Louis Boulanger, Claude Frollo et la Esmeralda, Illust. de " Notre-Dame de Paris", vers 1831, © Maisons de Victor Hugo Paris-Guernesey Paris Musées
LOUIS BOULANGER, peintre rêveur – exposição até 5 de Março de 2022
A Maison de Victor Hugo continua seu programa dedicado aos pintores próximos a Victor Hugo, com uma exposição dedicada a Louis Boulanger (1806-1867). De todos os pintores do cenáculo romântico, Louis Boulanger foi o mais próximo de Victor Hugo. Suas amizades com vários artistas e escritores como Alexandre Dumas e Balzac, que lhe dedicaram La Femme de trente ans, e sua cumplicidade com pintores como os irmãos Devéria, Alexandre Colin e Eugène Giraud, fizeram dele uma figura central da época. Com o grande sucesso de seu Mazeppa no Salão de 1827, ele se tornou um dos pontos focais de sua geração, e é freqüentemente referido como "o pintor do Mazeppa". No entanto, seu trabalho é rico e diversificado. Campeão do Romantismo, Boulanger explorou todo o espectro, desde visões frenéticas e violentas até temas literários mais leves. Ele abordou todas as técnicas, dando suas cartas de nobreza à novíssima litografia e dando um poder monumental à aquarela, que entrou na moda na Inglaterra. Ele foi o primeiro a desenhar figurinos teatrais e assim ajudou a criar a identidade visual do drama romântico. Esta exposição monográfica reúne 180 obras emprestadas de mais de 30 instituições e oferece uma oportunidade de descobrir este pintor romântico do século XIX que é injustamente ignorado.
MAISON de VICTOR HUGO - 6, place des Vosges 75004
www.maisonsvictorhugo.paris.f
A Maison de Victor Hugo continua seu programa dedicado aos pintores próximos a Victor Hugo, com uma exposição dedicada a Louis Boulanger (1806-1867). De todos os pintores do cenáculo romântico, Louis Boulanger foi o mais próximo de Victor Hugo. Suas amizades com vários artistas e escritores como Alexandre Dumas e Balzac, que lhe dedicaram La Femme de trente ans, e sua cumplicidade com pintores como os irmãos Devéria, Alexandre Colin e Eugène Giraud, fizeram dele uma figura central da época. Com o grande sucesso de seu Mazeppa no Salão de 1827, ele se tornou um dos pontos focais de sua geração, e é freqüentemente referido como "o pintor do Mazeppa". No entanto, seu trabalho é rico e diversificado. Campeão do Romantismo, Boulanger explorou todo o espectro, desde visões frenéticas e violentas até temas literários mais leves. Ele abordou todas as técnicas, dando suas cartas de nobreza à novíssima litografia e dando um poder monumental à aquarela, que entrou na moda na Inglaterra. Ele foi o primeiro a desenhar figurinos teatrais e assim ajudou a criar a identidade visual do drama romântico. Esta exposição monográfica reúne 180 obras emprestadas de mais de 30 instituições e oferece uma oportunidade de descobrir este pintor romântico do século XIX que é injustamente ignorado.
MAISON de VICTOR HUGO - 6, place des Vosges 75004
www.maisonsvictorhugo.paris.f
Fu Baoshi (1904-1965)
Tempête, daté 1944
Encre et couleurs sur papier
116,1 x 79,3 cm
M.C. 8662
Don de M. Guo Youshou, 1953
© Paris Musées / Musée Cernuschi
© Fu Baoshi
Fu Baoshi (1904-1965)
Tempête, datado 1944
Tinta e cor sobre papel
116,1 x 79,3 cm
M.C. 8662
Don de M. Guo Youshou, 1953
© Paris Musées / Musée Cernuschi
© Fu Baoshi
L’ENCRE EN MOUVEMENT, UNE HISTOIRE DE LA PEINTURE CHINOISE AU XXe SIÈCLE – exposição até 19 de Fevereiro de 2023
O Musée Cernuschi, que possui uma das mais importantes coleções européias de pinturas chinesas modernas e contemporâneas, apresenta pela primeira vez uma exposição exclusivamente dedicada à pintura chinesa do século XX com a exposição A tinta em movimento, uma história da pintura chinesa no século XX. Ela reúne mais de setenta obras de trinta e seis artistas chineses. A apresentação destes frágeis tesouros feitos de tinta e papel, que não podem ser expostos permanentemente à luz, é um evento. Do fim do Império à Revolução de 1949, a China do século XX foi palco de profundas mudanças. A pintura chinesa está em sintonia com essas mudanças. Definida há séculos pelo uso da tinta, reinventa-se através do contacto com a pintura a óleo e a fotografia, mas também graças à redescoberta do seu próprio passado. A viagem de artistas, homens e mulheres, desempenha um papel preponderante nesta renovação. Se os destinos evoluem de uma geração para outra, as trocas estendem-se da Europa à América, sem esquecer a Ásia. A pintura a tinta está profundamente marcada por este diálogo intercultural e, ao longo do século, está no centro dos debates teóricos, quer se trate da definição de uma pintura nacional, da questão da política, do realismo ou da abstração. A coleção de pintura chinesa do Museu Cernuschi, construída a partir da década de 1950, inclui várias centenas de obras. É uma das raras coleções na Europa que conservam pinturas de mestres ativos na China, como Qi Baishi, Fu Baoshi, Wu Guanzhong ou Li Jin, bem como as obras das maiores figuras desta diáspora artística como Zhang Daqian, Zao Wouki, Walasse Ting ou Ma Desheng. Para melhor compreender este século de movimento e criação, a exposição é pontuada por arquivos filmados que permitem compreender as questões estritamente gestuais da pintura a tinta, a partir das demonstrações virtuosas dos mestres , até os acontecimentos que questionam radicalmente a própria relação entre tinta e pincel. Esses filmes muito raros, que apresentam os maiores criadores do século 20, realmente mostram a tinta em movimento.
MUSÉE CERNUSCHI, Musée des arts de l’Asie de la Ville de Paris - 7, avenue Vélasquez, 75008 Paris www.cernuschi.paris.fr
O Musée Cernuschi, que possui uma das mais importantes coleções européias de pinturas chinesas modernas e contemporâneas, apresenta pela primeira vez uma exposição exclusivamente dedicada à pintura chinesa do século XX com a exposição A tinta em movimento, uma história da pintura chinesa no século XX. Ela reúne mais de setenta obras de trinta e seis artistas chineses. A apresentação destes frágeis tesouros feitos de tinta e papel, que não podem ser expostos permanentemente à luz, é um evento. Do fim do Império à Revolução de 1949, a China do século XX foi palco de profundas mudanças. A pintura chinesa está em sintonia com essas mudanças. Definida há séculos pelo uso da tinta, reinventa-se através do contacto com a pintura a óleo e a fotografia, mas também graças à redescoberta do seu próprio passado. A viagem de artistas, homens e mulheres, desempenha um papel preponderante nesta renovação. Se os destinos evoluem de uma geração para outra, as trocas estendem-se da Europa à América, sem esquecer a Ásia. A pintura a tinta está profundamente marcada por este diálogo intercultural e, ao longo do século, está no centro dos debates teóricos, quer se trate da definição de uma pintura nacional, da questão da política, do realismo ou da abstração. A coleção de pintura chinesa do Museu Cernuschi, construída a partir da década de 1950, inclui várias centenas de obras. É uma das raras coleções na Europa que conservam pinturas de mestres ativos na China, como Qi Baishi, Fu Baoshi, Wu Guanzhong ou Li Jin, bem como as obras das maiores figuras desta diáspora artística como Zhang Daqian, Zao Wouki, Walasse Ting ou Ma Desheng. Para melhor compreender este século de movimento e criação, a exposição é pontuada por arquivos filmados que permitem compreender as questões estritamente gestuais da pintura a tinta, a partir das demonstrações virtuosas dos mestres , até os acontecimentos que questionam radicalmente a própria relação entre tinta e pincel. Esses filmes muito raros, que apresentam os maiores criadores do século 20, realmente mostram a tinta em movimento.
MUSÉE CERNUSCHI, Musée des arts de l’Asie de la Ville de Paris - 7, avenue Vélasquez, 75008 Paris www.cernuschi.paris.fr
Walter Sickert, The Acting Manager,
vers 1885-1886, Londres,
Collection particulière
© Christie’s Images / Bridgeman Images
WALTER SICKERT, Peindre et transgresser – exposição até 29 de Janeiro de 2023
O Petit Palais apresenta uma grande retrospectiva dedicada ao pintor inglês Walter Sickert (1860-1942). Este artista decididamente moderno, com seus temas enigmáticos, forjou laços artísticos e amistosos com muitos artistas franceses e importou para a Inglaterra uma forma de pintura que foi fortemente influenciada por suas estadas em Paris. Este artista singular que teve um impacto decisivo na pintura figurativa inglesa, especialmente em Lucian Freud. A primeira seção do percurso, através de uma seleção de auto-retratos pintados ao longo de sua vida, fornece uma visão de sua personalidade enigmática, complexa e sedutora. Muito provocativo, no contexto de uma arte acadêmica inglesa relativamente rigorosa, Sickert pintou temas considerados ousados demais na época, tais como cenas de music hall ou, mais tarde, nus deserotizados, apresentados de forma prosaica em interiores pobres da cidade de Camden. Suas escolhas de cores virtuosas e estranhas, herdadas de seu aprendizado com Whistler, bem como seu enquadramento enigmático, impressionaram seus contemporâneos. A partir de 1890, ele viajou regularmente para Paris e Dieppe até se estabelecer no balneário de 1898 a 1905, onde pintou muitas vistas. Ele foi então influenciado pela cena artística francesa. De volta a Londres em 1905, ele disseminou seus bons conhecimentos de pintura francesa na Inglaterra através de suas críticas, sua influência em certas exposições e seu ensino. Nesta época ele começou sua série de "peças de conversação moderna", que transformou as cenas clássicas e tradicionais do gênero da pintura inglesa em pinturas ambíguas, ameaçadoras e até sórdidas, sendo o exemplo mais famoso a série "Camden Town Murders". No final de sua carreira, durante o período entre guerras, Sickert inovou ao desviar e transpor imagens de imprensa para pinturas, um processo que foi amplamente retomado a partir dos anos 50 por artistas como Andy Warhol. Embora não tenha dado o passo para a abstração, ele provocou constantemente o mundo da arte e o público com suas invenções iconográficas e pictóricas. A posteridade de seu trabalho é palpável no trabalho de muitos artistas de gerações posteriores.
Petit Palais - Av. Winston Churchill, 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr/
O Petit Palais apresenta uma grande retrospectiva dedicada ao pintor inglês Walter Sickert (1860-1942). Este artista decididamente moderno, com seus temas enigmáticos, forjou laços artísticos e amistosos com muitos artistas franceses e importou para a Inglaterra uma forma de pintura que foi fortemente influenciada por suas estadas em Paris. Este artista singular que teve um impacto decisivo na pintura figurativa inglesa, especialmente em Lucian Freud. A primeira seção do percurso, através de uma seleção de auto-retratos pintados ao longo de sua vida, fornece uma visão de sua personalidade enigmática, complexa e sedutora. Muito provocativo, no contexto de uma arte acadêmica inglesa relativamente rigorosa, Sickert pintou temas considerados ousados demais na época, tais como cenas de music hall ou, mais tarde, nus deserotizados, apresentados de forma prosaica em interiores pobres da cidade de Camden. Suas escolhas de cores virtuosas e estranhas, herdadas de seu aprendizado com Whistler, bem como seu enquadramento enigmático, impressionaram seus contemporâneos. A partir de 1890, ele viajou regularmente para Paris e Dieppe até se estabelecer no balneário de 1898 a 1905, onde pintou muitas vistas. Ele foi então influenciado pela cena artística francesa. De volta a Londres em 1905, ele disseminou seus bons conhecimentos de pintura francesa na Inglaterra através de suas críticas, sua influência em certas exposições e seu ensino. Nesta época ele começou sua série de "peças de conversação moderna", que transformou as cenas clássicas e tradicionais do gênero da pintura inglesa em pinturas ambíguas, ameaçadoras e até sórdidas, sendo o exemplo mais famoso a série "Camden Town Murders". No final de sua carreira, durante o período entre guerras, Sickert inovou ao desviar e transpor imagens de imprensa para pinturas, um processo que foi amplamente retomado a partir dos anos 50 por artistas como Andy Warhol. Embora não tenha dado o passo para a abstração, ele provocou constantemente o mundo da arte e o público com suas invenções iconográficas e pictóricas. A posteridade de seu trabalho é palpável no trabalho de muitos artistas de gerações posteriores.
Petit Palais - Av. Winston Churchill, 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr/
IMPRESSIONS, AU FIL DE L’OISE – até o dia 5 de Fevereiro de 2023
Durante a segunda metade do século XIX, uma verdadeira colônia de artistas se reuniu no Vale do Oise, um afluente do Sena, cujas diversas paisagens eram particularmente adequadas para a expressão de sua arte. Todos eles foram movidos pelo desejo de pintar ao ar livre os locais encantadores de Pontoise, Auvers e L'Isle-Adam. Os infinitos campos de trigo, as encostas arborizadas e o rio cintilante oferecem motivos pelos quais os vários movimentos pictóricos florescerão, desde o pré-impressionismo ilustrado por Dupré e Daubigny, até o pós-impressionismo de Van Gogh, passando pelas figuras-chave do impressionismo como Pissarro, Cézanne ou Guillaumin. Os museus de L'Isle-Adam, Auvers-sur-Oise e Pontoise, propõem uma exposição conjunta sobre três grandes artistas de suas coleções: Jules Dupré (1811-1889), Charles François Daubigny (1817-1878) e Camille Pissarro (1830-1903). Através de suas personalidades e talentos, estes pintores atraíram muitos amigos e estudantes, tornando o vale do Oise um grande centro artístico.
Jules Dupré à L’Isle-Adam
Jules Dupré se estabeleceu em L’Isle-Adam em 1845. Ele encontrou no vale do Oise os elementos característicos de sua iconografia pessoal: floresta água e céus nublados. Jules Dupré desempenhou um papel decisivo na história da pintura de paisagens no século XIX. Sob seu pincel, a pincelada se solta e não se trata mais de fidelidade absoluta à natureza, mas de pura pintura, cores, luz e emoção. Como seus amigos, Corot e Daubigny, Jules Dupré influenciaria os futuros impressionistas.
Musée d’Art et d’Histoire Louis-Senlecq- 31, Grande Rue – 95290 L’Isle-Adam musee@ville-isle- www.musee.ville-isle-adam.fr
Charles François Daubigny – Auvers-sur-Oise
Em 1860, Daubigny construiu uma casa-estudio em Auvers-sur-Oise, a Villa des Vallées, que se tornou o ponto de encontro de muitos artistas. Adeptos da pintura ao ar livre, eles foram com o mestre para representar a diversidade das paisagens do vale do Oise. O Museu propõe colocar em perspectiva as obras pintadas por Daubigny e seus alunos em torno de temas-chave dos quais criarão infinitas variações: a primavera, o Oise, o trabalho no campo, as cenas pastorais.
