Borealis©Dan Acher
BIENNALE DES IMAGINAIRES NUMERIQUES – 10 de Novembro de 2022 a 22 de Janeiro de 2023, Marselha, Aix-en-Provence e Avignon
A Bienal dos Imaginários Digitais serve de destaque às artes e culturas digitais na região sul da França : Marselha, Aix-en-Provence e Avignon. O público é convidado a descobrir um programa multidisciplinar entre exposições, concertos, performances, espectáculos ao vivo, etc. Esta terceira edição explora o tema da noite e reúne o trabalho de artistas locais, nacionais e internacionais de todas as esferas da vida. Noite, um tema rico em significado. Noite é o espaço dos sonhos, pesadelos, auto-metamorfoses, transformação dos corpos, identidades e comportamentos. A partir deste poder criativo, a noite sempre foi percebida como um espaço a ser controlado. Pouco a pouco, o espaço da noite, especialmente a noite urbana, está sendo invadido pelas atividades do dia. O tempo contínuo da economia e das redes, dos computadores e dos algoritmos vai colonizando gradualmente os ritmos de nossas vidas e não oferece mais nenhum espaço para descanso e liberdade. A tecnologia interfere até nos nossos sonhos? Depois do Quebec em 2018 e Taiwan em 2019, a Bienal convida a Bélgica em 2022 a construir conjuntamente a programação da Bienal que oferece uma oportunidade única para se descobrir a vitalidade desta cena artística digital, decididamente dinâmica e transdisciplinar, valendo-se da cultura do plural e do múltiplo para revelar uma era.
www.chroniques.org
A Bienal dos Imaginários Digitais serve de destaque às artes e culturas digitais na região sul da França : Marselha, Aix-en-Provence e Avignon. O público é convidado a descobrir um programa multidisciplinar entre exposições, concertos, performances, espectáculos ao vivo, etc. Esta terceira edição explora o tema da noite e reúne o trabalho de artistas locais, nacionais e internacionais de todas as esferas da vida. Noite, um tema rico em significado. Noite é o espaço dos sonhos, pesadelos, auto-metamorfoses, transformação dos corpos, identidades e comportamentos. A partir deste poder criativo, a noite sempre foi percebida como um espaço a ser controlado. Pouco a pouco, o espaço da noite, especialmente a noite urbana, está sendo invadido pelas atividades do dia. O tempo contínuo da economia e das redes, dos computadores e dos algoritmos vai colonizando gradualmente os ritmos de nossas vidas e não oferece mais nenhum espaço para descanso e liberdade. A tecnologia interfere até nos nossos sonhos? Depois do Quebec em 2018 e Taiwan em 2019, a Bienal convida a Bélgica em 2022 a construir conjuntamente a programação da Bienal que oferece uma oportunidade única para se descobrir a vitalidade desta cena artística digital, decididamente dinâmica e transdisciplinar, valendo-se da cultura do plural e do múltiplo para revelar uma era.
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Jean-Baptiste Fossin, pulseira hera prata, ouro, diamantes, esmalte,
pérolas finas. © : Julien Claessens & Thomas Deschamps – Talent & Partnert
VEGETAL, l’école de la beauté – exposição até 4 de Setembro de 2022
A exposição Vegetal, a escola da beleza apresentada pela joalheria Chaumet e a Beaux-Arts de Paris com curadoria do botânico Marc Jeanson, celebra a natureza atemporal das plantas cruzando visões, períodos e meios de comunicação, convidando-nos a olhar a natureza através do prisma universal da arte e da beleza. Cerca de 400 obras oferecem assim ao público um passeio livre por 5.000 anos de arte e ciência contados através do diálogo entre pinturas, esculturas, têxteis, fotografias, móveis e cerca de 80 objetos da joalharia Chaumet e outras casas. Marc Jeanson imaginou Vegetal como um herbário composto pelas espécies presentes nas criações de Chaumet. As plantas aparecem assim na paisagem em que coabitam: a floresta, a orla marítima, o canavial, o campo de trigo. Ao longo da exposição, o visitante se reconecta com as ferramentas do botânico, o olhar, o saber e a memória. Diante desses objetos da ciência que se tornaram objetos de arte e dessas observações preliminares de artistas que se tornaram botânicos, abre-se um mundo de maravilhas, guiado pela emoção e pelo sensível. A exposição também é livre de cronologia permitindo que o visitante passeie pelas diferentes paisagens que se sucedem, desde um afresco parietal de quase 5.000 anos até uma floresta de papelão da artista contemporânea Eva Jospin. Na paisagem domesticada do território, onde cresce o trigo, as tiaras de Marie-Étienne Nitot convivem com um campo de Raoul Dufy e uma jaqueta bordada com espigas de milho de Yves Saint Laurent. Com 400 obras, incluindo uma centena de objetos das coleções de Chaumet, incluindo criações de jóias, desenhos, fotografias e maillechorts - modelos de jóias feitos de uma liga de cobre, níquel e zinco - o corpus ilustra o entusiasmo que o projeto gerou.
Beaux-Arts de Paris - 13, quai Malaquais, 75006 Paris
Reservação : www.chaumet.com
A exposição Vegetal, a escola da beleza apresentada pela joalheria Chaumet e a Beaux-Arts de Paris com curadoria do botânico Marc Jeanson, celebra a natureza atemporal das plantas cruzando visões, períodos e meios de comunicação, convidando-nos a olhar a natureza através do prisma universal da arte e da beleza. Cerca de 400 obras oferecem assim ao público um passeio livre por 5.000 anos de arte e ciência contados através do diálogo entre pinturas, esculturas, têxteis, fotografias, móveis e cerca de 80 objetos da joalharia Chaumet e outras casas. Marc Jeanson imaginou Vegetal como um herbário composto pelas espécies presentes nas criações de Chaumet. As plantas aparecem assim na paisagem em que coabitam: a floresta, a orla marítima, o canavial, o campo de trigo. Ao longo da exposição, o visitante se reconecta com as ferramentas do botânico, o olhar, o saber e a memória. Diante desses objetos da ciência que se tornaram objetos de arte e dessas observações preliminares de artistas que se tornaram botânicos, abre-se um mundo de maravilhas, guiado pela emoção e pelo sensível. A exposição também é livre de cronologia permitindo que o visitante passeie pelas diferentes paisagens que se sucedem, desde um afresco parietal de quase 5.000 anos até uma floresta de papelão da artista contemporânea Eva Jospin. Na paisagem domesticada do território, onde cresce o trigo, as tiaras de Marie-Étienne Nitot convivem com um campo de Raoul Dufy e uma jaqueta bordada com espigas de milho de Yves Saint Laurent. Com 400 obras, incluindo uma centena de objetos das coleções de Chaumet, incluindo criações de jóias, desenhos, fotografias e maillechorts - modelos de jóias feitos de uma liga de cobre, níquel e zinco - o corpus ilustra o entusiasmo que o projeto gerou.
Beaux-Arts de Paris - 13, quai Malaquais, 75006 Paris
Reservação : www.chaumet.com
José de ALMADA NEGREIROS,
Retrato de Fernando Pessoa, 1964
oleo sobre tela, 226 x 225 cm,
Lisbonne, CAM-Fundação Calouste Gulbenkian,
inv. 64P66
© ADAGP, Paris 2022
MODERNITÉS PORTUGAISES – exposição até 30 de Outubro de 2022
A exposição Modernidades Portuguêsas é uma crônica de um modernismo cosmopolita, uma história sobre Portugal e Paris. A cidade luz, capital internacional da arte na época, atraia artistas, intelectuais e escritores de todo o mundo, e a partir do século XIX também foi o destino dos portuguêses em busca da modernidade. A exposição cobre um vasto período desde os anos 1910 até os anos 70 e reúne artistas de diferentes gerações e estilos que viveram em Paris, destacando algumas facetas de uma longa história e numerosos intercâmbios. O modernismo português começou por volta de 1910 e foi liderado por um punhado de jovens artistas e poetas, determinados a tomar nas suas próprias mãos o destino da arte e da cultura portuguesas. São eles Fernando Pessoa, Mário de Sá-Carneiro, Amadeo de Souza Cardoso, José de Almada Negreiros, Santa Rita Pintor, Eduardo Viana, José Pacheco. Como disse Pessoa, eles queriam criar uma arte que fosse cosmopolita no espaço e no tempo, que fosse contemporânea, europeia e lusitana. Este primeiro modernismo, em perfeita sintonia com as vanguardas da época , o futurismo e o cubismo em particular, foi uma aventura intensa e prolífica. Rica em obras-primas e produções decisivas, traduz-se em poemas e manifestos, escritos em particular por Pessoa e Sá-Carneiro e publicados no seu jornal Orpheu. Mas esta aventura termina no final da Guerra, com a morte de três figuras-chave: Sá-Carneiro em 1916, Amadeo e Santa Rita em 1918. A exposição destaca três momentos do puzzle modernista. A primeira, portanto, através de uma seleção de obras emblemáticas de Amadeo de Souza-Cardoso, Eduardo Viana, Almada Negreiros e os Delaunays, evoca as relações e trocas entre Paris e Portugal, das quais a revista Orpheu (1915), dirigida por Pessoa e Sá-Carneiro, é testemunha. Esta é conhecida como a geração Orpheu. Os protagonistas desta vanguarda portuguesa são poucos. Dois outros momentos importantes compõem nosso quebra-cabeça: Vieira da Silva e Árpád Szenes prosseguem seu trabalho independente em um diálogo de longo prazo. A exposição evoca o surrealismo português, fundado em 1940, com Cesariny e Dacosta, que se mudaram para Paris no final da década de 1940. A exposição Modernidades Portuguesas permitirá assim ao público descobrir artistas que não conhecemos e olhar com novos olhos para artistas que conhecemos.
