ensina, para realizar pratos gigantescos, como grandes pinturas de paisagens. Essas placas pesadas podem exceder dois metros de comprimento por um metro de largura. Elas são pintadas com cores vivas a base de óxidos de cobre e produzem o efeito de murais onde figuram matas ou paisagens abstratas.
Musée National de Céramique – 2, place de la Manufacture, 92310 Sèvres
www.sevresceramique.fr
A exposição « Forças da natureza » celebra a criatividade da Noruega nos campos da cerâmica contemporânea e tapeçaria, apresentando 65 obras dos anos 2000 até os dias de hoje, projetadas por Kari Dyrdal, Torbjørn Kvasbø e Marit Tingleff, três artistas noruegueses com percursos reconhecidos internacionalmente. Esses artistas graduaram-se na escola de artes aplicadas em Bergen em 1977-1978, numa década de revolução pedagógica e vontade de internacionalizar as influências artísticas na Noruega. O vínculo estreito entre eles reside no poder de sua expressão plástica abstrata, que evoca as forças de crescimento e transformação da natureza.
Kari Dyrdal, que nasceu em 1952, é uma tecelã que utiliza tecnologias digitais renovando a produção clássica da arte têxtil. Ela trabalha em ciclos temáticos como a ondulação das águas na série Espelhos, ou os elementos mecânicos do antigo tear Jacquard. A artista inicia com imagens fotográficas que ela mesma cria e as transpõe em uma superfície para tecer. Ela trabalha as cores e texturas de acordo com suas visões quase abstratas. Uma obra extremamente tátil.
Nascido em 1953, Torbjørn Kvasbø é atualmente um dos mais importantes escultores-ceramistas da Europa. Seu trabalho explora o potencial da terra inspirando-se da paisagem de seu país e também da plástica do corpo humano. As superfícies ásperas de suas primeiras esculturas ganham cores brilhantes nas produções atuais e a forma tubular, constante no seu trabalho, abre-se e ganha maiores dimensões.
Marit Tingleff nasceu em 1954 e é uma das melhores ceramistas de sua geração. Com seus grandes pratos e placas de parede, ela renova a cerâmica tradicional e a decoração gráfica em cerâmica. Nos últimos anos, ela aproveitou os recursos técnicos da Academia Nacional de artes em Oslo, onde ela ensina, para realizar pratos gigantescos, como grandes pinturas de paisagens. Essas placas pesadas podem exceder dois metros de comprimento por um metro de largura. Elas são pintadas com cores vivas a base de óxidos de cobre e produzem o efeito de murais onde figuram matas ou paisagens abstratas.
Musée National de Céramique – 2, place de la Manufacture, 92310 Sèvres
www.sevresceramique.fr
Alphonse Mucha
Rêverie
1897
Litografia em cor
72.7 x 55.2 cm
Fundação Mucha, Praga
© Mucha Trust 2018
ALPHONSE MUCHA – exposição de 12 de Setembro de 2018 a 27 de Janeiro de 2019
Alphonse Mucha (1860 – 1939) é um artista tcheco famoso no movimento Art Nouveau do qual foi sem dúvida o representante mais popular. Mucha chegou a Paris em 1887 e iniciou sua carreira como ilustrador. Em dezembro de 1894, seu encontro com a grande atriz Sarah Bernhardt lançou sua carreira de ilustrador. Ele criou para ela o pôster para a peça de teatro Gismonda, o primeiro de uma longa série de cartazes publicitários, ou simplesmente decorativos, utilizando um repertório de figuras femininas, infinitamente variável, entrelaçado com flores e volutas gráficas, que trará imenso renome e a amizade de artistas como Gauguin ou Rodin. Ao mesmo tempo, ele é solicitado para obras de decoração pelo joalheiro Georges Fouquet, ou ilustração para livros. A partir de 1900 e por ocasião da Exposição Universal, ele começou a conceber um projeto que retrata a história e a civilização do povo tcheco e dos povos eslavos. Esta empresa, matizada de filosofia humanista, ocupará os últimos trinta anos de sua carreira e o levará a pintar telas gigantescas, para as quais produz uma quantidade abundante de estudos preparatórios. Essa retrospectiva mostra não apenas os cartazes que fizeram sua fama, mas também suas pinturas, fotografias, jóias, esculturas, pastéis que permitem descobrir toda a diversidade de sua arte.