Musée Daubigny, Manoir des Colombières, Rue de la Sansonne, 95430 Auvers-sur-Oise www.museedaubigny.com
Camille Pissarro – Pontoise
Camille Pissarro descreveu a cidade de Pontoise de uma maneira completamente nova, inspirando-se na realidade pictórica da paisagem ao seu redor para sublimá-la e recriar uma imagem a partir de sua percepção. Ele viveu lá por quase 15 anos, pintando mais de 300 quadros. Pissarro continuou a revolução estética, particularmente através do clareamento da sua paleta e pela escolha dos temas da vida rural. No Vale do Oise, Pissarro e Cézanne confrontaram suas pesquisas mais radicais lado a lado durante dez anos.
Musée Camille-Pissarro 17, rue du Château – 95300 Pontoise
www.ville-pontoise.fr/le-musee-camille-pissarro
Durante a segunda metade do século XIX, uma verdadeira colônia de artistas se reuniu no Vale do Oise, um afluente do Sena, cujas diversas paisagens eram particularmente adequadas para a expressão de sua arte. Todos eles foram movidos pelo desejo de pintar ao ar livre os locais encantadores de Pontoise, Auvers e L'Isle-Adam. Os infinitos campos de trigo, as encostas arborizadas e o rio cintilante oferecem motivos pelos quais os vários movimentos pictóricos florescerão, desde o pré-impressionismo ilustrado por Dupré e Daubigny, até o pós-impressionismo de Van Gogh, passando pelas figuras-chave do impressionismo como Pissarro, Cézanne ou Guillaumin. Os museus de L'Isle-Adam, Auvers-sur-Oise e Pontoise, propõem uma exposição conjunta sobre três grandes artistas de suas coleções: Jules Dupré (1811-1889), Charles François Daubigny (1817-1878) e Camille Pissarro (1830-1903). Através de suas personalidades e talentos, estes pintores atraíram muitos amigos e estudantes, tornando o vale do Oise um grande centro artístico.
Jules Dupré à L’Isle-Adam
Jules Dupré se estabeleceu em L’Isle-Adam em 1845. Ele encontrou no vale do Oise os elementos característicos de sua iconografia pessoal: floresta água e céus nublados. Jules Dupré desempenhou um papel decisivo na história da pintura de paisagens no século XIX. Sob seu pincel, a pincelada se solta e não se trata mais de fidelidade absoluta à natureza, mas de pura pintura, cores, luz e emoção. Como seus amigos, Corot e Daubigny, Jules Dupré influenciaria os futuros impressionistas.
Musée d’Art et d’Histoire Louis-Senlecq- 31, Grande Rue – 95290 L’Isle-Adam musee@ville-isle- www.musee.ville-isle-adam.fr
Charles François Daubigny – Auvers-sur-Oise
Em 1860, Daubigny construiu uma casa-estudio em Auvers-sur-Oise, a Villa des Vallées, que se tornou o ponto de encontro de muitos artistas. Adeptos da pintura ao ar livre, eles foram com o mestre para representar a diversidade das paisagens do vale do Oise. O Museu propõe colocar em perspectiva as obras pintadas por Daubigny e seus alunos em torno de temas-chave dos quais criarão infinitas variações: a primavera, o Oise, o trabalho no campo, as cenas pastorais.
Musée Daubigny, Manoir des Colombières, Rue de la Sansonne, 95430 Auvers-sur-Oise www.museedaubigny.com
Camille Pissarro – Pontoise
Camille Pissarro descreveu a cidade de Pontoise de uma maneira completamente nova, inspirando-se na realidade pictórica da paisagem ao seu redor para sublimá-la e recriar uma imagem a partir de sua percepção. Ele viveu lá por quase 15 anos, pintando mais de 300 quadros. Pissarro continuou a revolução estética, particularmente através do clareamento da sua paleta e pela escolha dos temas da vida rural. No Vale do Oise, Pissarro e Cézanne confrontaram suas pesquisas mais radicais lado a lado durante dez anos.
Musée Camille-Pissarro 17, rue du Château – 95300 Pontoise
www.ville-pontoise.fr/le-musee-camille-pissarro
Kees Van Dongen, Fernande Olivier, 1907, oleo sobre cartão, 39x35cm, Montpellier, Musée Fabre, Inv 39.1.5
FERNANDE OLIVIER ET PABLO PICASSO, dans l’intimité du Bateau-Lavoir – exposição até 19 de Fevereiro de 2023
A exposição Fernande Olivier e Pablo Picasso presta homenagem a Fernande Olivier, a mulher que partilhou a vida de Picasso de 1904 a 1912, antes de se tornar um dos artistas mais famosos do mundo. Uma mulher independente, que foi modelo e escritora e que, muito jovem, fugiu de um marido violento, para se reinventar sob o nome de Fernande Olivier. Ela foi uma testemunha íntima de uma época, a da boêmia de Montmartre, a do nascimento da arte moderna. Em 1901, Fernande se mudou para o Bateau-Lavoir, o estranho edifício antigo que assistiria ao nascimento dos maiores artistas do século 20. Ela passou seus anos mais felizes lá com Pablo Picasso que conheceu em agosto de 1904, quatro meses após a chegada do jovem ao Bateau Lavoir. Fernande o viu passar de seu período azul para seu período rosa. Fernande esteve no centro da evolução pictórica de Pablo em direção ao cubismo, sobre a qual escreverá: "Vi nascer e acompanhei seu lento desenvolvimento". Ela publicou um precioso testemunho, Picasso et ses amis, na editora Stock em 1933, onde narra com grande humor e às vezes um pouco de causticidade : Braque, Derain, Laurencin, Le Douanier Rousseau, Matisse, Van Dongen, e outras grandes figuras como Max Jacob e Guillaume Apollinaire. Ela deixou Picasso em 1912 quando percebeu que ele a amava menos, "se dilacerando". Memórias Intimas, inspirado em seu diário, foi publicado post-mortem em 1988. Nesse seu diário descobrimos o destino de uma mulher e, através dela, o destino e a dificil condição das mulheres . Seguindo o fio cronológico de sua vida, a exposição revisita a vida de Fernande Olivier, apresentando quase 80 obras-primas da história da arte, inclusive as pinturas de grandes artistas como Boldini e Van Dongen onde Fernande lhes serve de modelo.
Musée de Montmartre - 12 Rue Cortot, 75018 Paris
museedemontmartre.fr
A exposição Fernande Olivier e Pablo Picasso presta homenagem a Fernande Olivier, a mulher que partilhou a vida de Picasso de 1904 a 1912, antes de se tornar um dos artistas mais famosos do mundo. Uma mulher independente, que foi modelo e escritora e que, muito jovem, fugiu de um marido violento, para se reinventar sob o nome de Fernande Olivier. Ela foi uma testemunha íntima de uma época, a da boêmia de Montmartre, a do nascimento da arte moderna. Em 1901, Fernande se mudou para o Bateau-Lavoir, o estranho edifício antigo que assistiria ao nascimento dos maiores artistas do século 20. Ela passou seus anos mais felizes lá com Pablo Picasso que conheceu em agosto de 1904, quatro meses após a chegada do jovem ao Bateau Lavoir. Fernande o viu passar de seu período azul para seu período rosa. Fernande esteve no centro da evolução pictórica de Pablo em direção ao cubismo, sobre a qual escreverá: "Vi nascer e acompanhei seu lento desenvolvimento". Ela publicou um precioso testemunho, Picasso et ses amis, na editora Stock em 1933, onde narra com grande humor e às vezes um pouco de causticidade : Braque, Derain, Laurencin, Le Douanier Rousseau, Matisse, Van Dongen, e outras grandes figuras como Max Jacob e Guillaume Apollinaire. Ela deixou Picasso em 1912 quando percebeu que ele a amava menos, "se dilacerando". Memórias Intimas, inspirado em seu diário, foi publicado post-mortem em 1988. Nesse seu diário descobrimos o destino de uma mulher e, através dela, o destino e a dificil condição das mulheres . Seguindo o fio cronológico de sua vida, a exposição revisita a vida de Fernande Olivier, apresentando quase 80 obras-primas da história da arte, inclusive as pinturas de grandes artistas como Boldini e Van Dongen onde Fernande lhes serve de modelo.
Musée de Montmartre - 12 Rue Cortot, 75018 Paris
museedemontmartre.fr
RENVERSER SES YEUX, autour de l’arte povera, 1960 – 1975 – exposição até 29 de Janeiro de 2023
Inverter seus olhos, em torno da arte povera é uma exposição sobre o uso da mídia - fotografia, filme, vídeo - por artistas italianos dos anos 60 e início dos anos 70, apresentada conjuntamente no Jeu de Paume e no Le Bal. Centrada em torno do grupo arte povera, mas aberta à outros artistas, para estudar a posição da vanguarda italiana em relação à fotografia e à imagem em movimento. Esta exposição mostra a extraordinária riqueza de um período em que artistas italianos se apropriaram do poder narrativo da fotografia, do vídeo e do filme. Das pinturas espelhadas de Michelangelo Pistoletto a grandes fotografias sobre tela de Giulio Paolini ou Giovanni Anselmo, de obras fotocopiadas de Alighiero Boetti a cabines de fotos de Franco Vaccari ou vídeos de performance de Luciano Giaccari, ela fornece uma visão geral das experiências visuais das vanguardas italianas do período no campo da imagem. Contemporânea com o trabalho da cena conceitual internacional, esta pesquisa é, ao mesmo tempo, profundamente enraizada na cultura e na história italiana: nisso, elas levam à criação de algumas das obras mais fecundas e originais do período, rompendo as barreiras entre gêneros e disciplinas. A exposição é dividida em quatro seções temáticas espalhadas pelos dois locais: Corpo (LE BAL), Experiência, Imagem, Teatro (Jeu de Paume). A seção sobre Corpo apresenta a forma pela qual, o corpo, seja fotografado ou filmado, tornou-se um dos materiais privilegiados dos artistas da época - o corpo como um todo, o corpo como um objeto, e o corpo como um meio. A seção Experiência analisa como a fotografia e o filme são usados como instrumentos para investigar o tempo, a duração e o espaço. A terceira seção em torno da Imagem tratará do uso da fotografia e da imagem em movimento em uma dimensão crítica. Por fim, a seção Teatro tratará da encenação. No total, mais de 250 obras de 45 artistas serão distribuídas nos dois locais.
Jeu de Paume - place de la Concorde 75001 Paris
www.jeudepaume.org
LE BAL- 6, impasse de la Défense 75018 Paris
www.le-bal.fr
Inverter seus olhos, em torno da arte povera é uma exposição sobre o uso da mídia - fotografia, filme, vídeo - por artistas italianos dos anos 60 e início dos anos 70, apresentada conjuntamente no Jeu de Paume e no Le Bal. Centrada em torno do grupo arte povera, mas aberta à outros artistas, para estudar a posição da vanguarda italiana em relação à fotografia e à imagem em movimento. Esta exposição mostra a extraordinária riqueza de um período em que artistas italianos se apropriaram do poder narrativo da fotografia, do vídeo e do filme. Das pinturas espelhadas de Michelangelo Pistoletto a grandes fotografias sobre tela de Giulio Paolini ou Giovanni Anselmo, de obras fotocopiadas de Alighiero Boetti a cabines de fotos de Franco Vaccari ou vídeos de performance de Luciano Giaccari, ela fornece uma visão geral das experiências visuais das vanguardas italianas do período no campo da imagem. Contemporânea com o trabalho da cena conceitual internacional, esta pesquisa é, ao mesmo tempo, profundamente enraizada na cultura e na história italiana: nisso, elas levam à criação de algumas das obras mais fecundas e originais do período, rompendo as barreiras entre gêneros e disciplinas. A exposição é dividida em quatro seções temáticas espalhadas pelos dois locais: Corpo (LE BAL), Experiência, Imagem, Teatro (Jeu de Paume). A seção sobre Corpo apresenta a forma pela qual, o corpo, seja fotografado ou filmado, tornou-se um dos materiais privilegiados dos artistas da época - o corpo como um todo, o corpo como um objeto, e o corpo como um meio. A seção Experiência analisa como a fotografia e o filme são usados como instrumentos para investigar o tempo, a duração e o espaço. A terceira seção em torno da Imagem tratará do uso da fotografia e da imagem em movimento em uma dimensão crítica. Por fim, a seção Teatro tratará da encenação. No total, mais de 250 obras de 45 artistas serão distribuídas nos dois locais.
Jeu de Paume - place de la Concorde 75001 Paris
www.jeudepaume.org
LE BAL- 6, impasse de la Défense 75018 Paris
www.le-bal.fr
William Morris (1834-1896) (desenhista); Jeffrey & Cie (fabricante) The Pimpernel, cerca de 1876. Papel contínuo de pasta mecânica, fundo verde escovado à mão, impressão em xilogravura a 6 cores. 70x56,6cm. Paris, Museu de Artes Decorativas © Les Arts Décoratifs
WILLIAM MORRIS, l’art dans tout – exposição até 8 de Janeiro de 2023 em Roubaix
William Morris (1834 -1896) foi um fabricante britânico, designer têxtil, tipógrafo, escritor, poeta, conferencista, pintor, desenhista e arquiteto, famoso tanto por suas obras literárias, sua militância socialista, seu trabalho editorial e suas criações de artes decorativas que influenciaram fortemente os artistas e as artes aplicadas até os dias de hoje. Um destino extraordinário para um homem que, nas palavras de seu médico, morreu por ter sido William Morris, ou seja, um homem de energia incomum e criatividade sem limites. Elevado à categoria de ícone na Inglaterra, este agitador britânico, lançou as bases do movimento Arts & Crafts, defendendo a arte em tudo e para todos em reação à industrialização e desumanização do artesanato. Em reação à Revolução Industrial, William Morris afirmou a importância de todas as formas de arte e trabalhou para restaurar qualidades estéticas até mesmo aos objetos mais comuns. Suas pesquisas formais e históricas sobre a cultura celta e a Idade Média nutrem sua inspiração e a de seus amigos artistas, que pertencem ao movimento pré-rafaelita que é criado em torno dele. Ao longo de sua vida, Morris escreveu e publicou obras de poesia e romances e traduziu textos antigos da Idade Média e da Antiguidade. Contribuindo para a fundação da Liga Socialista em 1884, William Morris desempenhou um papel fundamental no surgimento do movimento socialista britânico, embora tenha renunciado a este movimento no final da mesma década. Ele dedicou o fim de sua vida ao trabalho da editora Kelmscott Press, que fundou em 1891. A exposição apresenta quase uma centena de obras – papéis de parede, tapeçarias, móveis, pinturas, desenhos. Através de suas ricas criações, a exposição pinta sobretudo o retrato de um artista complexo e comprometido, um fervoroso defensor da arte para todos no auge da era vitoriana.