Maison Caillebotte - 8 rue de Concy , 91330 Yerres
proprietecaillebotte.com
A exposição Modernidades Portuguêsas é uma crônica de um modernismo cosmopolita, uma história sobre Portugal e Paris. A cidade luz, capital internacional da arte na época, atraia artistas, intelectuais e escritores de todo o mundo, e a partir do século XIX também foi o destino dos portuguêses em busca da modernidade. A exposição cobre um vasto período desde os anos 1910 até os anos 70 e reúne artistas de diferentes gerações e estilos que viveram em Paris, destacando algumas facetas de uma longa história e numerosos intercâmbios. O modernismo português começou por volta de 1910 e foi liderado por um punhado de jovens artistas e poetas, determinados a tomar nas suas próprias mãos o destino da arte e da cultura portuguesas. São eles Fernando Pessoa, Mário de Sá-Carneiro, Amadeo de Souza Cardoso, José de Almada Negreiros, Santa Rita Pintor, Eduardo Viana, José Pacheco. Como disse Pessoa, eles queriam criar uma arte que fosse cosmopolita no espaço e no tempo, que fosse contemporânea, europeia e lusitana. Este primeiro modernismo, em perfeita sintonia com as vanguardas da época , o futurismo e o cubismo em particular, foi uma aventura intensa e prolífica. Rica em obras-primas e produções decisivas, traduz-se em poemas e manifestos, escritos em particular por Pessoa e Sá-Carneiro e publicados no seu jornal Orpheu. Mas esta aventura termina no final da Guerra, com a morte de três figuras-chave: Sá-Carneiro em 1916, Amadeo e Santa Rita em 1918. A exposição destaca três momentos do puzzle modernista. A primeira, portanto, através de uma seleção de obras emblemáticas de Amadeo de Souza-Cardoso, Eduardo Viana, Almada Negreiros e os Delaunays, evoca as relações e trocas entre Paris e Portugal, das quais a revista Orpheu (1915), dirigida por Pessoa e Sá-Carneiro, é testemunha. Esta é conhecida como a geração Orpheu. Os protagonistas desta vanguarda portuguesa são poucos. Dois outros momentos importantes compõem nosso quebra-cabeça: Vieira da Silva e Árpád Szenes prosseguem seu trabalho independente em um diálogo de longo prazo. A exposição evoca o surrealismo português, fundado em 1940, com Cesariny e Dacosta, que se mudaram para Paris no final da década de 1940. A exposição Modernidades Portuguesas permitirá assim ao público descobrir artistas que não conhecemos e olhar com novos olhos para artistas que conhecemos.
Maison Caillebotte - 8 rue de Concy , 91330 Yerres
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Jean PAINLEVÉ
Sem titulo [Transição de fase
nos cristais liquidos], 1978
fotograma
Les Documents
Cinématographiques/Archives
Jean Painlevé
JEAN PAINLEVE, les pieds dans l’eau – exposição até 18 de Setembro de 2022
Jean Painlevé (1902-1989), cineasta e biólogo francês especializado na fauna subaquática, se destacou através de seus documentários científicos. Inicialmente desprezado pelo mundo científico, que considerava o cinema como um instrumento de observação científica pouco sério, foi logo notado pelos surrealistas e, em particular, por André Breton, que admirava a visão plástica e evocativa de seus filmes. No entanto, nunca aderiu a qualquer movimento, preservando uma certa originalidade e liberdade no seu trabalho. Resistente durante a Segunda Guerra Mundial, investido na luta antifascista, produziu O Vampiro como uma parábola da história europeia de seu tempo, estigmatizando assim o espírito de predação. Após a Segunda Guerra Mundial, participou da criação da União Mundial dos Documentaristas. O seu trabalho caracteriza-se pela preocupação com o rigor descritivo dos seus temas e pelo profundo desejo de partilhar a emoção e o deslumbramento pelo mistério da natureza que seus filmes ajudam a desvendar. Ainda hoje, as explorações do cineasta nos oferecem uma reflexão sobre a relação do homem com o ser vivo, sobre o papel da tecnologia no ato de ver e compreender. O litoral ofereceu a Painlevé seu primeiro território de exploração. Com Geneviève Hamon, sua assistente e companheira de toda a vida, rodou seus primeiros dez filmes dedicados à vida selvagem na costa marinha na Bretanha, um ambiente que se mostrou vital para sua pesquisa. Ele dirigiu cerca de duzentos filmes ao longo de sua carreira. O seu ecletismo musical acompanha o ritmo dos seus filmes. Sofisticada, evoluindo em ritmo com os animais, a música contribui para a sua personificação, um processo subversivo recorrente em todo o seu trabalho. A exposição apresenta mais de 200 obras, incluindo impressões de vintage, documentos e uma dúzia dos seus filmes.
JEU DE PAUME - 1, place de la Concorde, 75001 Paris
www.jeudepaume.org
Jean Painlevé (1902-1989), cineasta e biólogo francês especializado na fauna subaquática, se destacou através de seus documentários científicos. Inicialmente desprezado pelo mundo científico, que considerava o cinema como um instrumento de observação científica pouco sério, foi logo notado pelos surrealistas e, em particular, por André Breton, que admirava a visão plástica e evocativa de seus filmes. No entanto, nunca aderiu a qualquer movimento, preservando uma certa originalidade e liberdade no seu trabalho. Resistente durante a Segunda Guerra Mundial, investido na luta antifascista, produziu O Vampiro como uma parábola da história europeia de seu tempo, estigmatizando assim o espírito de predação. Após a Segunda Guerra Mundial, participou da criação da União Mundial dos Documentaristas. O seu trabalho caracteriza-se pela preocupação com o rigor descritivo dos seus temas e pelo profundo desejo de partilhar a emoção e o deslumbramento pelo mistério da natureza que seus filmes ajudam a desvendar. Ainda hoje, as explorações do cineasta nos oferecem uma reflexão sobre a relação do homem com o ser vivo, sobre o papel da tecnologia no ato de ver e compreender. O litoral ofereceu a Painlevé seu primeiro território de exploração. Com Geneviève Hamon, sua assistente e companheira de toda a vida, rodou seus primeiros dez filmes dedicados à vida selvagem na costa marinha na Bretanha, um ambiente que se mostrou vital para sua pesquisa. Ele dirigiu cerca de duzentos filmes ao longo de sua carreira. O seu ecletismo musical acompanha o ritmo dos seus filmes. Sofisticada, evoluindo em ritmo com os animais, a música contribui para a sua personificação, um processo subversivo recorrente em todo o seu trabalho. A exposição apresenta mais de 200 obras, incluindo impressões de vintage, documentos e uma dúzia dos seus filmes.