Musée du Luxembourg - 19, rue Vaugirard, 75006 Paris
https://museeduluxembourg.fr/expositions/alphonse-muchagrandpalais.fr
Atelier des Lumières ©Culturespaces/E.Spiller
ATELIER DES LUMIERES
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
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Yuko NOHARA, Visage, 2000, Crayon sur papier,
26 x 36 cm, Collection de l’artiste
ART BRUT JAPONAIS II – exposição de 8 de Setembro de 2018 a 10 de Março de 2019
Há oito anos atrás a Halle Saint Pierre apresentou com grande sucesso Arte Bruta Japonesa, que permitiu ao público descobrir sessenta e três artistas quase todos desconhecidos. A apresentação constituiu um mosaico de universos intensos e singulares, portadores de significados quase misteriosos. Os trabalhos apresentados na exposição Arte Bruta Japonesa II são o resultado de novas prospecções. Cerca de cinquenta criadores confirmam que, em todas as culturas, personalidades singulares inventam sua própria mitologia e sua própria linguagem figurativa. Vindo de oficinas ou trabalhando de forma autônoma e independente, esses criadores, muitas vezes confrontados com um isolamento mental ou social, usam todas as técnicas, todos os materiais, desviando até mesmo os códigos mais tradicionais da cerâmica ou do origami. Essas obras de arte são uma operação artística pura, crua, que partem apenas dos próprios impulsos de seus criadores, como notou Jean Dubuffet, o artista plástico francês que concebeu a expressão « arte bruta » em 1945. A arte bruta não conhece limites históricos, culturais, formais ou geográficos. Os criadores japoneses apresentados na exposição são a demonstração.
La Halle Saint Pierre – 2, rue de Ronsard - 75018 Paris
www.hallesaintpierre.org
Há oito anos atrás a Halle Saint Pierre apresentou com grande sucesso Arte Bruta Japonesa, que permitiu ao público descobrir sessenta e três artistas quase todos desconhecidos. A apresentação constituiu um mosaico de universos intensos e singulares, portadores de significados quase misteriosos. Os trabalhos apresentados na exposição Arte Bruta Japonesa II são o resultado de novas prospecções. Cerca de cinquenta criadores confirmam que, em todas as culturas, personalidades singulares inventam sua própria mitologia e sua própria linguagem figurativa. Vindo de oficinas ou trabalhando de forma autônoma e independente, esses criadores, muitas vezes confrontados com um isolamento mental ou social, usam todas as técnicas, todos os materiais, desviando até mesmo os códigos mais tradicionais da cerâmica ou do origami. Essas obras de arte são uma operação artística pura, crua, que partem apenas dos próprios impulsos de seus criadores, como notou Jean Dubuffet, o artista plástico francês que concebeu a expressão « arte bruta » em 1945. A arte bruta não conhece limites históricos, culturais, formais ou geográficos. Os criadores japoneses apresentados na exposição são a demonstração.
La Halle Saint Pierre – 2, rue de Ronsard - 75018 Paris
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A CIDADE DE SÈTE E O MUSEU PAUL VALERY
A cidade de Sète, a 30 minutos de Montpellier, está localizada entre o Mediterrâneo e o lago de Thau. Com seus típicos bairros atravessados por canais que refletem as fachadas coloridas das docas, Sète é um balneário concorrido. Conservou toda a autenticidade devido aos seus portos, em pleno coração da cidade. O cume do Monte Saint-Clair oferece uma vista da cidade, também chamada de "Veneza de Languedoc", devido à sua rede de canais. Localizado nas encostas do Monte Saint Clair, em um terraço com vista para o Cemitério Marinho e o Mediterrâneo, o Museu Paul Valéry tem uma vista e localização excepcionais. Sua arquitetura projetada pelo arquiteto Guy Guillaume data do início dos anos 70 e se encaixa na lógica dos edifícios de Corbusier. Os jardins circundantes apresentam regularmente eventos ao ar livre. As coleções do museu abrangem cerca de 8.000 obras. A coleção de Belas Artes é composta de obras do século XVII até os dias de hoje complementadas por outras coleções sendo uma de Paul Valéry, o grande poeta da modernidade.
Musée Paul Valery - 148 Rue François Desnoyer, 34200 Sète
museepaulvalery-sete.fr
FUNDAÇÃO PIERRE GIANADDA, Martigny, Suiça
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
"São Martinho", Escola Creto-veneziana, em torno de 1500 © Petit Palais
COLEÇÃO DE ÍCONES E DAS ARTES CRISTÃS DO ORIENTE
O Petit Palais inaugurou uma bela sala dedicada à sua notável coleção de ícones e artes cristãs do Oriente. Esse conjunto dará uma visão da arte sagrada e das práticas do culto do Oriente cristão do século X ao século XIX, desde a Grécia até a Etiópia, passando pelos Balcãs, pelas ilhas do Mediterrâneo e a Rússia. Os ícones desta coleção são oriundos de diferentes escolas de pintura presentes no mundo ortodoxo do século XV ao XIX. A queda de Constantinopla em 1453 levou ao fim do Império Bizantino onde foram criadas estas pinturas sobre madeira com fundo dourado representando o Cristo, a Virgem ou os santos. Os objetos de culto permaneceram em uso nas comunidades cristãs da Grécia e dos Balcãs que, após a queda de Constantinopla, passaram sob domínio otomano. A Creta, possessão de Veneza e onde numerosos artistas de Constantinopla encontraram refúgio, se tornou o novo centro de produção ligada à Itália. A Rússia, nova guardiã da herança ortodoxa, continuou a produzir ícones procedentes de diferentes centros artísticos, que desde a Idade Média, tinham copiado as regras do Império Bizantino. Uma magnífica coleção !