La Piscine - Musée d'art et d'industrie de Roubaix 23 Rue de l'Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
William Morris (1834 -1896) foi um fabricante britânico, designer têxtil, tipógrafo, escritor, poeta, conferencista, pintor, desenhista e arquiteto, famoso tanto por suas obras literárias, sua militância socialista, seu trabalho editorial e suas criações de artes decorativas que influenciaram fortemente os artistas e as artes aplicadas até os dias de hoje. Um destino extraordinário para um homem que, nas palavras de seu médico, morreu por ter sido William Morris, ou seja, um homem de energia incomum e criatividade sem limites. Elevado à categoria de ícone na Inglaterra, este agitador britânico, lançou as bases do movimento Arts & Crafts, defendendo a arte em tudo e para todos em reação à industrialização e desumanização do artesanato. Em reação à Revolução Industrial, William Morris afirmou a importância de todas as formas de arte e trabalhou para restaurar qualidades estéticas até mesmo aos objetos mais comuns. Suas pesquisas formais e históricas sobre a cultura celta e a Idade Média nutrem sua inspiração e a de seus amigos artistas, que pertencem ao movimento pré-rafaelita que é criado em torno dele. Ao longo de sua vida, Morris escreveu e publicou obras de poesia e romances e traduziu textos antigos da Idade Média e da Antiguidade. Contribuindo para a fundação da Liga Socialista em 1884, William Morris desempenhou um papel fundamental no surgimento do movimento socialista britânico, embora tenha renunciado a este movimento no final da mesma década. Ele dedicou o fim de sua vida ao trabalho da editora Kelmscott Press, que fundou em 1891. A exposição apresenta quase uma centena de obras – papéis de parede, tapeçarias, móveis, pinturas, desenhos. Através de suas ricas criações, a exposição pinta sobretudo o retrato de um artista complexo e comprometido, um fervoroso defensor da arte para todos no auge da era vitoriana.
La Piscine - Musée d'art et d'industrie de Roubaix 23 Rue de l'Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
Estudo de nú masculino, Paris, cerca de 1930-1940 © Laure Albin-Guillot/Roger-Viollet
LAURE ALBIN-GUILLOT - L’élégance du regard – até 14 de Janeiro de 2023
Laure Albin-Guillot foi uma fotógrafa francesa, nascida em 1879 em Paris e falecida em 1962 em Nogent-sur-Marne. Fotógrafa de retratos, ela era particularmente conhecida por seu trabalho em moda, nudez, publicidade e fotografia abstrata. Laure desempenhou um papel ativo na Nova Fotografia do período entre as guerras. No final dos anos 1920, junto com seu marido cientista, o Doutor Albin Guillot, ela trouxe à tona a beleza do que é invisível a olho nu ao criar suas microfotografias em autocromos. Após a morte de seu marido, para se sustentar, ela montou seu estúdio no Boulevard Beauséjour, no muito chique 16º arrondissement de Paris. Renomada fotógrafa socialite, graças a suas habilidades interpessoais ela retrata personalidades do mundo das artes e da cultura, André Gide, Paul Valéry, Jean Cocteau, Colette , assim como membros anônimos da burguesia parisiense. O sucesso de Laure Albin Guillot também vem de seu estilo muito específico, onde a luz difusa envolve os rostos e corpos ou apenas um detalhe da anatomia, sublimando assim a personalidade das pessoas fotografadas. Pioneira também na fotografia de nus, sempre em busca de uma estética perfeita, a sua atividade estende-se aos domínios da fotografia publicitária e da fotografia de moda. Autora de inúmeras obras e exposições, diretora dos arquivos fotográficos da Beaux-Arts, Laure Albin Guillot faleceu deixando uma obra imensa, eclética e coerente, a maior parte da qual foi adquirida pela agência Roger-Viollet em 1964. Cerca de sessenta gravuras contemporâneas são apresentadas nessa exposição.
Galerie Roger-Viollet - 6, rue de Seine 75006 Paris
roger-viollet.fr
Laure Albin-Guillot foi uma fotógrafa francesa, nascida em 1879 em Paris e falecida em 1962 em Nogent-sur-Marne. Fotógrafa de retratos, ela era particularmente conhecida por seu trabalho em moda, nudez, publicidade e fotografia abstrata. Laure desempenhou um papel ativo na Nova Fotografia do período entre as guerras. No final dos anos 1920, junto com seu marido cientista, o Doutor Albin Guillot, ela trouxe à tona a beleza do que é invisível a olho nu ao criar suas microfotografias em autocromos. Após a morte de seu marido, para se sustentar, ela montou seu estúdio no Boulevard Beauséjour, no muito chique 16º arrondissement de Paris. Renomada fotógrafa socialite, graças a suas habilidades interpessoais ela retrata personalidades do mundo das artes e da cultura, André Gide, Paul Valéry, Jean Cocteau, Colette , assim como membros anônimos da burguesia parisiense. O sucesso de Laure Albin Guillot também vem de seu estilo muito específico, onde a luz difusa envolve os rostos e corpos ou apenas um detalhe da anatomia, sublimando assim a personalidade das pessoas fotografadas. Pioneira também na fotografia de nus, sempre em busca de uma estética perfeita, a sua atividade estende-se aos domínios da fotografia publicitária e da fotografia de moda. Autora de inúmeras obras e exposições, diretora dos arquivos fotográficos da Beaux-Arts, Laure Albin Guillot faleceu deixando uma obra imensa, eclética e coerente, a maior parte da qual foi adquirida pela agência Roger-Viollet em 1964. Cerca de sessenta gravuras contemporâneas são apresentadas nessa exposição.
Galerie Roger-Viollet - 6, rue de Seine 75006 Paris
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MONET – MITCHELL, DIALOGUE ET RETROSPECTIVE – exposição até 27 de Fevereiro de 2023
A exposição encena um diálogo visual, artístico, e poético entre as obras de dois artistas excepcionais, Claude Monet (1840-1926) com os Nenúfares e Joan Mitchell (1925-1992), artistas que deixaram a sua marca não apenas em seu tempo mas em gerações de pintores. A exposição Monet - Mitchell é complementada por uma retrospectiva da obra de Joan Mitchell . Monet - Mitchell e a Retrospectiva de Joan Mitchell mostram suas percepções singulares da mesma paisagem composta, muitas vezes expressa em formatos particularmente imersivos. Para o último Claude Monet, o dos Nenúfares, trata-se da restituição, no ateliê, de motivos observados longamente diante dos nenúfares de Giverny; para Joan Mitchell, no ateliê de La Tour, em Vétheuil, perto da casa onde Monet morou de 1878 a 1881, onde se instalou definitivamente em 1968, ela explora a transposição, através do filtro da memória, de sentimentos – aquelas percepções que permaneceram vívidas além do espaço e do tempo. Os Nenufares de Claude Monet encontraram reconhecimento nos anos 50 nos Estados Unidos, onde foram vistos como precursores da abstração pelos pintores do expressionismo abstrato. Mitchell participou de exposições em 1957 e 1958 dedicadas à noção de impressionismo abstrato, termo cunhado por sua amiga Elaine de Kooning. A aproximação entre os dois artistas foi fortalecida pela instalação de Joan Mitchell em 1968, em Vétheuil, em uma propriedade próxima àquela onde Monet viveu de 1878 a 1881. No entanto, a artista reivindicou total independência artística. Diante da mesma paisagem, a das margens do Sena, Monet e Mitchell compartilham uma sensibilidade aguda à luz e à cor, cuja interação constitui a base de sua arte. Através de cerca de sessenta obras emblemáticas dos dois artistas, a exposição oferece um percurso sensível, marcado por notáveis correspondências visuais e temáticas. A retrospectiva Joan Mitchell reúne cerca de cinquenta obras. Se na primeira metade dos anos 50, Joan Mitchell participou da cena americana marcada pelo expressionismo abstrato, a exposição demonstra a singularidade de sua pintura, caracterizada pela intensidade de sua paleta, sua busca constantemente repensada de cor e luz, e sua relação íntima com as paisagens. A retrospectiva centra-se na vida e obra de uma artista hoje considerada uma das vozes mais vivas da pintura da segunda metade do século XX.
Fondation Louis Vuitton - 8 Av. du Mahatma Gandhi, 75016 Paris
www.fondationlouisvuitton.fr/fr
A exposição encena um diálogo visual, artístico, e poético entre as obras de dois artistas excepcionais, Claude Monet (1840-1926) com os Nenúfares e Joan Mitchell (1925-1992), artistas que deixaram a sua marca não apenas em seu tempo mas em gerações de pintores. A exposição Monet - Mitchell é complementada por uma retrospectiva da obra de Joan Mitchell . Monet - Mitchell e a Retrospectiva de Joan Mitchell mostram suas percepções singulares da mesma paisagem composta, muitas vezes expressa em formatos particularmente imersivos. Para o último Claude Monet, o dos Nenúfares, trata-se da restituição, no ateliê, de motivos observados longamente diante dos nenúfares de Giverny; para Joan Mitchell, no ateliê de La Tour, em Vétheuil, perto da casa onde Monet morou de 1878 a 1881, onde se instalou definitivamente em 1968, ela explora a transposição, através do filtro da memória, de sentimentos – aquelas percepções que permaneceram vívidas além do espaço e do tempo. Os Nenufares de Claude Monet encontraram reconhecimento nos anos 50 nos Estados Unidos, onde foram vistos como precursores da abstração pelos pintores do expressionismo abstrato. Mitchell participou de exposições em 1957 e 1958 dedicadas à noção de impressionismo abstrato, termo cunhado por sua amiga Elaine de Kooning. A aproximação entre os dois artistas foi fortalecida pela instalação de Joan Mitchell em 1968, em Vétheuil, em uma propriedade próxima àquela onde Monet viveu de 1878 a 1881. No entanto, a artista reivindicou total independência artística. Diante da mesma paisagem, a das margens do Sena, Monet e Mitchell compartilham uma sensibilidade aguda à luz e à cor, cuja interação constitui a base de sua arte. Através de cerca de sessenta obras emblemáticas dos dois artistas, a exposição oferece um percurso sensível, marcado por notáveis correspondências visuais e temáticas. A retrospectiva Joan Mitchell reúne cerca de cinquenta obras. Se na primeira metade dos anos 50, Joan Mitchell participou da cena americana marcada pelo expressionismo abstrato, a exposição demonstra a singularidade de sua pintura, caracterizada pela intensidade de sua paleta, sua busca constantemente repensada de cor e luz, e sua relação íntima com as paisagens. A retrospectiva centra-se na vida e obra de uma artista hoje considerada uma das vozes mais vivas da pintura da segunda metade do século XX.
Fondation Louis Vuitton - 8 Av. du Mahatma Gandhi, 75016 Paris
www.fondationlouisvuitton.fr/fr
Oskar Kokoschka
Autoretrato/ Selbstbildnis,1917
oleo sobre tela
79 x 63 cm
Von der Heydt-Museum, Wuppertal
Foto Patrick Schwarz
© Fondation Oskar Kokoschka / Adagp, Paris 2022
OSKAR KOKOSCHKA, UN FAUVE A VIENNE – exposição até 12 de Fevereiro de 2023
O Musée d'Art Moderne em Paris apresenta a primeira retrospectiva parisiense dedicada ao artista austríaco Oskar Kokoschka (1886-1980). A exposição restitui sete décadas de criação pictórica e mostra a originalidade do artista, permitindo-nos viajar com ele através do século 20 europeu. Pintor, mas também escritor, dramaturgo e poeta, Oskar Kokoschka aparece como um artista comprometido, levado pelas convulsões artísticas e intelectuais do início do século 20 em Viena. Com seu desejo de expressar a intensidade dos humores de seu tempo, e um certo talento para a provocação, ele se tornou o enfant terrible de Viena a partir de 1908, onde, apoiado por Gustav Klimt e Adolf Loos, inspirou uma nova geração de artistas, entre eles Egon Schiele. Como um retratista da sociedade vienense, Kokoschka conseguiu realçar a interioridade de seus modelos com eficácia inigualável. Abalado pelo rompimento com a compositora Alma Mahler, com quem teve uma relação tumultuada entre 1912 e 1914, Kokoschka se alistou no exército na eclosão da Primeira Guerra Mundial. Ele foi gravemente ferido em duas ocasiões. Viajante incansável, na década de 1920, empreendeu incessantes viagens à Europa, ao Norte da África e ao Oriente Médio. Sua fragilidade financeira o forçou a voltar a Viena, que passou por grandes agitações políticas desde o início da década de 1930, forçando-o a partir para Praga em 1934. Descrito pelos nazistas como um artista "degenerado", suas obras foram retiradas dos museus alemães. Kokoschka tornou-se então totalmente comprometida com a defesa da liberdade diante do fascismo. Forçado ao exílio, ele conseguiu fugir para a Grã-Bretanha em 1938, onde participou da resistência internacional. Após a guerra, tornou-se uma figura de destaque no cenário intelectual europeu e participou da reconstrução cultural de um continente devastado e dividido. Ele explorou tragédias gregas e narrativas mitológicas a fim de encontrar nelas o fermento comum das sociedades. Distanciando-se da cultura e da língua germânica, mudou-se para Villeneuve, na Suíça francófona, em 1951. Sua crença no poder subversivo da pintura como veículo de emancipação e educação permaneceu inabalável até sua morte. Oskar Kokoschka, um fauvista em Viena reúne uma seleção única das 150 obras mais significativas do artista com o apoio de importantes coleções européias e americanas.
Musée d’Art Moderne de Paris - 11, Avenue du Président Wilson, 75116 Paris
www.mam.paris.fr
O Musée d'Art Moderne em Paris apresenta a primeira retrospectiva parisiense dedicada ao artista austríaco Oskar Kokoschka (1886-1980). A exposição restitui sete décadas de criação pictórica e mostra a originalidade do artista, permitindo-nos viajar com ele através do século 20 europeu. Pintor, mas também escritor, dramaturgo e poeta, Oskar Kokoschka aparece como um artista comprometido, levado pelas convulsões artísticas e intelectuais do início do século 20 em Viena. Com seu desejo de expressar a intensidade dos humores de seu tempo, e um certo talento para a provocação, ele se tornou o enfant terrible de Viena a partir de 1908, onde, apoiado por Gustav Klimt e Adolf Loos, inspirou uma nova geração de artistas, entre eles Egon Schiele. Como um retratista da sociedade vienense, Kokoschka conseguiu realçar a interioridade de seus modelos com eficácia inigualável. Abalado pelo rompimento com a compositora Alma Mahler, com quem teve uma relação tumultuada entre 1912 e 1914, Kokoschka se alistou no exército na eclosão da Primeira Guerra Mundial. Ele foi gravemente ferido em duas ocasiões. Viajante incansável, na década de 1920, empreendeu incessantes viagens à Europa, ao Norte da África e ao Oriente Médio. Sua fragilidade financeira o forçou a voltar a Viena, que passou por grandes agitações políticas desde o início da década de 1930, forçando-o a partir para Praga em 1934. Descrito pelos nazistas como um artista "degenerado", suas obras foram retiradas dos museus alemães. Kokoschka tornou-se então totalmente comprometida com a defesa da liberdade diante do fascismo. Forçado ao exílio, ele conseguiu fugir para a Grã-Bretanha em 1938, onde participou da resistência internacional. Após a guerra, tornou-se uma figura de destaque no cenário intelectual europeu e participou da reconstrução cultural de um continente devastado e dividido. Ele explorou tragédias gregas e narrativas mitológicas a fim de encontrar nelas o fermento comum das sociedades. Distanciando-se da cultura e da língua germânica, mudou-se para Villeneuve, na Suíça francófona, em 1951. Sua crença no poder subversivo da pintura como veículo de emancipação e educação permaneceu inabalável até sua morte. Oskar Kokoschka, um fauvista em Viena reúne uma seleção única das 150 obras mais significativas do artista com o apoio de importantes coleções européias e americanas.