JEU DE PAUME - 1, place de la Concorde, 75001 Paris
www.jeudepaume.org
JAM CAPSULE- Jardins Mystiques promenade dans les chefs d'œuvre des peintres flamands, Tom Volf ©Thomas Brémond
JAM CAPSULE, uma experiência imersiva – a partir de 27 de Abril de 2022
JAM CAPSULE é o projeto do Atelier JAM, uma oficina de cenografia dedicada à produção e cenografia aplicada ao setor artístico e cultural. Um edifício de lona oblongo, esta célula surpreendente abriga em seu interior um dos dispositivos culturais imersivos mais importantes da Europa. JAM CAPSULE convida todos a mergulharem numa experiência artística visual e sonora única. Com 1000 m² de superfície de projeção video combinados com um sistema de som espacializado, as imagens deslocam-se e seguem cada canto deste espaço atípico. Graças às tecnologias mais avançadas em termos de experiência imersiva, os visitantes podem percorrer diversas obras, denominadas "cápsulas". Para a abertura do JAM CAPSULE, são apresentados quatro trabalhos originais, abrangendo diferentes formas de arte, desde a pintura até à 7ª arte, incluindo música, dança, cinema e o ambiente. Yann Arthus-Bertrand revela, junto à música de Armand Amar, uma verdadeira ode à Terra na sua obra "Legado, a coragem da verdade". O melhor dos filmes de Yann Arthus-Bertrand. 15 anos a viajar pelo mundo para contar a sua história e dar alimento para reflexão sobre o patrimônio a transmitir às gerações futuras. Através de arquivos inéditos, conheça a lendária Maria Callas em uma grandiosa projeção produzida por Tom Volf , “Maria by Callas, a experiência”.Tanto para os amantes de ópera como para os novatos, esta cápsula revela as muitas facetas da famosa cantora e diva. Pierre Goismier convida o público a descobrir as maravilhas da Terra do Sol Nascente, em “Japão, uma outra visão”, Um Japão de contrastes, entre a projeção monumental das mais belas imagens aéreas das neves da ilha de Hokkaido e as águas azul-turquesa de Okinawa. A cápsula Jardins Místicos é um passeio pelas maiores obras-primas dos pintores flamengos do século XV, ambientado com música e movimento sob a direção artística de Tom Volf. Passeie pelos jardins de Van Eyck's Cordeiro Místico, dentro do mundo mágico de Bosch e surpreenda-se com as chamas do Juízo Final de Van der Weyden.
JAM CAPSULE - Paris Expo Porte de Versailles. Pavillon 5.3 1, Place de la Porte de Versailles, Paris 15
Bilheteria online no site oficial do JAM CAPSULE: jamcapsule.fr
JAM CAPSULE é o projeto do Atelier JAM, uma oficina de cenografia dedicada à produção e cenografia aplicada ao setor artístico e cultural. Um edifício de lona oblongo, esta célula surpreendente abriga em seu interior um dos dispositivos culturais imersivos mais importantes da Europa. JAM CAPSULE convida todos a mergulharem numa experiência artística visual e sonora única. Com 1000 m² de superfície de projeção video combinados com um sistema de som espacializado, as imagens deslocam-se e seguem cada canto deste espaço atípico. Graças às tecnologias mais avançadas em termos de experiência imersiva, os visitantes podem percorrer diversas obras, denominadas "cápsulas". Para a abertura do JAM CAPSULE, são apresentados quatro trabalhos originais, abrangendo diferentes formas de arte, desde a pintura até à 7ª arte, incluindo música, dança, cinema e o ambiente. Yann Arthus-Bertrand revela, junto à música de Armand Amar, uma verdadeira ode à Terra na sua obra "Legado, a coragem da verdade". O melhor dos filmes de Yann Arthus-Bertrand. 15 anos a viajar pelo mundo para contar a sua história e dar alimento para reflexão sobre o patrimônio a transmitir às gerações futuras. Através de arquivos inéditos, conheça a lendária Maria Callas em uma grandiosa projeção produzida por Tom Volf , “Maria by Callas, a experiência”.Tanto para os amantes de ópera como para os novatos, esta cápsula revela as muitas facetas da famosa cantora e diva. Pierre Goismier convida o público a descobrir as maravilhas da Terra do Sol Nascente, em “Japão, uma outra visão”, Um Japão de contrastes, entre a projeção monumental das mais belas imagens aéreas das neves da ilha de Hokkaido e as águas azul-turquesa de Okinawa. A cápsula Jardins Místicos é um passeio pelas maiores obras-primas dos pintores flamengos do século XV, ambientado com música e movimento sob a direção artística de Tom Volf. Passeie pelos jardins de Van Eyck's Cordeiro Místico, dentro do mundo mágico de Bosch e surpreenda-se com as chamas do Juízo Final de Van der Weyden.
JAM CAPSULE - Paris Expo Porte de Versailles. Pavillon 5.3 1, Place de la Porte de Versailles, Paris 15
Bilheteria online no site oficial do JAM CAPSULE: jamcapsule.fr
Lerato Shadi, Magobo Dinku, 2019, video still, 1-channel video work (duração: 6 min), Cortesia Lerato Shadi e gallery blank projects , Cidade do Cabo
POLYPHONE, polyphonies visuelles et sonores – exposição de 20 de Maio a 7 de Novembro de 2022
O Museu de Arte e História Paul Eluard de Saint-Denis, que é eminentemente polifônico, pretende ser um lugar onde uma pluralidade de vozes possa ser ouvida, um lugar de intercâmbio, reciprocidade e partilha. A exposição Polyphone, polyphonies visuelles et sonores articula as visões de 14 artistas, imbuídos tanto de poesia quanto de pensamento crítico sobre a sociedade contemporânea. Embora a exposição seja baseada na polifonia musical como um conjunto de várias vozes e sons, ela também se refere ao significado lingüístico de acordo com o teórico Mikhail Bakhtin. Assim, a exposição destaca as formas pelas quais, às vezes, sistemas contraditórios de expressão e representação podem ser articulados. Polyphone oferece a percepção de sotaques, músicas psicodélicas, vibrações, sons de piano, campos eletromagnéticos, rumba, gotas d'água, entonações de voz, um manifesto, ruídos relacionados a um tanque militar, vozes de mulheres e políticos, linguagem de sinais. A exposição utiliza diferentes modos de escuta e observação, convidando os visitantes a vaguear com fones de ouvido para capturar o inaudível, a permanecer em uma plataforma integrando um arquivo de sons, a ver fotografias de sons, a deixar-se levar pela música composta, ou a ser desafiados por vozes fantasmagóricas emergindo aleatoriamente das salas da coleção permanente.
Musée d’Art et d’Histoire Paul Eluard - 22 bis, rue Gabriel Péri, 93200 Saint-Denis
www.musee-saint-denis.fr
O Museu de Arte e História Paul Eluard de Saint-Denis, que é eminentemente polifônico, pretende ser um lugar onde uma pluralidade de vozes possa ser ouvida, um lugar de intercâmbio, reciprocidade e partilha. A exposição Polyphone, polyphonies visuelles et sonores articula as visões de 14 artistas, imbuídos tanto de poesia quanto de pensamento crítico sobre a sociedade contemporânea. Embora a exposição seja baseada na polifonia musical como um conjunto de várias vozes e sons, ela também se refere ao significado lingüístico de acordo com o teórico Mikhail Bakhtin. Assim, a exposição destaca as formas pelas quais, às vezes, sistemas contraditórios de expressão e representação podem ser articulados. Polyphone oferece a percepção de sotaques, músicas psicodélicas, vibrações, sons de piano, campos eletromagnéticos, rumba, gotas d'água, entonações de voz, um manifesto, ruídos relacionados a um tanque militar, vozes de mulheres e políticos, linguagem de sinais. A exposição utiliza diferentes modos de escuta e observação, convidando os visitantes a vaguear com fones de ouvido para capturar o inaudível, a permanecer em uma plataforma integrando um arquivo de sons, a ver fotografias de sons, a deixar-se levar pela música composta, ou a ser desafiados por vozes fantasmagóricas emergindo aleatoriamente das salas da coleção permanente.
Musée d’Art et d’Histoire Paul Eluard - 22 bis, rue Gabriel Péri, 93200 Saint-Denis
www.musee-saint-denis.fr
Talus à l'approche 2019 Aquarela sobre papel marouflado 146×114 cm Coleção privada © Claire Illouz / © Jean-Michel Rousvoal
CLAIRE ILLOUZ, LES ABORDS DU PAYSAGE – exposição de 10 de Abril a 18 de Setembro de 2022
Claire Illouz , nascida em 1955 é uma artista francesa contemporânea residente em uma aldeia localizada no Parque Natural Regional Francês do Vexin, a cerca de sessenta quilômetros de L'Isle-Adam. Para esta exposição, "Paisagem circundante", foram reunidas cerca de 80 peças: pinturas, desenhos, gravuras e livros de artista, quer de coleções particulares, quer do atelier da artista. Claire Illouz interessa-se pela paisagem, mas uma paisagem algo esquecida: são os espaços negligenciados, onde a natureza recuperou os seus direitos, que prendem a sua atenção. Ela mostra áreas cobertas com ervas daninhas luxuriantes, que se multiplicaram de uma forma aparentemente anárquica. Ela imagina o entrelaçamento de raízes escondidas no subsolo e os objetos abandonados pelo homem que ali poderiam estar escondidos, como vestígios modernos. Habilmente compostas, sempre a partir de esboços feitos no local, estas paisagens do talus são tratadas com uma delicadeza infinita e uma meticulosidade de linha que confere a estes espaços marginais uma rara elegância. Embora o ponto de partida de todos os trabalhos da artista seja o desenho (carvão, grafite, etc.), a sua exigência visual é acompanhada por experiências plásticas que a levam a experimentar vários suportes: pintura a óleo, aquarela, gravura (água-tinta, gravura, buril e ponta seca).