Petit Palais - Avenue Winston Churchill, 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr/
Telhado do Grande Arco da Défense, visto do drone © Riad Kneife
LA GRANDE ARCHE DE LA DEFENSE
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
Centro de Criação Contemporânea Olivier Debré (CCCOD) em Tours
CENTRE DE CREATION CONTEMPORAINE OLIVIER DEBRE (CCC OD) - cidade de Tours
Tours, cidade de história, arte e cultura situada no vale do Loire, inaugura em pleno coração da cidade, o novo centro de arte contemporânea Olivier Debré. O edifício dos anos 50 préexistente, emblemático de um patrimônio arquitetural e expressão da memória coletiva, foi preservado e completado pela proposição original da agência dos irmãos arquitetos portugueses Manuel e Francisco Aires Mateus - um novo volume com revestimento de pedra que se eleva acima de uma galeria de vidro. O interior compõ-se de três núcleos principais : uma nave visível em permanência do exterior, uma galeria branca, o white cub, um espaço de grandes volumes que recebe luz a partir de uma iluminação zenital indireta. E a galeria escura, que oferece a possibilidade de um escuro total, um pedido que tornou-se recorrente nas práticas de exposições contemporâneas (videos, obras luminosas, digital…). Pequenas galerias, em torno das duas grandes, oferecem outros espaços de exposição. Dois auditórios acolherão conferências e projeções. A livraria propõe uma seleção de livros de arte e no primeiro andar o Café será um ponto de encontro de referência da cidade. A arquitetura do CCC OD é luminosa, sóbria e de agradável percurso.
CCC OD - Jardin François 1er, 37000 Tours
www.cccod.fr
Tours, cidade de história, arte e cultura situada no vale do Loire, inaugura em pleno coração da cidade, o novo centro de arte contemporânea Olivier Debré. O edifício dos anos 50 préexistente, emblemático de um patrimônio arquitetural e expressão da memória coletiva, foi preservado e completado pela proposição original da agência dos irmãos arquitetos portugueses Manuel e Francisco Aires Mateus - um novo volume com revestimento de pedra que se eleva acima de uma galeria de vidro. O interior compõ-se de três núcleos principais : uma nave visível em permanência do exterior, uma galeria branca, o white cub, um espaço de grandes volumes que recebe luz a partir de uma iluminação zenital indireta. E a galeria escura, que oferece a possibilidade de um escuro total, um pedido que tornou-se recorrente nas práticas de exposições contemporâneas (videos, obras luminosas, digital…). Pequenas galerias, em torno das duas grandes, oferecem outros espaços de exposição. Dois auditórios acolherão conferências e projeções. A livraria propõe uma seleção de livros de arte e no primeiro andar o Café será um ponto de encontro de referência da cidade. A arquitetura do CCC OD é luminosa, sóbria e de agradável percurso.
CCC OD - Jardin François 1er, 37000 Tours
www.cccod.fr
Confluentia, de Bina Baitel. Tecelagem Atelier Françoise Vernaudon © Eric Roger/Cité Internationale de la Tapisserie
CITE INTERNATIONALE DE LA TAPISSERIE em Aubusson
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
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CHATEAU DU CLOS LUCE
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
www.vinci-closluce.com
Jardins de Valloires © R. Duthilleul SMBS -GLP
JARDINS DE VALLOIRES na Picardia
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Abadia de Auberive - ala oeste
L’ABBAYE DE L’AUBERIVE
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Les Caves du Louvre
LES CAVES DU LOUVRE
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
"Axis Mundi" de Charles Sandison
MUDO – Musée de l’Oise – Beauvais
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
Abadia de Royaumont
Abadia e Fundação Royaumont – cerca de 35 km ao norte
de Paris
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
Parc du Petit Prince
Parc du Petit Prince – Parque do Pequeno Príncipe –
Alsácia
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.
Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
.
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.
Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
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Château de Chaumont sur Loire
©E. Sander
Château de Chaumont sur Loire – a menos de duas horas de
Paris
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
Domaine de Villarceaux
Dominio de Villarceaux - cercanias de Paris
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
Villa des Brillants à Meudon
Musée Rodin – Villa des Brillants – Meudon (a 20 minutos de Paris)
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