Musée d’Art Moderne de Paris - 11, Avenue du Président Wilson, 75116 Paris
www.mam.paris.fr
Pierre Michaud, 6 Outubro 1979, Marcha das mulheres. Grupo de mulheres sentadas fazendo o sinal "feminista", 1979 ©Pierre Michaud/Gamma Rapho
PARISIENNES CITOYENNES – exposição até 29 de Janeiro de 2023
A exposição "Cidadãs parisienses!" nos leva a uma ambiciosa viagem histórica, desde a Revolução Francesa até a lei da paridade, nos passos das lutas das mulheres em Paris por sua emancipação. A exposição apresenta uma síntese original da história e da memória das lutas pela emancipação da mulher, focalizando a história do feminismo em Paris. Ao lado de certas figuras-chave, de Olympe de Gouges a Gisèle Halimi, um grande lugar é dado às mulheres parisienses menos conhecidas ou anônimas: Mulheres cidadãs revolucionárias de 1789, 1830, 1848, comunas, sufragistas, pacifistas, combatentes da resistência, mulheres políticas ou sindicais, ativistas feministas, artistas e intelectuais comprometidas, operárias grevistas, coletivos de mulheres imigrantes. A exposição segue um fio cronológico que começa com a reivindicação da cidadania para as mulheres, durante a Revolução, e termina com a lei da paridade, em 2000. Entre estas duas datas, a emancipação da mulher é explorada em todas as suas dimensões: envolve o direito à educação, bem como o direito ao trabalho, os direitos civis e cívicos, tão difíceis de obter, mas também a liberdade de dispor do próprio corpo e o acesso à criação artística e cultural. Pinturas, esculturas, fotografias, filmes, arquivos, cartazes, manuscritos e outros objetos militantes ou mesmo inusitados, dão conta da diversidade das lutas e dos modos de exigência. As cidadãs parisienses têm mil e uma caras a serviço de inúmeras causas, em uma capital que cria eventos, fabrica ícones e torna possíveis lutas de vanguarda e coletivas.
Musée Carnavalet - 23 Rue de Sévigné, 75003 Paris
www.carnavalet.paris.fr/
A exposição "Cidadãs parisienses!" nos leva a uma ambiciosa viagem histórica, desde a Revolução Francesa até a lei da paridade, nos passos das lutas das mulheres em Paris por sua emancipação. A exposição apresenta uma síntese original da história e da memória das lutas pela emancipação da mulher, focalizando a história do feminismo em Paris. Ao lado de certas figuras-chave, de Olympe de Gouges a Gisèle Halimi, um grande lugar é dado às mulheres parisienses menos conhecidas ou anônimas: Mulheres cidadãs revolucionárias de 1789, 1830, 1848, comunas, sufragistas, pacifistas, combatentes da resistência, mulheres políticas ou sindicais, ativistas feministas, artistas e intelectuais comprometidas, operárias grevistas, coletivos de mulheres imigrantes. A exposição segue um fio cronológico que começa com a reivindicação da cidadania para as mulheres, durante a Revolução, e termina com a lei da paridade, em 2000. Entre estas duas datas, a emancipação da mulher é explorada em todas as suas dimensões: envolve o direito à educação, bem como o direito ao trabalho, os direitos civis e cívicos, tão difíceis de obter, mas também a liberdade de dispor do próprio corpo e o acesso à criação artística e cultural. Pinturas, esculturas, fotografias, filmes, arquivos, cartazes, manuscritos e outros objetos militantes ou mesmo inusitados, dão conta da diversidade das lutas e dos modos de exigência. As cidadãs parisienses têm mil e uma caras a serviço de inúmeras causas, em uma capital que cria eventos, fabrica ícones e torna possíveis lutas de vanguarda e coletivas.
Musée Carnavalet - 23 Rue de Sévigné, 75003 Paris
www.carnavalet.paris.fr/
Cartaz Photaumnales 2022
PHOTAUMNALES – festival fotográfico até 31 de Dezembro de 2022
Em sua 19° edição, o festival fotográfico Photaumnales, sediado na cidade de Beauvais, sai do seu limite geográfico e investe não somente o centro da cidade e sua aglomeração, mas também as cidades e aldeias da região sul de Hauts-de-France no norte da França. Sob o tema da Cartografia, as imagens marcarão uma rota fotográfica revelando o patrimônio e os lugares atípicos desse território. Fred Boucher, o diretor do Festival e Emmanuelle Halkin, curatora em residência, escolheram esse tema que permite uma descrição codificada do mundo e de um território através de um conjunto de linhas e cores que variam de acordo com os objetivos a serem alcançados. Seja no reino do íntimo, do imaginário, da geografia terrestre, ou além do cosmos, o território mapeado pelos artistas nos permite apreender plenamente a diversidade e a riqueza dos lugares. Para citar alguns trabalhos, a fotógrafa Laura Quiñonez conta em sua reportagem que os quilombolas usavam seus cabelos para comunicar secretamente os caminhos da liberdade, desenhando em suas tranças os marcos topográficos necessários para sua fuga. Martin de Luca na série The Minimal Republics questiona a ideia de nação e fronteira. Ronan Guillou em Country Limit se interessa pelas zonas intermediárias que variam de áreas rurais a amplos espaços abertos, enquanto questiona os mitos da América. O fotógrafo húngaro, Gábor Szilási, apresenta sua reportagem efetuada em 1970 na região rural do Quebec. As imagens, sem presença humana na floresta na Guiana, de Nicolas Derné oferecem um painel verde-acinzentado onde os edifícios e caminhos aparecem em toda sua fragilidade. Num programa de apoio ao cenário fotográfico ucraniano, Photaumnales convidou cinco fotógrafos ucranianos num programa criado em colaboração com a direção do festival Odesa Photo Days. A exposição Córsega, imagens de um território, é o resultado de comissões realizadas pelo Centre Méditerranéen de la Photographie en Corse aos fotógrafos Dolores Marat, Elina Brotherus, Valérie Belin, Stéphane Couturier, Jane Evelyn Atwood e Roberto Battistini. Um trabalho muito bem sucedido!
https://www.photaumnales.fr/
Em sua 19° edição, o festival fotográfico Photaumnales, sediado na cidade de Beauvais, sai do seu limite geográfico e investe não somente o centro da cidade e sua aglomeração, mas também as cidades e aldeias da região sul de Hauts-de-France no norte da França. Sob o tema da Cartografia, as imagens marcarão uma rota fotográfica revelando o patrimônio e os lugares atípicos desse território. Fred Boucher, o diretor do Festival e Emmanuelle Halkin, curatora em residência, escolheram esse tema que permite uma descrição codificada do mundo e de um território através de um conjunto de linhas e cores que variam de acordo com os objetivos a serem alcançados. Seja no reino do íntimo, do imaginário, da geografia terrestre, ou além do cosmos, o território mapeado pelos artistas nos permite apreender plenamente a diversidade e a riqueza dos lugares. Para citar alguns trabalhos, a fotógrafa Laura Quiñonez conta em sua reportagem que os quilombolas usavam seus cabelos para comunicar secretamente os caminhos da liberdade, desenhando em suas tranças os marcos topográficos necessários para sua fuga. Martin de Luca na série The Minimal Republics questiona a ideia de nação e fronteira. Ronan Guillou em Country Limit se interessa pelas zonas intermediárias que variam de áreas rurais a amplos espaços abertos, enquanto questiona os mitos da América. O fotógrafo húngaro, Gábor Szilási, apresenta sua reportagem efetuada em 1970 na região rural do Quebec. As imagens, sem presença humana na floresta na Guiana, de Nicolas Derné oferecem um painel verde-acinzentado onde os edifícios e caminhos aparecem em toda sua fragilidade. Num programa de apoio ao cenário fotográfico ucraniano, Photaumnales convidou cinco fotógrafos ucranianos num programa criado em colaboração com a direção do festival Odesa Photo Days. A exposição Córsega, imagens de um território, é o resultado de comissões realizadas pelo Centre Méditerranéen de la Photographie en Corse aos fotógrafos Dolores Marat, Elina Brotherus, Valérie Belin, Stéphane Couturier, Jane Evelyn Atwood e Roberto Battistini. Um trabalho muito bem sucedido!
https://www.photaumnales.fr/
Al Hansen, The Mills Brothers, Papéis rasgados, colados em painel de compensado, dimensões 140cm x 250cm.
FONDATION DU DOUTE
A Fondation du Doute (Fundação da Dúvida), concebida pelo artista Ben Vautier e criada em 2013 na cidade de Blois relata a história de Fluxus e suas influências, e comemora este ano o 60° aniversário desse movimento. Fluxo, corrente, energia, são termos que caracterizam Fluxus, um movimento artístico internacional e transdisciplinar que surgiu em Nova Yorque nos anos 60. Iniciado por George Maciunas, , artista e músico de origem lituana, Fluxus participou nas questões levantadas pelas formas de arte que surgiram nos anos 60 e 70 : o estatuto da obra de arte, o papel do artista, e o lugar da arte na sociedade. O humor e o escárnio são colocados no centro da abordagem e participam da definição de Fluxus como um não movimento , produzindo anti-arte ou melhor, uma arte-distração. Fluxus ganhou as artes visuais, assim como a música e a literatura, através da organização de concertos, eventos, produção de livros, revistas, confecção de objetos. A Fondation du doute apresenta uma nova cenografia da sua coleção permanente, a mais importante dedicada ao movimento Fluxus e seu espírito, com mais de 400 obras e documentos, novas obras, na sua maioria da coleção pessoal e histórica de Ben, mas também importantes empréstimos de colecionadores como Gino DiMaggio, director da Fondazione Mudima em Milão, ou Caterina Gualco, diretora da Galerie Unimedia Modern em Gênova. A entrada da Fundação se faz pelo Pátio da Dúvida e seu Muro das Palavras, uma obra monumental de Ben, composta por 313 placas esmaltadas com as famosas pinturas-escritos do artista. Dois andares de acervos: 400 obras e documentos Fluxus ativados em espaços deliberadamente organizados por sua interatividade e ressonância com os visitantes. Eles estão organizados em seções correspondentes aos onze denominadores que definem o movimento Fluxus: singularidade, musicalidade, arte-diversão, arte é vida, experimentação, envolvimento, intermedia, efemeridade, transitoriedade, presença, minimalismo e internacionalismo. Entre as obras expostas estão as de John Cage, George Maciunas, Ben Patterson, Nam June Paik, Allan Kaprow, Geoffrey Hendricks, Shigeko Kubota, Esther Ferrer e outros. O Pavilhão de Exposições, dedicado a exposições temporárias, apresenta até 27 de Novembro de 2022 , a exposição de Ben "O ego é indestrutível".
Fondation du Doute - 14 rue de la Paix - 41000 Blois
www.fondationdudoute.fr
A Fondation du Doute (Fundação da Dúvida), concebida pelo artista Ben Vautier e criada em 2013 na cidade de Blois relata a história de Fluxus e suas influências, e comemora este ano o 60° aniversário desse movimento. Fluxo, corrente, energia, são termos que caracterizam Fluxus, um movimento artístico internacional e transdisciplinar que surgiu em Nova Yorque nos anos 60. Iniciado por George Maciunas, , artista e músico de origem lituana, Fluxus participou nas questões levantadas pelas formas de arte que surgiram nos anos 60 e 70 : o estatuto da obra de arte, o papel do artista, e o lugar da arte na sociedade. O humor e o escárnio são colocados no centro da abordagem e participam da definição de Fluxus como um não movimento , produzindo anti-arte ou melhor, uma arte-distração. Fluxus ganhou as artes visuais, assim como a música e a literatura, através da organização de concertos, eventos, produção de livros, revistas, confecção de objetos. A Fondation du doute apresenta uma nova cenografia da sua coleção permanente, a mais importante dedicada ao movimento Fluxus e seu espírito, com mais de 400 obras e documentos, novas obras, na sua maioria da coleção pessoal e histórica de Ben, mas também importantes empréstimos de colecionadores como Gino DiMaggio, director da Fondazione Mudima em Milão, ou Caterina Gualco, diretora da Galerie Unimedia Modern em Gênova. A entrada da Fundação se faz pelo Pátio da Dúvida e seu Muro das Palavras, uma obra monumental de Ben, composta por 313 placas esmaltadas com as famosas pinturas-escritos do artista. Dois andares de acervos: 400 obras e documentos Fluxus ativados em espaços deliberadamente organizados por sua interatividade e ressonância com os visitantes. Eles estão organizados em seções correspondentes aos onze denominadores que definem o movimento Fluxus: singularidade, musicalidade, arte-diversão, arte é vida, experimentação, envolvimento, intermedia, efemeridade, transitoriedade, presença, minimalismo e internacionalismo. Entre as obras expostas estão as de John Cage, George Maciunas, Ben Patterson, Nam June Paik, Allan Kaprow, Geoffrey Hendricks, Shigeko Kubota, Esther Ferrer e outros. O Pavilhão de Exposições, dedicado a exposições temporárias, apresenta até 27 de Novembro de 2022 , a exposição de Ben "O ego é indestrutível".
Fondation du Doute - 14 rue de la Paix - 41000 Blois
www.fondationdudoute.fr
Gérard Fromanger
Impression, soleil levant 2019
2019
Acrilico sobre tela , 200 x 300 cm
Coleção Anna Kamp
© Studio Christian Baraja SLB / Fonds de dotation Fromanger
FACE AU SOLEIL, UN ASTRE DANS LES ARTS - exposição até 29 de Janeiro de 2022
O sol tem sido um símbolo de poder, beleza e alegria desde os tempos antigos, e naturalmente tornou-se o emblema do poder triunfante, como era sob Luís XIV. Mas esta estrela de rosto humano é também a que inunda o mundo visível de luz. Ela lhe dá seu brilho, suas cores, ilumina, de certa forma, a pintura. Uma fonte de inspiração para artistas como Lorrain, Turner, Monet, Signac, Munch e Vallotton, cujas obras pontuam, e iluminam a exposição em um hino extravagante à luz. Finalmente, o disco solar, com sua pureza formal e abstração geométrica, também deu origem a múltiplas variações, até "Impression, soleil levant, 2019" de Gérard Fromanger. Mas a exposição « Face ao sol, um astro nas artes » é uma homenagem ao quadro revolucionário de Claude Monet « Impression, soleil levant ». Uma pintura feita em 13 de Novembro de 1872 de uma vista do porto na neblina da janela de seu hotel no Havre. Exibido dois anos depois, a obra inspirou o crítico Louis Leroy a cunhar o termo Impressionista e deu seu nome ao grupo formado por Monet e seus amigos. Cerca de cem obras traçam a história da representação do sol nas artes desde a antiguidade até os dias de hoje. Alguns mestres como Albrecht Dürer, Rubens, Claude Lorrain, Turner, Courbet, Pissarro, Signac, Derain, Maurice Denis, Félix Vallotton, Edvard Munch, Otto Dix, Otto Freundlich, Sonia Delaunay, Joan Miró, Alexandre Calder, Gérard Fromanger se reuniram para celebrar o mais ilustre nascer do sol na história da arte. Uma raro conjunto de desenhos, pinturas, fotografias e instrumentos de medição do Observatório de Paris ilustra o desenvolvimento da astronomia ao longo dos séculos e ressoam com a evolução da pintura paisagística e atmosférica. As conclusões científicas sobre a evolução do conhecimento, desde a mais alta antiguidade, estendem-se ao modo como os artistas fizeram essas descobertas, as transpuseram e continuam a se colocar de frente para o sol.