Musée d'art et d'histoire Louis Senlecq - 31 Grande Rue, 95 290 L’Isle-Adam
Musée d'art et d'histoire Louis Senlecq | L'Isle-Adam (ville-isle-adam.fr)
Claire Illouz , nascida em 1955 é uma artista francesa contemporânea residente em uma aldeia localizada no Parque Natural Regional Francês do Vexin, a cerca de sessenta quilômetros de L'Isle-Adam. Para esta exposição, "Paisagem circundante", foram reunidas cerca de 80 peças: pinturas, desenhos, gravuras e livros de artista, quer de coleções particulares, quer do atelier da artista. Claire Illouz interessa-se pela paisagem, mas uma paisagem algo esquecida: são os espaços negligenciados, onde a natureza recuperou os seus direitos, que prendem a sua atenção. Ela mostra áreas cobertas com ervas daninhas luxuriantes, que se multiplicaram de uma forma aparentemente anárquica. Ela imagina o entrelaçamento de raízes escondidas no subsolo e os objetos abandonados pelo homem que ali poderiam estar escondidos, como vestígios modernos. Habilmente compostas, sempre a partir de esboços feitos no local, estas paisagens do talus são tratadas com uma delicadeza infinita e uma meticulosidade de linha que confere a estes espaços marginais uma rara elegância. Embora o ponto de partida de todos os trabalhos da artista seja o desenho (carvão, grafite, etc.), a sua exigência visual é acompanhada por experiências plásticas que a levam a experimentar vários suportes: pintura a óleo, aquarela, gravura (água-tinta, gravura, buril e ponta seca).
Musée d'art et d'histoire Louis Senlecq - 31 Grande Rue, 95 290 L’Isle-Adam
Musée d'art et d'histoire Louis Senlecq | L'Isle-Adam (ville-isle-adam.fr)
Gerda Grepp, Petit garçon à Malaga, 1936-1938 © Roger-Viollet, 2022.
PHOTOGRAPHIES EN GUERRE – exposição de 6 de Abril a 24 de Julho de 2022
O Museu do Exército apresenta pela primeira vez uma exposição dedicada não ao conflito, mas à sua representação através da fotografia, que vai muito além da reportagem de guerra. Qual é a realidade por detrás do termo comumente aceito de fotografia de guerra? Em muitos casos, responde efectivamente a uma pluralidade de usos, concorrentes, concomitantes ou sucessivos: as imagens são feitas com o objetivo de informar, documentar, provar, legitimar, enganar, denunciar, testemunhar, recordar e representar a guerra. A exposição pretende explorar a complexa relação entre fotografia e guerra desde o aparecimento deste novo meio num campo de batalha, em meados do século XIX, até aos dias de hoje. Muitas vezes reduzida à dimensão de reportagem de guerra, a fotografia utilizada para fins militares torna-se uma arma de combate e persuasão ou um instrumento de documentação e inteligência. A exposição centra-se nas imagens produzidas como obras de arte e documentos, mas também no seu contexto de criação, distribuição e recepção, bem como nas suas intenções subjacentes, com uma consideração permanente das suas dimensões sociais, culturais, econômicas, políticas e militares. Questiona também o seu carácter estético, situando-as nas correntes artísticas do seu tempo, mas também mostrando a posteridade plástica de imagens cuja vocação primordial era essencialmente prática ou documental. Por fim, a exposição Fotografias em Guerra é uma oportunidade para destacar as excepcionais coleções fotográficas do Museu do Exército, ricas em mais de 60.000 itens.
Hôtel national des Invalides - 129, rue de Grenelle - 75007 Paris
www.musee-armee.fr
O Museu do Exército apresenta pela primeira vez uma exposição dedicada não ao conflito, mas à sua representação através da fotografia, que vai muito além da reportagem de guerra. Qual é a realidade por detrás do termo comumente aceito de fotografia de guerra? Em muitos casos, responde efectivamente a uma pluralidade de usos, concorrentes, concomitantes ou sucessivos: as imagens são feitas com o objetivo de informar, documentar, provar, legitimar, enganar, denunciar, testemunhar, recordar e representar a guerra. A exposição pretende explorar a complexa relação entre fotografia e guerra desde o aparecimento deste novo meio num campo de batalha, em meados do século XIX, até aos dias de hoje. Muitas vezes reduzida à dimensão de reportagem de guerra, a fotografia utilizada para fins militares torna-se uma arma de combate e persuasão ou um instrumento de documentação e inteligência. A exposição centra-se nas imagens produzidas como obras de arte e documentos, mas também no seu contexto de criação, distribuição e recepção, bem como nas suas intenções subjacentes, com uma consideração permanente das suas dimensões sociais, culturais, econômicas, políticas e militares. Questiona também o seu carácter estético, situando-as nas correntes artísticas do seu tempo, mas também mostrando a posteridade plástica de imagens cuja vocação primordial era essencialmente prática ou documental. Por fim, a exposição Fotografias em Guerra é uma oportunidade para destacar as excepcionais coleções fotográficas do Museu do Exército, ricas em mais de 60.000 itens.
Hôtel national des Invalides - 129, rue de Grenelle - 75007 Paris
www.musee-armee.fr
Théophile Alexandre Steinlen, Asche, cartaz, coleção particular
LES JARDINS SECRETS DE THEOPHILE ALEXANDRE STEINLEN – de 2 de Abril a 18 de Setembro de 2022
Théophile Alexandre Steinlen (Lausanne 1859- Paris 1923), figura artística do final do século XIX, é ao mesmo tempo pintor, gravador, ilustrador, designer de cartazes e escultor. O trabalho de Steinlen é fortemente influenciado pelo centro artístico de Montmartre onde se estabelece em 1881. Seus desenhos são executados rapidamente, sem arrependimentos, com certeza para não deixar evaporar nada da intensidade da ação. Steinlen foi apresentado a Rodolphe Salis, o caprichoso proprietário suíço do cabaré "Le Chat noir". Se ele deve sua fama ao cartaz de "La Tournée du Chat Noir" (1896), Steinlen, pintor de felinos, também abordou uma grande variedade de assuntos, incluindo cenas de rua, retratos e caricaturas, sem mencionar suas muitas ilustrações para jornais como Le Mirliton ou L'Assiette au beurre. Do seu estúdio de Montmartre ao Vale do Oise, a representação das paisagens pelas quais viajou desempenhou um papel importante no seu trabalho. Esta exposição permite-nos redescobrir os lugares que Steinlen estimava, desde as ruas estreitas do topo da colina de Montmartre, às vistas de Paris e dos seus subúrbios, às colinas verdes do Vexin, sem esquecer a sua viagem à Noruega. Steinlen também se inspirou no seu jardim em Jouy-le-Moutier, onde desenhou os caminhos, que cultivou e desenhou incansavelmente. Esta exposição revelará, com obras inéditas, as paisagens e interiores do pintor, e procurará também apresentar as pessoas do seu círculo artístico, como Aristide Bruant, Georges Clemenceau e Anatole France e a sua vida privada Vale do Oise. Através dessa exposição o Château d’Auvers prossegue o seu desejo de promover os artistas do movimento impressionista e seus contemporâneos, enriquecendo o conhecimento do centro artístico do Vale do Oise.
Château d’Auvers – rue François Mitterand, 95430 Auvers-sur-Oise
www.chateau-auvers.fr
Théophile Alexandre Steinlen (Lausanne 1859- Paris 1923), figura artística do final do século XIX, é ao mesmo tempo pintor, gravador, ilustrador, designer de cartazes e escultor. O trabalho de Steinlen é fortemente influenciado pelo centro artístico de Montmartre onde se estabelece em 1881. Seus desenhos são executados rapidamente, sem arrependimentos, com certeza para não deixar evaporar nada da intensidade da ação. Steinlen foi apresentado a Rodolphe Salis, o caprichoso proprietário suíço do cabaré "Le Chat noir". Se ele deve sua fama ao cartaz de "La Tournée du Chat Noir" (1896), Steinlen, pintor de felinos, também abordou uma grande variedade de assuntos, incluindo cenas de rua, retratos e caricaturas, sem mencionar suas muitas ilustrações para jornais como Le Mirliton ou L'Assiette au beurre. Do seu estúdio de Montmartre ao Vale do Oise, a representação das paisagens pelas quais viajou desempenhou um papel importante no seu trabalho. Esta exposição permite-nos redescobrir os lugares que Steinlen estimava, desde as ruas estreitas do topo da colina de Montmartre, às vistas de Paris e dos seus subúrbios, às colinas verdes do Vexin, sem esquecer a sua viagem à Noruega. Steinlen também se inspirou no seu jardim em Jouy-le-Moutier, onde desenhou os caminhos, que cultivou e desenhou incansavelmente. Esta exposição revelará, com obras inéditas, as paisagens e interiores do pintor, e procurará também apresentar as pessoas do seu círculo artístico, como Aristide Bruant, Georges Clemenceau e Anatole France e a sua vida privada Vale do Oise. Através dessa exposição o Château d’Auvers prossegue o seu desejo de promover os artistas do movimento impressionista e seus contemporâneos, enriquecendo o conhecimento do centro artístico do Vale do Oise.