Musée Marmottan-Monet - 2, rue Louis-Boilly 75016 Paris
www.marmottan.fr
O sol tem sido um símbolo de poder, beleza e alegria desde os tempos antigos, e naturalmente tornou-se o emblema do poder triunfante, como era sob Luís XIV. Mas esta estrela de rosto humano é também a que inunda o mundo visível de luz. Ela lhe dá seu brilho, suas cores, ilumina, de certa forma, a pintura. Uma fonte de inspiração para artistas como Lorrain, Turner, Monet, Signac, Munch e Vallotton, cujas obras pontuam, e iluminam a exposição em um hino extravagante à luz. Finalmente, o disco solar, com sua pureza formal e abstração geométrica, também deu origem a múltiplas variações, até "Impression, soleil levant, 2019" de Gérard Fromanger. Mas a exposição « Face ao sol, um astro nas artes » é uma homenagem ao quadro revolucionário de Claude Monet « Impression, soleil levant ». Uma pintura feita em 13 de Novembro de 1872 de uma vista do porto na neblina da janela de seu hotel no Havre. Exibido dois anos depois, a obra inspirou o crítico Louis Leroy a cunhar o termo Impressionista e deu seu nome ao grupo formado por Monet e seus amigos. Cerca de cem obras traçam a história da representação do sol nas artes desde a antiguidade até os dias de hoje. Alguns mestres como Albrecht Dürer, Rubens, Claude Lorrain, Turner, Courbet, Pissarro, Signac, Derain, Maurice Denis, Félix Vallotton, Edvard Munch, Otto Dix, Otto Freundlich, Sonia Delaunay, Joan Miró, Alexandre Calder, Gérard Fromanger se reuniram para celebrar o mais ilustre nascer do sol na história da arte. Uma raro conjunto de desenhos, pinturas, fotografias e instrumentos de medição do Observatório de Paris ilustra o desenvolvimento da astronomia ao longo dos séculos e ressoam com a evolução da pintura paisagística e atmosférica. As conclusões científicas sobre a evolução do conhecimento, desde a mais alta antiguidade, estendem-se ao modo como os artistas fizeram essas descobertas, as transpuseram e continuam a se colocar de frente para o sol.
Musée Marmottan-Monet - 2, rue Louis-Boilly 75016 Paris
www.marmottan.fr
Judith Hopf, Phone User 2, 2021
Argila, base de concreto, 182 x 60 x 56 cm / 71.6 x 23.6 x 22 in
Foto : Andrea Rossetti
© Adagp, Paris, 2022 / Judith Hopf
Cortesy da artista e de kaufmann repetto Milan / New York
JUDITH HOPF, ENERGIES - exposição até 11 de Dezembro de 2022
Bétonsalon entra em parceria com Le Plateau, Frac Île-de-France para sediar uma exposição em duas partes de Judith Hopf, artista nascida em 1969 na Alemanha que vive e trabalha em Berlim. Desde os anos 2000, a artista produz esculturas e filmes aliados a reflexões sobre a relação entre o ser humano e a tecnologia. Para esta primeira exposição monográfica na França, Judith Hopf reúne obras existentes e novas. Algumas delas ecoam de uma exposição a outra. Seu título, Energias, designa o que alimenta diariamente cada um de nossos aparelhos elétricos, considerados do ponto de vista técnico como filosóficos. Enquanto no Plateau os trabalhos giram em torno da transformação da paisagem em fonte de energia, é antes o seu consumo que está em causa no Bétonsalon . Uma escultura criada para a ocasião representa um relâmpago, uma explosão natural que lembra a origem da eletricidade, seu poder e seu perigo. A sua exploração está no centro de Energias onde esculturas e filmes evocam um mundo dependente da eletricidade consumida sem ter em conta as suas condições de produção. Assim descobrimos os usuários de telefone, figuras humanas ocupadas observando seus telefones. Absorvidas na contemplação de suas telas, elas parecem desvinculadas de seu ambiente imediato composto de esculturas de cascas de maçã sobredimensionadas. As inúmeras reviravoltas e deslocamentos que ela põe em jogo em sua obra, ao representar cenas tão familiares que se tornam inusuais ou mesmo sarcásticas, são tantos convites para pensar em alternativas, para ver diferentemente do que consumir sempre cada vez mais rápido. Além disso, Energias não deixa de lembrar que neste período de comunicação por visio-conferência, são necessárias grandes quantidades, elétricas e humanas, para montar exposições . Os Usuários de Telefone, esculturas de personagens ocupados consultando seus telefones, que atendem uns aos outros de Bétonsalon até o Plateau, podem ser uma metáfora. Eles continuarão a se comunicar até que tenham que dizer ao outro: « Estou sem bateria ».
Bétonsalon – centre d'art et de recherche - 9, esplanade Pierre Vidal-Naquet, 75013 Paris
www.betonsalon.net
Le Plateau - 22, rue des Alouettes 75019 Paris
www.fraciledefrance.com
Bétonsalon entra em parceria com Le Plateau, Frac Île-de-France para sediar uma exposição em duas partes de Judith Hopf, artista nascida em 1969 na Alemanha que vive e trabalha em Berlim. Desde os anos 2000, a artista produz esculturas e filmes aliados a reflexões sobre a relação entre o ser humano e a tecnologia. Para esta primeira exposição monográfica na França, Judith Hopf reúne obras existentes e novas. Algumas delas ecoam de uma exposição a outra. Seu título, Energias, designa o que alimenta diariamente cada um de nossos aparelhos elétricos, considerados do ponto de vista técnico como filosóficos. Enquanto no Plateau os trabalhos giram em torno da transformação da paisagem em fonte de energia, é antes o seu consumo que está em causa no Bétonsalon . Uma escultura criada para a ocasião representa um relâmpago, uma explosão natural que lembra a origem da eletricidade, seu poder e seu perigo. A sua exploração está no centro de Energias onde esculturas e filmes evocam um mundo dependente da eletricidade consumida sem ter em conta as suas condições de produção. Assim descobrimos os usuários de telefone, figuras humanas ocupadas observando seus telefones. Absorvidas na contemplação de suas telas, elas parecem desvinculadas de seu ambiente imediato composto de esculturas de cascas de maçã sobredimensionadas. As inúmeras reviravoltas e deslocamentos que ela põe em jogo em sua obra, ao representar cenas tão familiares que se tornam inusuais ou mesmo sarcásticas, são tantos convites para pensar em alternativas, para ver diferentemente do que consumir sempre cada vez mais rápido. Além disso, Energias não deixa de lembrar que neste período de comunicação por visio-conferência, são necessárias grandes quantidades, elétricas e humanas, para montar exposições . Os Usuários de Telefone, esculturas de personagens ocupados consultando seus telefones, que atendem uns aos outros de Bétonsalon até o Plateau, podem ser uma metáfora. Eles continuarão a se comunicar até que tenham que dizer ao outro: « Estou sem bateria ».
Bétonsalon – centre d'art et de recherche - 9, esplanade Pierre Vidal-Naquet, 75013 Paris
www.betonsalon.net
Le Plateau - 22, rue des Alouettes 75019 Paris
www.fraciledefrance.com
Frida Kahlo por Toni Frissell, US Vogue 1937
FRIDA KAHLO, AU-DELÀ DES APPARENCES – exposição até 5 de Março de 2023
A exposição Frida Kahlo, além das aparências, oferece aos visitantes a oportunidade de entrar na vida privada da artista e entender como ela construiu sua identidade através da forma como se apresentou e se representou. A exposição reúne mais de 200 objetos da Casa Azul, a casa onde Frida nasceu e foi criada: roupas, correspondência, acessórios, cosméticos, remédios, próteses médicas. Estes pertences pessoais foram selados por seu marido, o muralista mexicano Diego Rivera, quando a artista morreu em 1954, e foram redescobertos cinqüenta anos mais tarde, em 2004. Esta preciosa coleção - incluindo vestidos tradicionais tehuana, colares pré-colombianos que Frida colecionou, exemplos de espartilhos pintados à mão e próteses - é apresentada, juntamente com filmes e fotografias da artista, para formar uma narrativa visual de sua extraordinária vida. A aparência de Frida Kahlo é um meio de expressar sua identidade e preocupações políticas: foi depois de um grave acidente aos 18 anos que Frida se dedicou à pintura e adotou a vestimenta tradicional que lhe permitiu afirmar sua mexicanidade, mas também lidar com sua deficiência. A exposição Frida Kahlo, além das aparências, traça a forma como a artista moldou sua imagem, como um manifesto, alimentada por sua herança cultural e por sua experiência de deficiência. Em um itinerário ao mesmo tempo biográfico e temático, a exposição Galliera destaca a passagem da artista em Paris e sua relação com o grupo surrealista. A visita continua com uma exposição de cápsulas, apresentada de 15 de setembro de 2022 a 2 de janeiro de 2023, que analisa a influência da artista na moda contemporânea e como ela permanece, ainda hoje, um ícone e uma fonte de inspiração para os designers, incluindo Alexander McQueen, Jean Paul Gaultier, Karl Lagerfeld para CHANEL, Riccardo Tisci para Givenchy, Maria Grazia Chiuri para Dior ou Rei Kawakubo para Comme des Garçons.
Palais Galliera - 10, Avenue Pierre Ier de Serbie, Paris 16
A exposição Frida Kahlo, além das aparências, oferece aos visitantes a oportunidade de entrar na vida privada da artista e entender como ela construiu sua identidade através da forma como se apresentou e se representou. A exposição reúne mais de 200 objetos da Casa Azul, a casa onde Frida nasceu e foi criada: roupas, correspondência, acessórios, cosméticos, remédios, próteses médicas. Estes pertences pessoais foram selados por seu marido, o muralista mexicano Diego Rivera, quando a artista morreu em 1954, e foram redescobertos cinqüenta anos mais tarde, em 2004. Esta preciosa coleção - incluindo vestidos tradicionais tehuana, colares pré-colombianos que Frida colecionou, exemplos de espartilhos pintados à mão e próteses - é apresentada, juntamente com filmes e fotografias da artista, para formar uma narrativa visual de sua extraordinária vida. A aparência de Frida Kahlo é um meio de expressar sua identidade e preocupações políticas: foi depois de um grave acidente aos 18 anos que Frida se dedicou à pintura e adotou a vestimenta tradicional que lhe permitiu afirmar sua mexicanidade, mas também lidar com sua deficiência. A exposição Frida Kahlo, além das aparências, traça a forma como a artista moldou sua imagem, como um manifesto, alimentada por sua herança cultural e por sua experiência de deficiência. Em um itinerário ao mesmo tempo biográfico e temático, a exposição Galliera destaca a passagem da artista em Paris e sua relação com o grupo surrealista. A visita continua com uma exposição de cápsulas, apresentada de 15 de setembro de 2022 a 2 de janeiro de 2023, que analisa a influência da artista na moda contemporânea e como ela permanece, ainda hoje, um ícone e uma fonte de inspiração para os designers, incluindo Alexander McQueen, Jean Paul Gaultier, Karl Lagerfeld para CHANEL, Riccardo Tisci para Givenchy, Maria Grazia Chiuri para Dior ou Rei Kawakubo para Comme des Garçons.
Palais Galliera - 10, Avenue Pierre Ier de Serbie, Paris 16
Jacqueline Duhême
O abacateiro, 1973
Tapeçaria tecida no atelier de Camille etThérèse Legoueix em Aubusson, a partir de uma Ilustração de
Jacqueline Duhême em L’Homme qui avait tout tout tout. Texto de Miguel Angel Asturias
118 x 145 cm
Foto : Vanessa Silvera
Courtesy de l’artiste
IL ETAIT UNE FOIS… JACQUELINE DUHÊME, L’IMAGIERE - até 1° de Janeiro de 2023
Jacqueline Duhême, escritora e ilustradora francesa, nasceu em 15 de novembro de 1927. Em 1940, ela entrou na Escola de Belas-Artes, e aos 20 anos tornou-se assistente de estúdio de Henri Matisse. O nome de Jacqueline Duhême aparece ao lado do nome de grandes autores. Ela teve o mérito de conseguir que os grandes poetas que ela ilustrou, Paul Éluard, Jacques Prévert, Blaise Cendrars, Claude Roy, entre outros, escrevessem para os jovens. Com Jacques Prévert, ela forjou uma amizade calorosa, sólida e exigente que durou até a morte do poeta. Prévert imediatamente encorajou seu talento e com ele, ela desenvolveu um estilo muito pessoal, animado, colorido, cheio de fantasia poética. Ela também ilustrou seus próprios textos, como o Natal de Folette, Hadji ou Irma e Igor na Riviera francesa. Como ilustradora de imprensa, nomeadamente para a revista ELLE de 1950 e durante vinte anos, Jacqueline também inventou reportagens desenhadas e retratou as viagens de Jackie Kennedy, que ela retratou em um tapete voador para ilustrar um retorno da Índia à Casa Branca; Charles de Gaulle, que ela acompanhou à América Latina em 1964; e o Papa Paulo VI, cuja viagem à Terra Santa ela cobriu na forma de um tríptico. Em seu livro Petite main chez Matisse (2009), Jacqueline Duhême relembra suas lembranças do trabalho como assistente do artista em Cimiez durante os anos que antecederam sua morte. Suas diversas experiências estendem-se até à tapeçaria, da qual ela realiza cartões que serão tecidos pelos Ateliers d'Aubusson. Ela também reinventa a arte da biografia desenhada em Une vie en crobards, onde a autora recorda suas memórias, intimamente ligadas à história literária e artística do século XX. Ela recorda sua infância na livraria de sua mãe em Suresnes, seus anos num convento na Grécia, a Segunda Guerra Mundial, seus primeiros trabalhos e suas relações com os poetas e artistas de seu tempo ao longo de sua vida. A exposição Era uma vez... Jacqueline Duhême, a imaginária destaca a cor e a poesia que emergem dos desenhos daquela para quem « desenhar é uma necessidade, como dar um presente a alguém que você ama ».