Château d’Auvers – rue François Mitterand, 95430 Auvers-sur-Oise
www.chateau-auvers.fr
Toyen, O Paravento, 1966, oleo sobre tela©Paris Musées, Musée d'art moderne, dist RMN-Grand Palais©ADAGP Paris 2022
TOYEN, L'ECART ABSOLU – exposição de 25 de Março a 24 de Julho de 2022
Apresentada sucessivamente em Praga, Hamburgo e Paris, esta retrospectiva da obra de Toyen (1902-1980) é um evento que nos permite descobrir a excepcional carreira de uma grande artista do surrealismo que usou a pintura para questionar a imagem. Cento e cinqüenta obras são apresentadas em cinco partes. Estas seções mostram a forma como foram articulados os momentos-chave de uma busca realizada em "absoluto desvio" de todos os caminhos conhecidos. Nascida em Praga, Toyen atravessou o século sempre na confluência do que acontece de mais agitado para inventar seu próprio caminho. No coração da vanguarda tcheca, ela e Jindrich Styrsky (1899-1942) criaram o "artificialismo", que afirmava ser a identificação total do "pintor com o poeta". No final dos anos 1920, este movimento foi uma prefiguração marcante da "abstração lírica" dos anos 1950. Mas o interesse de Toyen na questão erótica e sua determinação em explorar novos espaços sensíveis a aproximou do surrealismo. Em 1934, ela foi uma das fundadoras do movimento surrealista tcheco. Foi então que ela se tornou amiga de Paul Eluard e André Breton. Durante a Segunda Guerra Mundial, ela escondeu o jovem poeta judeu Jindrich Heisler (1914-1953), enquanto produzia impressionantes ciclos de desenhos para capturar o horror dos tempos. Em 1948, recusando o totalitarismo que se instalava na Tchecoslováquia, ela veio a Paris para juntar-se a André Breton e ao grupo surrealista. Se ela participa de todas as suas manifestações, ocupa aí um lugar especial, perseguindo a exploração da noite do amor através do que une desejo e representação. Singular em todos os aspectos, Toyen nunca deixou de dizer que não era pintora, mesmo sendo uma das raras artistas a revelar a profundidade e sutilezas de um pensamento através de imagens, cujo alcance visionário ainda não foi descoberto.
Musée d’Art Moderne de Paris - 11 Avenue du Président Wilson, 75116 Paris
www.mam.paris.fr
Apresentada sucessivamente em Praga, Hamburgo e Paris, esta retrospectiva da obra de Toyen (1902-1980) é um evento que nos permite descobrir a excepcional carreira de uma grande artista do surrealismo que usou a pintura para questionar a imagem. Cento e cinqüenta obras são apresentadas em cinco partes. Estas seções mostram a forma como foram articulados os momentos-chave de uma busca realizada em "absoluto desvio" de todos os caminhos conhecidos. Nascida em Praga, Toyen atravessou o século sempre na confluência do que acontece de mais agitado para inventar seu próprio caminho. No coração da vanguarda tcheca, ela e Jindrich Styrsky (1899-1942) criaram o "artificialismo", que afirmava ser a identificação total do "pintor com o poeta". No final dos anos 1920, este movimento foi uma prefiguração marcante da "abstração lírica" dos anos 1950. Mas o interesse de Toyen na questão erótica e sua determinação em explorar novos espaços sensíveis a aproximou do surrealismo. Em 1934, ela foi uma das fundadoras do movimento surrealista tcheco. Foi então que ela se tornou amiga de Paul Eluard e André Breton. Durante a Segunda Guerra Mundial, ela escondeu o jovem poeta judeu Jindrich Heisler (1914-1953), enquanto produzia impressionantes ciclos de desenhos para capturar o horror dos tempos. Em 1948, recusando o totalitarismo que se instalava na Tchecoslováquia, ela veio a Paris para juntar-se a André Breton e ao grupo surrealista. Se ela participa de todas as suas manifestações, ocupa aí um lugar especial, perseguindo a exploração da noite do amor através do que une desejo e representação. Singular em todos os aspectos, Toyen nunca deixou de dizer que não era pintora, mesmo sendo uma das raras artistas a revelar a profundidade e sutilezas de um pensamento através de imagens, cujo alcance visionário ainda não foi descoberto.
Musée d’Art Moderne de Paris - 11 Avenue du Président Wilson, 75116 Paris
www.mam.paris.fr
Charles CAMOIN, (1879-1965)
O Saltimbanque em repouso, 1905, oleo sobre cartão, 65 x 81 cm
Musée d’Art Moderne de Paris
ADAGP, Paris 2022
CHARLES CAMOIN, UN FAUVE EN LIBERTE - exposição de 11 de Março a 11 de Setembro de 2022
Charles Camoin (Marselha 1879-Paris 1965) é um artista pouco conhecido do fauvismo. A exposição Charles Camoin, uma fera em liberdade propõe uma redescoberta de sua obra e reúne uma centena de pinturas e desenhos, alguns dos quais nunca foram mostrados, na própria localização de um de seus estúdios que ele ocupou em 1908. Olhar o trabalho de Camoin é seguir de perto uma busca artística cujo cenário principal não era apenas o sul da França e as margens do Mediterrâneo - de onde ele veio - mas também Paris e Montmartre - onde ele viveu toda a sua vida. A descoberta da luz do sul foi um fator decisivo no desenvolvimento do fauvismo para seus companhheiros que cultivaram esta maravilha ao longo de sua vida. Por outro lado, foi indo para o norte que ele se juntou ao fauvismo e para o qual, sem dúvida, trouxe sua cultura mediterrânea. Embora o pintor reivindique sua independência artística e opte por uma abordagem sensualista e hedonista muito pessoal, sua obra compartilha especificidades comuns com a de seus companheiros : a emancipação da imitação da realidade, a busca de uma expressão intuitiva, a simplificação das formas, a relativa autonomia da cor, ou a aparência de uma improvisação rápida. Suas pinturas permanecem sempre uma construção baseada na harmonia de cores : seu objetivo é o de uma expressividade plástica, uma forma de realismo lírico, que se coloca na perspectiva do fauvismo. Tanto cronológica quanto temática, o percurso da exposição refaz a trajetória artística de Camoin, muitas vezes descrito como “Fauve do Mediterrâneo”. A exposição explora vários episódios de sua vida que lhe permitiram inscrever-se, a partir de suas ligações com Paris e o boêmio Montmartre, no círculo da vanguarda internacional.
Musée de Montmartre - Jardins Renoir, 12 rue Cortot – Paris 18ème
https://museedemontmartre.fr/
Charles Camoin (Marselha 1879-Paris 1965) é um artista pouco conhecido do fauvismo. A exposição Charles Camoin, uma fera em liberdade propõe uma redescoberta de sua obra e reúne uma centena de pinturas e desenhos, alguns dos quais nunca foram mostrados, na própria localização de um de seus estúdios que ele ocupou em 1908. Olhar o trabalho de Camoin é seguir de perto uma busca artística cujo cenário principal não era apenas o sul da França e as margens do Mediterrâneo - de onde ele veio - mas também Paris e Montmartre - onde ele viveu toda a sua vida. A descoberta da luz do sul foi um fator decisivo no desenvolvimento do fauvismo para seus companhheiros que cultivaram esta maravilha ao longo de sua vida. Por outro lado, foi indo para o norte que ele se juntou ao fauvismo e para o qual, sem dúvida, trouxe sua cultura mediterrânea. Embora o pintor reivindique sua independência artística e opte por uma abordagem sensualista e hedonista muito pessoal, sua obra compartilha especificidades comuns com a de seus companheiros : a emancipação da imitação da realidade, a busca de uma expressão intuitiva, a simplificação das formas, a relativa autonomia da cor, ou a aparência de uma improvisação rápida. Suas pinturas permanecem sempre uma construção baseada na harmonia de cores : seu objetivo é o de uma expressividade plástica, uma forma de realismo lírico, que se coloca na perspectiva do fauvismo. Tanto cronológica quanto temática, o percurso da exposição refaz a trajetória artística de Camoin, muitas vezes descrito como “Fauve do Mediterrâneo”. A exposição explora vários episódios de sua vida que lhe permitiram inscrever-se, a partir de suas ligações com Paris e o boêmio Montmartre, no círculo da vanguarda internacional.
Musée de Montmartre - Jardins Renoir, 12 rue Cortot – Paris 18ème
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Albert Edelfelt, Crianças na beira da agua, 1884,
Helsinque, museu de Arte do Ateneum, galeria national da Finlandia / coleção Ahlström.
© Finnish National Gallery / Hannu Aaltonen
ALBERT EDELFELT (1854-1905), Lumières de Finlande – exposição de 10 de Março a 10 de Julho de 2022
A exposição dedicada à Albert Edelfelt, uma das glórias da pintura finlandesa, é organizada juntamente com o Museu de Arte do Ateneum de Helsinque. Uma centena de obras traça a evolução da sua carreira e mostra como este artista contribuiu largamente para o reconhecimento da arte finlandesa no final do século XIX. Nascido em 1854, na costa sul da Finlândia, seguiu uma formação artística inicial em Helsínque. Desejando seguir a carreira de pintor histórico, Edelfelt empreendeu uma viagem a Paris para iniciar sua carreira e, como muitos artistas da época, se estabeleceu lá. Em 1874 entrou no estúdio de Jean-Léon Gérôme. Muito rapidamente seu estilo, inicialmente historicista, evoluiu inspirando-se nas tendências inovadoras do meio parisiense. Em 1875, Edelfelt conheceu Jules Bastien-Lepage, um grande representante do naturalismo. A sua pintura oferece uma nova visão, combinando impressionismo e realismo. Em 1886, o pintor escolheu imortalizar Louis Pasteur, no meio da sua fama, que tinha acabado de descobrir a vacina contra a raiva. O retrato, uma verdadeira alegoria da ciência em curso, foi um sucesso retumbante no Salão e permitiu-lhe adquirir renome internacional. Ao mesmo tempo, Edelfelt continuou viajando para a Finlândia todos os verões, onde o seu amor pela paisagem foi expresso em composições ambiciosas e sensíveis. Inspirou-se na vida e tradições rurais da sua terra natal para criar grandes pinturas que depois mostrou no Salão. O seu domínio do crepúsculo e a sua ternura para com os seus habitantes fizeram dele um dos mais ardentes porta-vozes do seu país. Grande patriota, usou a sua fama na luta pela independência finlandesa contra a influência da todo-poderosa Rússia. Através do seu empenho político e estético e da sua estatura internacional, tornou-se um modelo para a geração mais jovem de artistas finlandeses. Edelfelt foi considerado o mais parisiense dos finlandeses e o mais finlandês dos parisienses e foi o primeiro artista finlandês a entrar nas coleções públicas francesas.
Petit Palais Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris - Avenue Winston-Churchill, 75008 Paris petitpalais.paris.fr
https://www.petitpalais.paris.fr/
A exposição dedicada à Albert Edelfelt, uma das glórias da pintura finlandesa, é organizada juntamente com o Museu de Arte do Ateneum de Helsinque. Uma centena de obras traça a evolução da sua carreira e mostra como este artista contribuiu largamente para o reconhecimento da arte finlandesa no final do século XIX. Nascido em 1854, na costa sul da Finlândia, seguiu uma formação artística inicial em Helsínque. Desejando seguir a carreira de pintor histórico, Edelfelt empreendeu uma viagem a Paris para iniciar sua carreira e, como muitos artistas da época, se estabeleceu lá. Em 1874 entrou no estúdio de Jean-Léon Gérôme. Muito rapidamente seu estilo, inicialmente historicista, evoluiu inspirando-se nas tendências inovadoras do meio parisiense. Em 1875, Edelfelt conheceu Jules Bastien-Lepage, um grande representante do naturalismo. A sua pintura oferece uma nova visão, combinando impressionismo e realismo. Em 1886, o pintor escolheu imortalizar Louis Pasteur, no meio da sua fama, que tinha acabado de descobrir a vacina contra a raiva. O retrato, uma verdadeira alegoria da ciência em curso, foi um sucesso retumbante no Salão e permitiu-lhe adquirir renome internacional. Ao mesmo tempo, Edelfelt continuou viajando para a Finlândia todos os verões, onde o seu amor pela paisagem foi expresso em composições ambiciosas e sensíveis. Inspirou-se na vida e tradições rurais da sua terra natal para criar grandes pinturas que depois mostrou no Salão. O seu domínio do crepúsculo e a sua ternura para com os seus habitantes fizeram dele um dos mais ardentes porta-vozes do seu país. Grande patriota, usou a sua fama na luta pela independência finlandesa contra a influência da todo-poderosa Rússia. Através do seu empenho político e estético e da sua estatura internacional, tornou-se um modelo para a geração mais jovem de artistas finlandeses. Edelfelt foi considerado o mais parisiense dos finlandeses e o mais finlandês dos parisienses e foi o primeiro artista finlandês a entrar nas coleções públicas francesas.
Petit Palais Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris - Avenue Winston-Churchill, 75008 Paris petitpalais.paris.fr
https://www.petitpalais.paris.fr/
Carolyn Cole, prisioneiros iraquianos depois do assalto à delegacia de policia em Kufa, no Iraque, pelos marines americanos. Esse posto servia de base à milicia do Mahdi. Kufa, Iraque, agosto de 2004©Carolyn Cole / Los Angeles Times
FEMMES PHOTOGRAPHES DE GUERRE – exposição de 8 de Março a 21 de Dezembro de 2022
Embora a fotografia de guerra seja uma profissão dominada por homens, muitas fotógrafas trabalharam em zonas de guerra. Elas documentaram crises globais e desempenharam um papel decisivo na formação da imagem da guerra. Em territórios de conflito, ao contrário dos homens, essas mulheres muitas vezes tiveram acesso a famílias, das quais criaram retratos particularmente comoventes. Também atuaram na linha de frente e tiraram fotos de vítimas de guerra que não poupam o observador. Ao destacar as fotografias e as carreiras de oito fotógrafas de guerra, a exposição questiona a noção de gênero, questiona a especificidade do olhar feminino sobre a guerra, derruba certos estereótipos, mostra que as mulheres são tanto portadoras de imagens quanto testemunhas de atrocidades. Na linha de frente há quase um século, elas tiram fotos sem esconder o horror dos eventos. Algumas perderam suas vidas. A exposição apresenta o trabalho de oito renomadas fotógrafas que cobriram 75 anos de conflitos internacionais entre 1936 e 2011: Lee Miller (1907-1977), Gerda Taro (1910-1937), Catherine Leroy (1944-2006), Christine Spengler (n. 1945), Françoise Demulder (1947-2008), Susan Meiselas (n. 1948), Carolyn Cole (n. 1961) e Anja Niedringhaus (1965-2014). Com a ajuda de uma centena de documentos, mais de 80 fotografias, assim como uma dúzia de jornais e revistas originais, a exposição destaca o envolvimento das mulheres em todos os conflitos, seja como combatentes, vítimas ou testemunhas.
Musée de la Libération de Paris– Musée du Général Leclerc– Musée Jean Moulin - 4, avenue du Colonel Rol Tanguy, Place Denfert Rochereau 75014 Paris
museeliberation-leclerc-moulin.paris.fr
Embora a fotografia de guerra seja uma profissão dominada por homens, muitas fotógrafas trabalharam em zonas de guerra. Elas documentaram crises globais e desempenharam um papel decisivo na formação da imagem da guerra. Em territórios de conflito, ao contrário dos homens, essas mulheres muitas vezes tiveram acesso a famílias, das quais criaram retratos particularmente comoventes. Também atuaram na linha de frente e tiraram fotos de vítimas de guerra que não poupam o observador. Ao destacar as fotografias e as carreiras de oito fotógrafas de guerra, a exposição questiona a noção de gênero, questiona a especificidade do olhar feminino sobre a guerra, derruba certos estereótipos, mostra que as mulheres são tanto portadoras de imagens quanto testemunhas de atrocidades. Na linha de frente há quase um século, elas tiram fotos sem esconder o horror dos eventos. Algumas perderam suas vidas. A exposição apresenta o trabalho de oito renomadas fotógrafas que cobriram 75 anos de conflitos internacionais entre 1936 e 2011: Lee Miller (1907-1977), Gerda Taro (1910-1937), Catherine Leroy (1944-2006), Christine Spengler (n. 1945), Françoise Demulder (1947-2008), Susan Meiselas (n. 1948), Carolyn Cole (n. 1961) e Anja Niedringhaus (1965-2014). Com a ajuda de uma centena de documentos, mais de 80 fotografias, assim como uma dúzia de jornais e revistas originais, a exposição destaca o envolvimento das mulheres em todos os conflitos, seja como combatentes, vítimas ou testemunhas.