Maison nationale des artistes - 14, rue Charles VII, 94130 Nogent-sur-Marne
fondationdesartistes.fr
Jacqueline Duhême, escritora e ilustradora francesa, nasceu em 15 de novembro de 1927. Em 1940, ela entrou na Escola de Belas-Artes, e aos 20 anos tornou-se assistente de estúdio de Henri Matisse. O nome de Jacqueline Duhême aparece ao lado do nome de grandes autores. Ela teve o mérito de conseguir que os grandes poetas que ela ilustrou, Paul Éluard, Jacques Prévert, Blaise Cendrars, Claude Roy, entre outros, escrevessem para os jovens. Com Jacques Prévert, ela forjou uma amizade calorosa, sólida e exigente que durou até a morte do poeta. Prévert imediatamente encorajou seu talento e com ele, ela desenvolveu um estilo muito pessoal, animado, colorido, cheio de fantasia poética. Ela também ilustrou seus próprios textos, como o Natal de Folette, Hadji ou Irma e Igor na Riviera francesa. Como ilustradora de imprensa, nomeadamente para a revista ELLE de 1950 e durante vinte anos, Jacqueline também inventou reportagens desenhadas e retratou as viagens de Jackie Kennedy, que ela retratou em um tapete voador para ilustrar um retorno da Índia à Casa Branca; Charles de Gaulle, que ela acompanhou à América Latina em 1964; e o Papa Paulo VI, cuja viagem à Terra Santa ela cobriu na forma de um tríptico. Em seu livro Petite main chez Matisse (2009), Jacqueline Duhême relembra suas lembranças do trabalho como assistente do artista em Cimiez durante os anos que antecederam sua morte. Suas diversas experiências estendem-se até à tapeçaria, da qual ela realiza cartões que serão tecidos pelos Ateliers d'Aubusson. Ela também reinventa a arte da biografia desenhada em Une vie en crobards, onde a autora recorda suas memórias, intimamente ligadas à história literária e artística do século XX. Ela recorda sua infância na livraria de sua mãe em Suresnes, seus anos num convento na Grécia, a Segunda Guerra Mundial, seus primeiros trabalhos e suas relações com os poetas e artistas de seu tempo ao longo de sua vida. A exposição Era uma vez... Jacqueline Duhême, a imaginária destaca a cor e a poesia que emergem dos desenhos daquela para quem « desenhar é uma necessidade, como dar um presente a alguém que você ama ».
Maison nationale des artistes - 14, rue Charles VII, 94130 Nogent-sur-Marne
fondationdesartistes.fr
Sam Jinks, Woman and Child 2010 Mixed media
Edition of 3 ©Sam Jinks
Courtesy of the artist, Sullivan+Strumpf, Sydney
and Institute for Cultural Exchange, Tübingen
HYPERREALISME. Ceci n’est pas un corps – até 5 de Março de 2023
O hiper-realismo na escultura nasceu na década de 1960 em reação à estética dominante da Arte Abstrata, como a Pop Art e o Fotorrealismo. Nos Estados Unidos, onde o movimento surgiu pela primeira vez, artistas como Duane Hanson, John DeAndrea e George Segal se voltaram para uma representação realista do corpo, um caminho que há muito era considerado antiquado e ultrapassado. Usando técnicas tradicionais, como modelagem, moldagem e aplicação policromada de tinta na superfície de suas esculturas, estes pioneiros criaram uma imagem humana impressionantemente real. As gerações seguintes de artistas continuariam esta tradição, desenvolvendo ao mesmo tempo sua própria linguagem. O título da exposição Hiper-realismo, isto não é um corpo emprestado de A traição das imagens, de Magritte, expressa a ideia de que quanto mais se tenta apreender a realidade, mais ela se afasta. A exposição apresenta o vasto campo de possibilidades explorado pelos hiper-realistas. Cada uma de suas seis seções gira em torno de um conceito formal que fornece as chaves de compreensão necessárias para apreender cada obra individualmente. A seleção de obras oferece pela primeira vez uma visão condensada do movimento hiper-realista e revela até que ponto a representação do humano sempre esteve sujeita à evolução. As origens variadas dos artistas apresentados (dos Estados Unidos à Austrália, passando pela Itália, Espanha, Bélgica e Grã-Bretanha) evidenciam claramente o caráter internacional do movimento, cujas ramificações perduram em todo o mundo até hoje. Como qualquer grande corrente artística, o hiper-realismo estende um espelho, no qual se reflete a nossa época conturbada.
Musée Maillol- 61, Rue de Grenelle - 75007 Paris
www.museemaillol.com
O hiper-realismo na escultura nasceu na década de 1960 em reação à estética dominante da Arte Abstrata, como a Pop Art e o Fotorrealismo. Nos Estados Unidos, onde o movimento surgiu pela primeira vez, artistas como Duane Hanson, John DeAndrea e George Segal se voltaram para uma representação realista do corpo, um caminho que há muito era considerado antiquado e ultrapassado. Usando técnicas tradicionais, como modelagem, moldagem e aplicação policromada de tinta na superfície de suas esculturas, estes pioneiros criaram uma imagem humana impressionantemente real. As gerações seguintes de artistas continuariam esta tradição, desenvolvendo ao mesmo tempo sua própria linguagem. O título da exposição Hiper-realismo, isto não é um corpo emprestado de A traição das imagens, de Magritte, expressa a ideia de que quanto mais se tenta apreender a realidade, mais ela se afasta. A exposição apresenta o vasto campo de possibilidades explorado pelos hiper-realistas. Cada uma de suas seis seções gira em torno de um conceito formal que fornece as chaves de compreensão necessárias para apreender cada obra individualmente. A seleção de obras oferece pela primeira vez uma visão condensada do movimento hiper-realista e revela até que ponto a representação do humano sempre esteve sujeita à evolução. As origens variadas dos artistas apresentados (dos Estados Unidos à Austrália, passando pela Itália, Espanha, Bélgica e Grã-Bretanha) evidenciam claramente o caráter internacional do movimento, cujas ramificações perduram em todo o mundo até hoje. Como qualquer grande corrente artística, o hiper-realismo estende um espelho, no qual se reflete a nossa época conturbada.
Musée Maillol- 61, Rue de Grenelle - 75007 Paris
www.museemaillol.com
André Devambez, O unico passaro que voa acima das nuvens, 1910.
Paris, musée d’Orsay. © RMN-Grand Palais (musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski
ANDRE DEVAMBEZ - Vertiges de l’imagination. De 9 de Setembro a 31 de Dézembro de 2022
O Petit Palais apresenta uma retrospectiva inédita dedicada a André Devambez, artista da Belle Époque, de personalidade cativante e humor desenfreado. Verdadeiro faz-tudo, pintor, gravador e ilustrador ao mesmo tempo, oscilando entre assuntos sérios e leves. Um artista que hoje é desconhecido do grande público, mas que recebeu todas as honras em vida e gozou de grande renome. Com quase 250 obras, o percurso expositivo nos leva em uma viagem pela imaginação transbordante do artista, demonstrando tanto o seu gosto pela modernidade quanto uma grande imaginação criativa. André Devambez nasceu em Paris e cresceu no mundo da Maison Devambez, o negócio de gravura e publicação familiar criado por seu pai. Iniciou estudos acadêmicos na École des Beaux-Arts em Paris e recebeu o Prix de Rome. De volta a Paris, André Devambez voltou-se para a cena do gênero e se inspirou na família. Como um flâneur inveterado, ele fez de Paris e seus habitantes um de seus temas favoritos. Devambez representa o metrô de Paris e sua multidão aglomerada na plataforma, os frequentadores de cafés que ele esboça com humor, os teatros e seus espectadores que ele capta de todos os ângulos. Suas representações da capital com sua visão panorâmica testemunham seu gosto por enquadramentos inovadores. Ao mesmo tempo, ele seguiu uma carreira como ilustrador para revistas e livros. Ele fez amplo uso do mundo dos contos e lendas em seus "Tout-petits", pequenas pinturas em miniatura medindo apenas alguns centímetros de tamanho que são verdadeiros objetos de curiosidade.
Petit Palais - Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris - Av. Winston Churchill, 75008 Paris
petitpalais.paris.fr
O Petit Palais apresenta uma retrospectiva inédita dedicada a André Devambez, artista da Belle Époque, de personalidade cativante e humor desenfreado. Verdadeiro faz-tudo, pintor, gravador e ilustrador ao mesmo tempo, oscilando entre assuntos sérios e leves. Um artista que hoje é desconhecido do grande público, mas que recebeu todas as honras em vida e gozou de grande renome. Com quase 250 obras, o percurso expositivo nos leva em uma viagem pela imaginação transbordante do artista, demonstrando tanto o seu gosto pela modernidade quanto uma grande imaginação criativa. André Devambez nasceu em Paris e cresceu no mundo da Maison Devambez, o negócio de gravura e publicação familiar criado por seu pai. Iniciou estudos acadêmicos na École des Beaux-Arts em Paris e recebeu o Prix de Rome. De volta a Paris, André Devambez voltou-se para a cena do gênero e se inspirou na família. Como um flâneur inveterado, ele fez de Paris e seus habitantes um de seus temas favoritos. Devambez representa o metrô de Paris e sua multidão aglomerada na plataforma, os frequentadores de cafés que ele esboça com humor, os teatros e seus espectadores que ele capta de todos os ângulos. Suas representações da capital com sua visão panorâmica testemunham seu gosto por enquadramentos inovadores. Ao mesmo tempo, ele seguiu uma carreira como ilustrador para revistas e livros. Ele fez amplo uso do mundo dos contos e lendas em seus "Tout-petits", pequenas pinturas em miniatura medindo apenas alguns centímetros de tamanho que são verdadeiros objetos de curiosidade.
Petit Palais - Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris - Av. Winston Churchill, 75008 Paris
petitpalais.paris.fr
Musée du verre François de Décorchemont©Christian Siloé
MUSEU DO VIDRO FRANCOIS DE DECORCHEMONT - Conches-en-Ouche
A cidade de Conches-en-Ouche situada no departamento de Eure na Normandia é charmosa com sua vista para o vale de Rouloir e as florestas que a carcam. Também é bem conhecida por seu rico patrimônio histórico : a torre de menagem, as casas em enxaimel do século XV, a antiga abadia, as caves abobadadas, os vitrais do século XVI. Valorizando esse patrimônio, o antigo hospício do século XIX tornou-se a nova casa do Museu de Vidro François Décorchemont (1870-1971), cuja prestigiosa carreira de mestre vidreiro marcou a história da arte do vidro e da cidade de Conches. As coleções do Museu cobrem os campos das artes decorativas, vitrais e escultura contemporânea, desde o final do século XIX até os dias de hoje. O percurso começa com as coleções de vidro do final do século XIX e início do século XX, Art Nouveau e Art Deco e continua com a apresentação de peças do período entre guerras de fabricantes ou artistas-artesãos. A visita continua no espaço dedicado à fábrica Schneider, e os vitrais, esculturas e obras de arte de François Décorchemont. Duas salas são dedicadas ao século XX - marcado por um renascimento do vidro artístico nos campos do vidro e da pasta de vidro. O percurso termina na antiga capela do hospício, com os famosos vitrais criados no século XIX pela oficina Duhamel-Marette. Uma visita excepcional em um universo encantador.
Musée du Verre François Décorchemont - 25 rue Paul Guilbaud, 27190 Conches
www.museeduverre.fr
A cidade de Conches-en-Ouche situada no departamento de Eure na Normandia é charmosa com sua vista para o vale de Rouloir e as florestas que a carcam. Também é bem conhecida por seu rico patrimônio histórico : a torre de menagem, as casas em enxaimel do século XV, a antiga abadia, as caves abobadadas, os vitrais do século XVI. Valorizando esse patrimônio, o antigo hospício do século XIX tornou-se a nova casa do Museu de Vidro François Décorchemont (1870-1971), cuja prestigiosa carreira de mestre vidreiro marcou a história da arte do vidro e da cidade de Conches. As coleções do Museu cobrem os campos das artes decorativas, vitrais e escultura contemporânea, desde o final do século XIX até os dias de hoje. O percurso começa com as coleções de vidro do final do século XIX e início do século XX, Art Nouveau e Art Deco e continua com a apresentação de peças do período entre guerras de fabricantes ou artistas-artesãos. A visita continua no espaço dedicado à fábrica Schneider, e os vitrais, esculturas e obras de arte de François Décorchemont. Duas salas são dedicadas ao século XX - marcado por um renascimento do vidro artístico nos campos do vidro e da pasta de vidro. O percurso termina na antiga capela do hospício, com os famosos vitrais criados no século XIX pela oficina Duhamel-Marette. Uma visita excepcional em um universo encantador.
Musée du Verre François Décorchemont - 25 rue Paul Guilbaud, 27190 Conches
www.museeduverre.fr
Borealis©Dan Acher
BIENNALE DES IMAGINAIRES NUMERIQUES – 10 de Novembro de 2022 a 22 de Janeiro de 2023, Marselha, Aix-en-Provence e Avignon
A Bienal dos Imaginários Digitais serve de destaque às artes e culturas digitais na região sul da França : Marselha, Aix-en-Provence e Avignon. O público é convidado a descobrir um programa multidisciplinar entre exposições, concertos, performances, espectáculos ao vivo, etc. Esta terceira edição explora o tema da noite e reúne o trabalho de artistas locais, nacionais e internacionais de todas as esferas da vida. Noite, um tema rico em significado. Noite é o espaço dos sonhos, pesadelos, auto-metamorfoses, transformação dos corpos, identidades e comportamentos. A partir deste poder criativo, a noite sempre foi percebida como um espaço a ser controlado. Pouco a pouco, o espaço da noite, especialmente a noite urbana, está sendo invadido pelas atividades do dia. O tempo contínuo da economia e das redes, dos computadores e dos algoritmos vai colonizando gradualmente os ritmos de nossas vidas e não oferece mais nenhum espaço para descanso e liberdade. A tecnologia interfere até nos nossos sonhos? Depois do Quebec em 2018 e Taiwan em 2019, a Bienal convida a Bélgica em 2022 a construir conjuntamente a programação da Bienal que oferece uma oportunidade única para se descobrir a vitalidade desta cena artística digital, decididamente dinâmica e transdisciplinar, valendo-se da cultura do plural e do múltiplo para revelar uma era.
www.chroniques.org
A Bienal dos Imaginários Digitais serve de destaque às artes e culturas digitais na região sul da França : Marselha, Aix-en-Provence e Avignon. O público é convidado a descobrir um programa multidisciplinar entre exposições, concertos, performances, espectáculos ao vivo, etc. Esta terceira edição explora o tema da noite e reúne o trabalho de artistas locais, nacionais e internacionais de todas as esferas da vida. Noite, um tema rico em significado. Noite é o espaço dos sonhos, pesadelos, auto-metamorfoses, transformação dos corpos, identidades e comportamentos. A partir deste poder criativo, a noite sempre foi percebida como um espaço a ser controlado. Pouco a pouco, o espaço da noite, especialmente a noite urbana, está sendo invadido pelas atividades do dia. O tempo contínuo da economia e das redes, dos computadores e dos algoritmos vai colonizando gradualmente os ritmos de nossas vidas e não oferece mais nenhum espaço para descanso e liberdade. A tecnologia interfere até nos nossos sonhos? Depois do Quebec em 2018 e Taiwan em 2019, a Bienal convida a Bélgica em 2022 a construir conjuntamente a programação da Bienal que oferece uma oportunidade única para se descobrir a vitalidade desta cena artística digital, decididamente dinâmica e transdisciplinar, valendo-se da cultura do plural e do múltiplo para revelar uma era.