Musée de la Libération de Paris– Musée du Général Leclerc– Musée Jean Moulin - 4, avenue du Colonel Rol Tanguy, Place Denfert Rochereau 75014 Paris
museeliberation-leclerc-moulin.paris.fr
Tarsila Do Amaral
A familia
1925
oleo sobre tela
79 x 101,5 cm
Espanha, Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofia
© Tarsila do Amaral Licenciamentos / foto Photographic
Arquivos Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,
Madrid
PIONNIERES, artistes dans le Paris des Années folles – exposição até 10 de Julho de 2022
Durante muito tempo marginalizadas e discriminadas em sua formação e em seu acesso a galerias, colecionadores e museus, as mulheres artistas da primeira metade do século XX, no entanto, desempenharam um papel fundamental no desenvolvimento dos grandes movimentos artísticos da modernidade sem serem reconhecidas como tal durante sua vida. É apenas recentemente que seu papel na vanguarda tem sido explorado. Esta exposição nos convida a inscrevê-las novamente nesta história transformadora da arte: do fauvismo à abstração, passando pelo cubismo, dadaismo e surrealismo em particular, mas também no mundo da arquitetura, dança, design, literatura e moda, assim como nas descobertas científicas. Suas explorações plásticas e conceituais testemunham ousadia e coragem diante das convenções estabelecidas que confinam as mulheres a certas profissões e estereótipos. As muitas convulsões do início do século 20 viram a afirmação de certas grandes figuras de artistas femininas. Multiplicaram-se após a Revolução Russa e a Primeira Guerra Mundial, o que acelerou o questionamento do modelo patriarcal por razões práticas, políticas e sociológicas. A década de 1920 foi um período de fermentação e efervescência cultural, a partir do qual será traçada a qualificação dos loucos anos 20. Sinônimo de festa, exuberância, forte crescimento econômico, esta época é também uma época de questionamento do que hoje se chama papéis de género. A crise econômica, a ascensão do totalitarismo, depois a a Segunda Guerra Mundial restringirá a visibilidade das mulheres e fará com que as pessoas esqueçam esse momento extraordinário na década de 1920, quando tiveram a palavra. A euforia antes da tempestade se manifesta sobretudo em algumas capitais onde Paris desempenha um papel central, e mais especificamente no Bairro Latino, Montparnasse e Montmartre. A exposição apresenta 45 artistas trabalhando em pintura, escultura, cinema, bem como novos tipos de objetos (pinturas têxteis, bonecas e marionetes). Artistas famosas como Suzanne Valadon, Tamara de Lempicka, Marie Laurencin convivem com figuras esquecidas como Mela Muter, Anton Prinner, Gerda Wegener. Essas mulheres vêm de todo o mundo, inclusive de outros continentes para onde algumas exportarão a ideia de modernidade: como Tarsila Do Amaral no Brasil, Amrita Sher Gil na Índia ou Pan Yuliang na China.
Musée du Luxembourg - 19 rue Vaugirard, 75006 Paris
Durante muito tempo marginalizadas e discriminadas em sua formação e em seu acesso a galerias, colecionadores e museus, as mulheres artistas da primeira metade do século XX, no entanto, desempenharam um papel fundamental no desenvolvimento dos grandes movimentos artísticos da modernidade sem serem reconhecidas como tal durante sua vida. É apenas recentemente que seu papel na vanguarda tem sido explorado. Esta exposição nos convida a inscrevê-las novamente nesta história transformadora da arte: do fauvismo à abstração, passando pelo cubismo, dadaismo e surrealismo em particular, mas também no mundo da arquitetura, dança, design, literatura e moda, assim como nas descobertas científicas. Suas explorações plásticas e conceituais testemunham ousadia e coragem diante das convenções estabelecidas que confinam as mulheres a certas profissões e estereótipos. As muitas convulsões do início do século 20 viram a afirmação de certas grandes figuras de artistas femininas. Multiplicaram-se após a Revolução Russa e a Primeira Guerra Mundial, o que acelerou o questionamento do modelo patriarcal por razões práticas, políticas e sociológicas. A década de 1920 foi um período de fermentação e efervescência cultural, a partir do qual será traçada a qualificação dos loucos anos 20. Sinônimo de festa, exuberância, forte crescimento econômico, esta época é também uma época de questionamento do que hoje se chama papéis de género. A crise econômica, a ascensão do totalitarismo, depois a a Segunda Guerra Mundial restringirá a visibilidade das mulheres e fará com que as pessoas esqueçam esse momento extraordinário na década de 1920, quando tiveram a palavra. A euforia antes da tempestade se manifesta sobretudo em algumas capitais onde Paris desempenha um papel central, e mais especificamente no Bairro Latino, Montparnasse e Montmartre. A exposição apresenta 45 artistas trabalhando em pintura, escultura, cinema, bem como novos tipos de objetos (pinturas têxteis, bonecas e marionetes). Artistas famosas como Suzanne Valadon, Tamara de Lempicka, Marie Laurencin convivem com figuras esquecidas como Mela Muter, Anton Prinner, Gerda Wegener. Essas mulheres vêm de todo o mundo, inclusive de outros continentes para onde algumas exportarão a ideia de modernidade: como Tarsila Do Amaral no Brasil, Amrita Sher Gil na Índia ou Pan Yuliang na China.
Musée du Luxembourg - 19 rue Vaugirard, 75006 Paris
Louis-Léopold BOILLY, Le Doux réveil, cerca de1789-1793, oleo sobre tela, Paris, Musée Cognacq Jay©Paris Musées/Musée Cognacq-Jay
BOILLY (1761-1845), CHRONIQUES PARISIENNES - exposição até 26 de Junho de 2022
Louis-Léopold Boilly (1761-1845) , artista virtuoso, prolífico e inclassificável, tornou-se um entusiasta cronista de Paris por sessenta anos, da revolução francesa de 1789 até a revolução de fevereiro de 1848 . Ele é o pintor de retratos dos parisienses, o pintor de cenas urbanas, o inventor do impressionante trompe-l'oeil e o autor de caricaturas picantes. Pouco interessado na grande história de Paris, ele é fascinado pela modernidade da cidade, sua efervescência e seus espetáculos. Boilly, como cronista da vida cotidiana, pinta um retrato íntimo de uma geração. O artista gosta de esquadrinhar lugares como os diferentes lugares de Paris. Ele se destacou na arte do retrato ao fixar os rostos dos parisienses em pequenos formatos que se tornaram sua marca registrada. O retratista também se tornou caricaturista, lançando um olhar divertido e até mordaz sobre seus concidadãos. . A exposição também revela o jogo refinado do artista de se colocar no palco. Ele pinta auto-retratos zombadores, multiplica suas assinaturas e desliza entre os protagonistas de suas cenas de multidão, como Alfred Hitchcock em seus filmes. Estes estratagemas criam uma relação de cumplicidade entre o artista e o espectador.Seu gosto pela provocação e pelo virtuosismo técnico pode ser encontrado em seu Trompe-l'œil, com sua deslumbrante qualidade ilusionista. Esta exposição monográfica explora a abundante carreira de Boilly através de 130 obras que convidam a descobrir a singularidade do artista, o seu brio, o seu humor e a sua inventividade.
Musée Cognacq Jay - 8 rue Elzévir - 75003 Paris
museecognacqjay.paris.fr
Louis-Léopold Boilly (1761-1845) , artista virtuoso, prolífico e inclassificável, tornou-se um entusiasta cronista de Paris por sessenta anos, da revolução francesa de 1789 até a revolução de fevereiro de 1848 . Ele é o pintor de retratos dos parisienses, o pintor de cenas urbanas, o inventor do impressionante trompe-l'oeil e o autor de caricaturas picantes. Pouco interessado na grande história de Paris, ele é fascinado pela modernidade da cidade, sua efervescência e seus espetáculos. Boilly, como cronista da vida cotidiana, pinta um retrato íntimo de uma geração. O artista gosta de esquadrinhar lugares como os diferentes lugares de Paris. Ele se destacou na arte do retrato ao fixar os rostos dos parisienses em pequenos formatos que se tornaram sua marca registrada. O retratista também se tornou caricaturista, lançando um olhar divertido e até mordaz sobre seus concidadãos. . A exposição também revela o jogo refinado do artista de se colocar no palco. Ele pinta auto-retratos zombadores, multiplica suas assinaturas e desliza entre os protagonistas de suas cenas de multidão, como Alfred Hitchcock em seus filmes. Estes estratagemas criam uma relação de cumplicidade entre o artista e o espectador.Seu gosto pela provocação e pelo virtuosismo técnico pode ser encontrado em seu Trompe-l'œil, com sua deslumbrante qualidade ilusionista. Esta exposição monográfica explora a abundante carreira de Boilly através de 130 obras que convidam a descobrir a singularidade do artista, o seu brio, o seu humor e a sua inventividade.