www.chroniques.org
JAM CAPSULE- Jardins Mystiques promenade dans les chefs d'œuvre des peintres flamands, Tom Volf ©Thomas Brémond
JAM CAPSULE, uma experiência imersiva – a partir de 27 de Abril de 2022
JAM CAPSULE é o projeto do Atelier JAM, uma oficina de cenografia dedicada à produção e cenografia aplicada ao setor artístico e cultural. Um edifício de lona oblongo, esta célula surpreendente abriga em seu interior um dos dispositivos culturais imersivos mais importantes da Europa. JAM CAPSULE convida todos a mergulharem numa experiência artística visual e sonora única. Com 1000 m² de superfície de projeção video combinados com um sistema de som espacializado, as imagens deslocam-se e seguem cada canto deste espaço atípico. Graças às tecnologias mais avançadas em termos de experiência imersiva, os visitantes podem percorrer diversas obras, denominadas "cápsulas". Para a abertura do JAM CAPSULE, são apresentados quatro trabalhos originais, abrangendo diferentes formas de arte, desde a pintura até à 7ª arte, incluindo música, dança, cinema e o ambiente. Yann Arthus-Bertrand revela, junto à música de Armand Amar, uma verdadeira ode à Terra na sua obra "Legado, a coragem da verdade". O melhor dos filmes de Yann Arthus-Bertrand. 15 anos a viajar pelo mundo para contar a sua história e dar alimento para reflexão sobre o patrimônio a transmitir às gerações futuras. Através de arquivos inéditos, conheça a lendária Maria Callas em uma grandiosa projeção produzida por Tom Volf , “Maria by Callas, a experiência”.Tanto para os amantes de ópera como para os novatos, esta cápsula revela as muitas facetas da famosa cantora e diva. Pierre Goismier convida o público a descobrir as maravilhas da Terra do Sol Nascente, em “Japão, uma outra visão”, Um Japão de contrastes, entre a projeção monumental das mais belas imagens aéreas das neves da ilha de Hokkaido e as águas azul-turquesa de Okinawa. A cápsula Jardins Místicos é um passeio pelas maiores obras-primas dos pintores flamengos do século XV, ambientado com música e movimento sob a direção artística de Tom Volf. Passeie pelos jardins de Van Eyck's Cordeiro Místico, dentro do mundo mágico de Bosch e surpreenda-se com as chamas do Juízo Final de Van der Weyden.
JAM CAPSULE - Paris Expo Porte de Versailles. Pavillon 5.3 1, Place de la Porte de Versailles, Paris 15
Bilheteria online no site oficial do JAM CAPSULE: jamcapsule.fr
JAM CAPSULE é o projeto do Atelier JAM, uma oficina de cenografia dedicada à produção e cenografia aplicada ao setor artístico e cultural. Um edifício de lona oblongo, esta célula surpreendente abriga em seu interior um dos dispositivos culturais imersivos mais importantes da Europa. JAM CAPSULE convida todos a mergulharem numa experiência artística visual e sonora única. Com 1000 m² de superfície de projeção video combinados com um sistema de som espacializado, as imagens deslocam-se e seguem cada canto deste espaço atípico. Graças às tecnologias mais avançadas em termos de experiência imersiva, os visitantes podem percorrer diversas obras, denominadas "cápsulas". Para a abertura do JAM CAPSULE, são apresentados quatro trabalhos originais, abrangendo diferentes formas de arte, desde a pintura até à 7ª arte, incluindo música, dança, cinema e o ambiente. Yann Arthus-Bertrand revela, junto à música de Armand Amar, uma verdadeira ode à Terra na sua obra "Legado, a coragem da verdade". O melhor dos filmes de Yann Arthus-Bertrand. 15 anos a viajar pelo mundo para contar a sua história e dar alimento para reflexão sobre o patrimônio a transmitir às gerações futuras. Através de arquivos inéditos, conheça a lendária Maria Callas em uma grandiosa projeção produzida por Tom Volf , “Maria by Callas, a experiência”.Tanto para os amantes de ópera como para os novatos, esta cápsula revela as muitas facetas da famosa cantora e diva. Pierre Goismier convida o público a descobrir as maravilhas da Terra do Sol Nascente, em “Japão, uma outra visão”, Um Japão de contrastes, entre a projeção monumental das mais belas imagens aéreas das neves da ilha de Hokkaido e as águas azul-turquesa de Okinawa. A cápsula Jardins Místicos é um passeio pelas maiores obras-primas dos pintores flamengos do século XV, ambientado com música e movimento sob a direção artística de Tom Volf. Passeie pelos jardins de Van Eyck's Cordeiro Místico, dentro do mundo mágico de Bosch e surpreenda-se com as chamas do Juízo Final de Van der Weyden.
JAM CAPSULE - Paris Expo Porte de Versailles. Pavillon 5.3 1, Place de la Porte de Versailles, Paris 15
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Carolyn Cole, prisioneiros iraquianos depois do assalto à delegacia de policia em Kufa, no Iraque, pelos marines americanos. Esse posto servia de base à milicia do Mahdi. Kufa, Iraque, agosto de 2004©Carolyn Cole / Los Angeles Times
FEMMES PHOTOGRAPHES DE GUERRE – exposição de 8 de Março a 21 de Dezembro de 2022
Embora a fotografia de guerra seja uma profissão dominada por homens, muitas fotógrafas trabalharam em zonas de guerra. Elas documentaram crises globais e desempenharam um papel decisivo na formação da imagem da guerra. Em territórios de conflito, ao contrário dos homens, essas mulheres muitas vezes tiveram acesso a famílias, das quais criaram retratos particularmente comoventes. Também atuaram na linha de frente e tiraram fotos de vítimas de guerra que não poupam o observador. Ao destacar as fotografias e as carreiras de oito fotógrafas de guerra, a exposição questiona a noção de gênero, questiona a especificidade do olhar feminino sobre a guerra, derruba certos estereótipos, mostra que as mulheres são tanto portadoras de imagens quanto testemunhas de atrocidades. Na linha de frente há quase um século, elas tiram fotos sem esconder o horror dos eventos. Algumas perderam suas vidas. A exposição apresenta o trabalho de oito renomadas fotógrafas que cobriram 75 anos de conflitos internacionais entre 1936 e 2011: Lee Miller (1907-1977), Gerda Taro (1910-1937), Catherine Leroy (1944-2006), Christine Spengler (n. 1945), Françoise Demulder (1947-2008), Susan Meiselas (n. 1948), Carolyn Cole (n. 1961) e Anja Niedringhaus (1965-2014). Com a ajuda de uma centena de documentos, mais de 80 fotografias, assim como uma dúzia de jornais e revistas originais, a exposição destaca o envolvimento das mulheres em todos os conflitos, seja como combatentes, vítimas ou testemunhas.
Musée de la Libération de Paris– Musée du Général Leclerc– Musée Jean Moulin - 4, avenue du Colonel Rol Tanguy, Place Denfert Rochereau 75014 Paris
museeliberation-leclerc-moulin.paris.fr
Embora a fotografia de guerra seja uma profissão dominada por homens, muitas fotógrafas trabalharam em zonas de guerra. Elas documentaram crises globais e desempenharam um papel decisivo na formação da imagem da guerra. Em territórios de conflito, ao contrário dos homens, essas mulheres muitas vezes tiveram acesso a famílias, das quais criaram retratos particularmente comoventes. Também atuaram na linha de frente e tiraram fotos de vítimas de guerra que não poupam o observador. Ao destacar as fotografias e as carreiras de oito fotógrafas de guerra, a exposição questiona a noção de gênero, questiona a especificidade do olhar feminino sobre a guerra, derruba certos estereótipos, mostra que as mulheres são tanto portadoras de imagens quanto testemunhas de atrocidades. Na linha de frente há quase um século, elas tiram fotos sem esconder o horror dos eventos. Algumas perderam suas vidas. A exposição apresenta o trabalho de oito renomadas fotógrafas que cobriram 75 anos de conflitos internacionais entre 1936 e 2011: Lee Miller (1907-1977), Gerda Taro (1910-1937), Catherine Leroy (1944-2006), Christine Spengler (n. 1945), Françoise Demulder (1947-2008), Susan Meiselas (n. 1948), Carolyn Cole (n. 1961) e Anja Niedringhaus (1965-2014). Com a ajuda de uma centena de documentos, mais de 80 fotografias, assim como uma dúzia de jornais e revistas originais, a exposição destaca o envolvimento das mulheres em todos os conflitos, seja como combatentes, vítimas ou testemunhas.
Musée de la Libération de Paris– Musée du Général Leclerc– Musée Jean Moulin - 4, avenue du Colonel Rol Tanguy, Place Denfert Rochereau 75014 Paris
museeliberation-leclerc-moulin.paris.fr
Sergei ISUPOV, Aniversário de Prata 2019. Porcelana, engobe, esmalte 39,37 x 24,13 x 17,78 cm. Cortesia do artista e Ferrin Contemporary, North Adams, Massachusetts, (EUA)
HEY ! LE DESSIN – exposição de 22 de Janeiro a 31 de Dezembro de 2022
A revista HEY! Modern Art & Pop Culture pop se unem novamente para continuar sua exploração da cena artística alternativa. O desenho é homenageado como um gesto criativo fundamental e as possibilidades de desenvolvimento que ele suscita. A exposição deixa clara desde o início sua intenção: invocar surpresa, curiosidade, admiração, rejeição, atração, emoção e angústia. Não reivindica a completude, nem a história do desenho. A exposição reúne sessenta artistas internacionais, bem como um novo conjunto de obras de arte carcerária japonesa e desenhos preparatórios de grafite abordados a partir de uma nova perspectiva. Ela oferece uma ampla visibilidade às artes que são portadoras de uma estética contemporânea na qual a energia criativa da contracultura é uma dupla força de proposição e contestação. Nesta exposição encontraremos as figuras sediciosas da popular nutrida pela iconografia da mídia popular, as fantasmografias do surrealismo pop redescobrindo a herança das grandes tradições pictóricas, as tribunas livres da arte de rua e da tatuagem, as fugas individuais e solitárias da arte brut. A alteridade artística é apresentada em sua diversidade e complexidade como uma forma de resistência contra o empobrecimento de nosso imaginário coletivo.
Halle Saint Pierre - 2 rue Ronsard, 75018 Paris
www.hallesaintpierre.org
Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Uma Canção de Natal, 1867
oleo em madeira, coleção particular, cortesia Grant Ford Ltd, Reino-Unido
OS PRE-RAFAELISTAS
A Irmandade Pré-Rafaelita, fundada em 1848 na Inglaterra, seguiu os preceitos do influente teórico John Ruskin. Ela procurou libertar a arte das convenções acadêmicas inglesas e da moral vitoriana, criando uma nova pintura inspirada nos Primitivos italianos, os antecessores de Rafael. Embora a Irmandade tenha se dissolvido rapidamente, ela deu um novo impulso à arte inglesa e influenciou particularmente o Movimento Estético, que se baseava na idéia de "arte pela arte" e no culto à beleza. Como Oscar Wilde, a figura emblemática do movimento, os artistas gradualmente passaram a considerar que a arte deveria servir a um único ideal, a beleza. É por isso que embarcaram numa busca de harmonia de cor e forma, recusando-se a dar um sentido moral às suas obras. Em um contexto marcado pela revolução industrial, os artistas se inspiraram na literatura inglesa, bem como na história e geografia distante, como a antiguidade greco-romana, que muitas vezes estava associada à voluptuosidade e ao refinamento. Eles também foram inspirados pela Idade Média e suas lendas, pela África e pelo Oriente fantasiado. A figura feminina também é encenada, idealizada e representada de forma sensual nesta tendência artística que muitas vezes coloca a mulher em primeiro plano. O Petit Palais recebeu o excepcional empréstimo por cinco anos de oito pinturas inglesas do movimento pré-rafaelite, de uma coleção particular e estrangeira. Os visitantes poderão descobrir pinturas de William Holman Hunt, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, John William Inchbold, Frederic Leighton, Lawrence Alma-Tadema e John William Waterhouse.
Musée Petit Palais - Av. Winston Churchill, 75008 Paris
petitpalais.paris.fr
A Irmandade Pré-Rafaelita, fundada em 1848 na Inglaterra, seguiu os preceitos do influente teórico John Ruskin. Ela procurou libertar a arte das convenções acadêmicas inglesas e da moral vitoriana, criando uma nova pintura inspirada nos Primitivos italianos, os antecessores de Rafael. Embora a Irmandade tenha se dissolvido rapidamente, ela deu um novo impulso à arte inglesa e influenciou particularmente o Movimento Estético, que se baseava na idéia de "arte pela arte" e no culto à beleza. Como Oscar Wilde, a figura emblemática do movimento, os artistas gradualmente passaram a considerar que a arte deveria servir a um único ideal, a beleza. É por isso que embarcaram numa busca de harmonia de cor e forma, recusando-se a dar um sentido moral às suas obras. Em um contexto marcado pela revolução industrial, os artistas se inspiraram na literatura inglesa, bem como na história e geografia distante, como a antiguidade greco-romana, que muitas vezes estava associada à voluptuosidade e ao refinamento. Eles também foram inspirados pela Idade Média e suas lendas, pela África e pelo Oriente fantasiado. A figura feminina também é encenada, idealizada e representada de forma sensual nesta tendência artística que muitas vezes coloca a mulher em primeiro plano. O Petit Palais recebeu o excepcional empréstimo por cinco anos de oito pinturas inglesas do movimento pré-rafaelite, de uma coleção particular e estrangeira. Os visitantes poderão descobrir pinturas de William Holman Hunt, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, John William Inchbold, Frederic Leighton, Lawrence Alma-Tadema e John William Waterhouse.
Musée Petit Palais - Av. Winston Churchill, 75008 Paris
petitpalais.paris.fr
Hôtel de la Marine, salão dos Almirantes e salão de honra © Ambroise Tézenas CMN
HÔTEL DE LA MARINE
Localizado na Place de la Concorde, entre a Champs-Élysées e as Tuileries, o Hôtel de la Marine é um conjunto arquitetônico magnífico criado no século XVIII por Ange-Jacques Gabriel, o primeiro arquiteto do rei Luís XV. Até 1789, albergou o Garde-Meuble da Coroa antes de se tornar, durante mais de duzentos anos, e até 2015, quartel-general do Estado-Maior Naval. Após um imenso projeto de restauração dos quartos e mobiliário que durou quase 4 anos, o Hôtel de la Marine, abriu as suas portas para o publico que poderá visitar os apartamentos decorados no século XVIII pelo Intendente do Garde-Meuble e os salões cerimoniais do século XIX. O acesso é feito pelo pátio do Intendente, coberto por um surpreendente telhado de vidro, após cruzar o pátio principal conectado com a Place de la Concorde e a Rue Royale. Este último espaço, com livraria, cafetaria e restaurante, permanecerá de livre acesso ao público. Os restantes espaços sumptuosos, datados dos séculos XVIII e XIX, serão acessíveis por reserva e acompanhados por um novo dispositivo de mediação, em várias linguas,denominado "Confidant". Graças a um auricular inteligente, os visitantes poderão interagir com os quartos e o seu mobiliário de uma forma muito mais imersiva e natural. Dois espaços de restaurantes complementarão a visita patrimonial para oferecer um verdadeiro lugar para viver. Um restaurante, cujo menu será assinado pelo chefe Jean-François Piège e o Café Lapérouse, decorado por Cordelia de Castellane, será acessível durante todo o dia a partir das arcadas da Place de la Concorde e do pátio de honra. No Outono de 2021, o antigo depósito das tapeçarias do Garde-Meuble albergará as galerias de exposição da Coleção Al Thani, uma vasta coleção de objetos históricos e decorativos propriedade do sheik Tamin ben Hamad Al Thani, o Emir do Qatar.
Hôtel de la Marine - 2 place de la Concorde - 75008 Paris
Localizado na Place de la Concorde, entre a Champs-Élysées e as Tuileries, o Hôtel de la Marine é um conjunto arquitetônico magnífico criado no século XVIII por Ange-Jacques Gabriel, o primeiro arquiteto do rei Luís XV. Até 1789, albergou o Garde-Meuble da Coroa antes de se tornar, durante mais de duzentos anos, e até 2015, quartel-general do Estado-Maior Naval. Após um imenso projeto de restauração dos quartos e mobiliário que durou quase 4 anos, o Hôtel de la Marine, abriu as suas portas para o publico que poderá visitar os apartamentos decorados no século XVIII pelo Intendente do Garde-Meuble e os salões cerimoniais do século XIX. O acesso é feito pelo pátio do Intendente, coberto por um surpreendente telhado de vidro, após cruzar o pátio principal conectado com a Place de la Concorde e a Rue Royale. Este último espaço, com livraria, cafetaria e restaurante, permanecerá de livre acesso ao público. Os restantes espaços sumptuosos, datados dos séculos XVIII e XIX, serão acessíveis por reserva e acompanhados por um novo dispositivo de mediação, em várias linguas,denominado "Confidant". Graças a um auricular inteligente, os visitantes poderão interagir com os quartos e o seu mobiliário de uma forma muito mais imersiva e natural. Dois espaços de restaurantes complementarão a visita patrimonial para oferecer um verdadeiro lugar para viver. Um restaurante, cujo menu será assinado pelo chefe Jean-François Piège e o Café Lapérouse, decorado por Cordelia de Castellane, será acessível durante todo o dia a partir das arcadas da Place de la Concorde e do pátio de honra. No Outono de 2021, o antigo depósito das tapeçarias do Garde-Meuble albergará as galerias de exposição da Coleção Al Thani, uma vasta coleção de objetos históricos e decorativos propriedade do sheik Tamin ben Hamad Al Thani, o Emir do Qatar.
Hôtel de la Marine - 2 place de la Concorde - 75008 Paris
MUSEU DO DOMINIO REAL DE MARLY
O museu do Domaine royal de Marly é uma viagem no tempo durante a qual a surpreendente história do Château de Marly é revelada. Embora o castelo tenha sido destruido, a sua importância histórica é imensa. Construído em 1679, o Château de Marly era uma residência de recreio onde Luís XIV vinha para se retirar longe do tumulto da Corte de Versalhes. O palácio, cuja arquitetura lembrava um cenário de teatro, e a máquina maravilhosa de Marly, que abastecia o jardim de água, eram invejados em toda a Europa. Ao contrário da vida oficial em Versalhes, Marly era um lugar à parte, onde Luís XIV expressava seus gostos pessoais. O soberano rodiava-se com ilustres convidados, aos quais oferecia uma infinidade de diversões: caça, concertos, jogos, bailes, passeios. O percurso do museu começa com uma apresentação da arquitetura única de Marly e dos jardins em relação aos vestígios atualmente visíveis no parque. Os segredos da máquina Marly são revelados, um mecanismo gigantesco cuja construção exigiu o planejamento do Sena para alimentar os jogos de água nos jardins do rei. O resto do percurso é dedicado à atmosfera íntima de Marly, que com o tempo se tornou uma verdadeira residência real, um instrumento de poder para o rei. O parque do museu é um esplendor. O museu do Domaine royal de Marly é um complemento essencial para descobrir Versalhes e o mundo de Luís XIV.
Musée du Domaine royal de Marly - 1 Grille royale – Parc de Marly 78160 Marly-le-Roi
www.musee-domaine-marly.fr
O museu do Domaine royal de Marly é uma viagem no tempo durante a qual a surpreendente história do Château de Marly é revelada. Embora o castelo tenha sido destruido, a sua importância histórica é imensa. Construído em 1679, o Château de Marly era uma residência de recreio onde Luís XIV vinha para se retirar longe do tumulto da Corte de Versalhes. O palácio, cuja arquitetura lembrava um cenário de teatro, e a máquina maravilhosa de Marly, que abastecia o jardim de água, eram invejados em toda a Europa. Ao contrário da vida oficial em Versalhes, Marly era um lugar à parte, onde Luís XIV expressava seus gostos pessoais. O soberano rodiava-se com ilustres convidados, aos quais oferecia uma infinidade de diversões: caça, concertos, jogos, bailes, passeios. O percurso do museu começa com uma apresentação da arquitetura única de Marly e dos jardins em relação aos vestígios atualmente visíveis no parque. Os segredos da máquina Marly são revelados, um mecanismo gigantesco cuja construção exigiu o planejamento do Sena para alimentar os jogos de água nos jardins do rei. O resto do percurso é dedicado à atmosfera íntima de Marly, que com o tempo se tornou uma verdadeira residência real, um instrumento de poder para o rei. O parque do museu é um esplendor. O museu do Domaine royal de Marly é um complemento essencial para descobrir Versalhes e o mundo de Luís XIV.
Musée du Domaine royal de Marly - 1 Grille royale – Parc de Marly 78160 Marly-le-Roi
www.musee-domaine-marly.fr
CHÂTEAU D’AUVERS
No centro da aldeia de Auvers-sur-Oise, o Château d´Auvers, é um lugar único, combinando patrimônio e experiência impressionista numa paisagem preservada. O Château d’Auvers foi construido em 1635 por um financista italiano no estilo das vilas renascentistas italianas. Ele construiu um ninfeu (edifício dedicado às ninfas, divindades associadas à água e à natureza) em mosaico de conchas inspirado na Antiguidade que é um dos raros exemplos que restam na França. A propriedade é rodeada por três tipos de jardins: o renascentista italiano, o jardim francês e o jardim inglês. O jardim renascentista desenvolve-se em socalcos horizontais que abrem amplas perspectivas sobre o vale do Oise, paisagem que inspirou muitos pintores impressionistas e pós-impressionistas. O domínio do Château tem duas oranjeiras: a oranjeira do norte, que abriga o ninfeu, e a oranjeira do sul, onde se realizam exposições temporárias. O Château d'Auvers também oferece um percurso multimídia dedicado ao impressionismo « Visão Impressionista, Nascimento e Descendência ». Este percurso oferece todas as chaves para descobrir este movimento e os pintores que vieram a Auvers e ao Vale do Oise para se inspirar: Daubigny, Cézanne, Pissarro e Van Gogh. Um projeto cultural inovador e contemporâneo sobre o Impressionismo, em um castelo dos séculos XVII e XVIII.
Château d’Auvers - Orangerie Sud - rue François Mitterrand - 95430 Auvers-sur-Oise
www.chateau-auvers.fr
No centro da aldeia de Auvers-sur-Oise, o Château d´Auvers, é um lugar único, combinando patrimônio e experiência impressionista numa paisagem preservada. O Château d’Auvers foi construido em 1635 por um financista italiano no estilo das vilas renascentistas italianas. Ele construiu um ninfeu (edifício dedicado às ninfas, divindades associadas à água e à natureza) em mosaico de conchas inspirado na Antiguidade que é um dos raros exemplos que restam na França. A propriedade é rodeada por três tipos de jardins: o renascentista italiano, o jardim francês e o jardim inglês. O jardim renascentista desenvolve-se em socalcos horizontais que abrem amplas perspectivas sobre o vale do Oise, paisagem que inspirou muitos pintores impressionistas e pós-impressionistas. O domínio do Château tem duas oranjeiras: a oranjeira do norte, que abriga o ninfeu, e a oranjeira do sul, onde se realizam exposições temporárias. O Château d'Auvers também oferece um percurso multimídia dedicado ao impressionismo « Visão Impressionista, Nascimento e Descendência ». Este percurso oferece todas as chaves para descobrir este movimento e os pintores que vieram a Auvers e ao Vale do Oise para se inspirar: Daubigny, Cézanne, Pissarro e Van Gogh. Um projeto cultural inovador e contemporâneo sobre o Impressionismo, em um castelo dos séculos XVII e XVIII.
Château d’Auvers - Orangerie Sud - rue François Mitterrand - 95430 Auvers-sur-Oise
www.chateau-auvers.fr
AUVERS-SUR-OISE E O ITINERARIO DE VAN GOGH
Na segunda metade do século XIX, a cidade de Auvers-sur-Oise tornou-se uma destinação privilegiada para os artistas que desejavam pintar ao ar livre. A variedade de paisagens e o carater ainda rural do vale do rio Oise inspiraram pintores como Vincent Van Gogh, Cézanne, Pissarro, Corot e Daubigny. A charmosa Auvers sur Oise soube preservar esse patrimônio paisagístico e cultural através dos itinerários de pintores. Por uma inesperada descoberta, o itinerário de Van Gogh ganhou mais uma etapa. Com seus quadros, Van Gogh imortalizou a prefeitura e a igreja da cidade, o Albergue Ravoux onde viveu, os campos de trigo e o cemitério onde ele repousa junto com seu irmão Théo. A última etapa do itinerário Van Gogh foi acrescida graças à descoberta do pesquisador Wouter van der Veen. Durante o recém confinamento, Wouter se deparou com um cartão postal antigo da cidade que mostra alguns tocos deformados, raízes visíveis, à beira de uma pequena estrada. A legenda indica « Auvers-sur-Oise – rua Daubigny ». Ele comparou esse motivo com uma pintura de Van Gogh e descobriu que essas raízes de árvores teriam servido de modelo para o último quadro pintado pelo artista no dia 27 de julho de 1890, intitulado Raízes. O pintor de 37 anos, que estava em Auvers-sur-Oise, suicidou-se nessa noite com uma bala no peito. Ele morreu dois dias depois, após muito sofrimento, em seu quarto no Albergue Ravoux. Passaram-se 130 anos e a descoberta da etapa Racines (Raízes), inaugurada em Auvers-sur-Oise no dia 28 de Julho passado, parece dissipar a nuvem de mistério que envolvia o último dia de vida do pintor. O lugar, aliado ao estudo das cores da tinta "característica, neste lugar, do final do dia", permite, segundo o perito, deduzir que Van Gogh teria pintado todo o dia em frente a estas raízes antes de terminar a sua vida. Para o pesquisador, esta descoberta não se limita a uma reconstrução dos fatos, mas permite uma melhor interpretação do trabalho que é Raízes. Wouter diz ter entendido este quadro há apenas dois meses atrás. «Um matagal é algo que você corta, mas onde a vida fica. Para mim, é uma mensagem de despedida. Ele está desistindo. Mas a vida continua.»
Na segunda metade do século XIX, a cidade de Auvers-sur-Oise tornou-se uma destinação privilegiada para os artistas que desejavam pintar ao ar livre. A variedade de paisagens e o carater ainda rural do vale do rio Oise inspiraram pintores como Vincent Van Gogh, Cézanne, Pissarro, Corot e Daubigny. A charmosa Auvers sur Oise soube preservar esse patrimônio paisagístico e cultural através dos itinerários de pintores. Por uma inesperada descoberta, o itinerário de Van Gogh ganhou mais uma etapa. Com seus quadros, Van Gogh imortalizou a prefeitura e a igreja da cidade, o Albergue Ravoux onde viveu, os campos de trigo e o cemitério onde ele repousa junto com seu irmão Théo. A última etapa do itinerário Van Gogh foi acrescida graças à descoberta do pesquisador Wouter van der Veen. Durante o recém confinamento, Wouter se deparou com um cartão postal antigo da cidade que mostra alguns tocos deformados, raízes visíveis, à beira de uma pequena estrada. A legenda indica « Auvers-sur-Oise – rua Daubigny ». Ele comparou esse motivo com uma pintura de Van Gogh e descobriu que essas raízes de árvores teriam servido de modelo para o último quadro pintado pelo artista no dia 27 de julho de 1890, intitulado Raízes. O pintor de 37 anos, que estava em Auvers-sur-Oise, suicidou-se nessa noite com uma bala no peito. Ele morreu dois dias depois, após muito sofrimento, em seu quarto no Albergue Ravoux. Passaram-se 130 anos e a descoberta da etapa Racines (Raízes), inaugurada em Auvers-sur-Oise no dia 28 de Julho passado, parece dissipar a nuvem de mistério que envolvia o último dia de vida do pintor. O lugar, aliado ao estudo das cores da tinta "característica, neste lugar, do final do dia", permite, segundo o perito, deduzir que Van Gogh teria pintado todo o dia em frente a estas raízes antes de terminar a sua vida. Para o pesquisador, esta descoberta não se limita a uma reconstrução dos fatos, mas permite uma melhor interpretação do trabalho que é Raízes. Wouter diz ter entendido este quadro há apenas dois meses atrás. «Um matagal é algo que você corta, mas onde a vida fica. Para mim, é uma mensagem de despedida. Ele está desistindo. Mas a vida continua.»
La Piscine © A. Leprince M.A.I.A.D. Roubaix
LA PISCINE – o museu de artes e indústria da cidade de Roubaix
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
Atelier des Lumières ©Culturespaces/E.Spiller
ATELIER DES LUMIERES
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Telhado do Grande Arco da Défense, visto do drone © Riad Kneife
LA GRANDE ARCHE DE LA DEFENSE
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
Confluentia, de Bina Baitel. Tecelagem Atelier Françoise Vernaudon © Eric Roger/Cité Internationale de la Tapisserie
CITE INTERNATIONALE DE LA TAPISSERIE em Aubusson
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
CHATEAU DU CLOS LUCE
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
www.vinci-closluce.com
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
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Jardins de Valloires © R. Duthilleul SMBS -GLP
JARDINS DE VALLOIRES na Picardia
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
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Abadia de Auberive - ala oeste
L’ABBAYE DE L’AUBERIVE
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Les Caves du Louvre
LES CAVES DU LOUVRE
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
"Axis Mundi" de Charles Sandison
MUDO – Musée de l’Oise – Beauvais
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
Abadia de Royaumont
Abadia e Fundação Royaumont – cerca de 35 km ao norte de Paris
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
Parc du Petit Prince
Parc du Petit Prince – Parque do Pequeno Príncipe – Alsácia
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
.
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
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Château de Chaumont sur Loire
©E. Sander
Château de Chaumont sur Loire – a menos de duas horas de Paris
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
Domaine de Villarceaux
Dominio de Villarceaux - cercanias de Paris
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
Villa des Brillants à Meudon
Musée Rodin – Villa des Brillants – Meudon (a 20 minutos de Paris)
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