Musée Cognacq Jay - 8 rue Elzévir - 75003 Paris
museecognacqjay.paris.fr
SAISON FRANCE – PORTUGAL 2022
A temporada França-Portugal pretende dar ao público francês a oportunidade de conhecer as muitas faces do Portugal contemporâneo. Com um enfoque na modernidade e no movimento, esta temporada cultural dará livre curso à criação e ousadia, inovação e expressão de desejos de mudança, e convidará a juventude francesa e portuguesa ao diálogo. A abertura da Temporada realiza-se a 12 de fevereiro com um concerto da pianista portuguesa Maria João Pires e da Orquestra da Fundação Gulbenkian na Filarmónica de Paris, seguindo-se a 13 de fevereiro um concerto dedicado às Vozes Lusófonas no Théâtre du Châtelet. Entre os destaques na França nesta temporada, podemos já mencionar: a carta branca à artista Joana Vasconcelos que irá ocupar a Sainte-Chapelle do Château de Vincennes, as exposições A Idade de Ouro do Renascimento Português no Louvre, Tudo o que quero: Mulheres Artistas Portuguesas dos Séculos XX e XXI em Tours, a retrospectiva da obra da artista Maria Helena Vieira da Silva no Musée Cantini, Musée d'Art moderne de la Ville de Marseille. Em Paris, o Théâtre de la Ville acolherá uma grande variedade de espetáculos para todos os públicos no programa de 9 meses com Portugal de março a outubro de 2022. O Carreau du Temple dedicará a Portugal o seu festival gastronômico anual Food Temple enquanto o Museu do Jeu de Paume vai dar carta branca ao cineasta Pedro Costa. São mais de 200 projetos na França de Fevereiro a Outubro de 2022.
A temporada França-Portugal pretende dar ao público francês a oportunidade de conhecer as muitas faces do Portugal contemporâneo. Com um enfoque na modernidade e no movimento, esta temporada cultural dará livre curso à criação e ousadia, inovação e expressão de desejos de mudança, e convidará a juventude francesa e portuguesa ao diálogo. A abertura da Temporada realiza-se a 12 de fevereiro com um concerto da pianista portuguesa Maria João Pires e da Orquestra da Fundação Gulbenkian na Filarmónica de Paris, seguindo-se a 13 de fevereiro um concerto dedicado às Vozes Lusófonas no Théâtre du Châtelet. Entre os destaques na França nesta temporada, podemos já mencionar: a carta branca à artista Joana Vasconcelos que irá ocupar a Sainte-Chapelle do Château de Vincennes, as exposições A Idade de Ouro do Renascimento Português no Louvre, Tudo o que quero: Mulheres Artistas Portuguesas dos Séculos XX e XXI em Tours, a retrospectiva da obra da artista Maria Helena Vieira da Silva no Musée Cantini, Musée d'Art moderne de la Ville de Marseille. Em Paris, o Théâtre de la Ville acolherá uma grande variedade de espetáculos para todos os públicos no programa de 9 meses com Portugal de março a outubro de 2022. O Carreau du Temple dedicará a Portugal o seu festival gastronômico anual Food Temple enquanto o Museu do Jeu de Paume vai dar carta branca ao cineasta Pedro Costa. São mais de 200 projetos na França de Fevereiro a Outubro de 2022.
Sergei ISUPOV, Aniversário de Prata 2019. Porcelana, engobe, esmalte 39,37 x 24,13 x 17,78 cm. Cortesia do artista e Ferrin Contemporary, North Adams, Massachusetts, (EUA)
HEY ! LE DESSIN – exposição de 22 de Janeiro a 31 de Dezembro de 2022
A revista HEY! Modern Art & Pop Culture pop se unem novamente para continuar sua exploração da cena artística alternativa. O desenho é homenageado como um gesto criativo fundamental e as possibilidades de desenvolvimento que ele suscita. A exposição deixa clara desde o início sua intenção: invocar surpresa, curiosidade, admiração, rejeição, atração, emoção e angústia. Não reivindica a completude, nem a história do desenho. A exposição reúne sessenta artistas internacionais, bem como um novo conjunto de obras de arte carcerária japonesa e desenhos preparatórios de grafite abordados a partir de uma nova perspectiva. Ela oferece uma ampla visibilidade às artes que são portadoras de uma estética contemporânea na qual a energia criativa da contracultura é uma dupla força de proposição e contestação. Nesta exposição encontraremos as figuras sediciosas da popular nutrida pela iconografia da mídia popular, as fantasmografias do surrealismo pop redescobrindo a herança das grandes tradições pictóricas, as tribunas livres da arte de rua e da tatuagem, as fugas individuais e solitárias da arte brut. A alteridade artística é apresentada em sua diversidade e complexidade como uma forma de resistência contra o empobrecimento de nosso imaginário coletivo.
Halle Saint Pierre - 2 rue Ronsard, 75018 Paris
www.hallesaintpierre.org
Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Uma Canção de Natal, 1867
oleo em madeira, coleção particular, cortesia Grant Ford Ltd, Reino-Unido
OS PRE-RAFAELISTAS
A Irmandade Pré-Rafaelita, fundada em 1848 na Inglaterra, seguiu os preceitos do influente teórico John Ruskin. Ela procurou libertar a arte das convenções acadêmicas inglesas e da moral vitoriana, criando uma nova pintura inspirada nos Primitivos italianos, os antecessores de Rafael. Embora a Irmandade tenha se dissolvido rapidamente, ela deu um novo impulso à arte inglesa e influenciou particularmente o Movimento Estético, que se baseava na idéia de "arte pela arte" e no culto à beleza. Como Oscar Wilde, a figura emblemática do movimento, os artistas gradualmente passaram a considerar que a arte deveria servir a um único ideal, a beleza. É por isso que embarcaram numa busca de harmonia de cor e forma, recusando-se a dar um sentido moral às suas obras. Em um contexto marcado pela revolução industrial, os artistas se inspiraram na literatura inglesa, bem como na história e geografia distante, como a antiguidade greco-romana, que muitas vezes estava associada à voluptuosidade e ao refinamento. Eles também foram inspirados pela Idade Média e suas lendas, pela África e pelo Oriente fantasiado. A figura feminina também é encenada, idealizada e representada de forma sensual nesta tendência artística que muitas vezes coloca a mulher em primeiro plano. O Petit Palais recebeu o excepcional empréstimo por cinco anos de oito pinturas inglesas do movimento pré-rafaelite, de uma coleção particular e estrangeira. Os visitantes poderão descobrir pinturas de William Holman Hunt, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, John William Inchbold, Frederic Leighton, Lawrence Alma-Tadema e John William Waterhouse.
Musée Petit Palais - Av. Winston Churchill, 75008 Paris
petitpalais.paris.fr
A Irmandade Pré-Rafaelita, fundada em 1848 na Inglaterra, seguiu os preceitos do influente teórico John Ruskin. Ela procurou libertar a arte das convenções acadêmicas inglesas e da moral vitoriana, criando uma nova pintura inspirada nos Primitivos italianos, os antecessores de Rafael. Embora a Irmandade tenha se dissolvido rapidamente, ela deu um novo impulso à arte inglesa e influenciou particularmente o Movimento Estético, que se baseava na idéia de "arte pela arte" e no culto à beleza. Como Oscar Wilde, a figura emblemática do movimento, os artistas gradualmente passaram a considerar que a arte deveria servir a um único ideal, a beleza. É por isso que embarcaram numa busca de harmonia de cor e forma, recusando-se a dar um sentido moral às suas obras. Em um contexto marcado pela revolução industrial, os artistas se inspiraram na literatura inglesa, bem como na história e geografia distante, como a antiguidade greco-romana, que muitas vezes estava associada à voluptuosidade e ao refinamento. Eles também foram inspirados pela Idade Média e suas lendas, pela África e pelo Oriente fantasiado. A figura feminina também é encenada, idealizada e representada de forma sensual nesta tendência artística que muitas vezes coloca a mulher em primeiro plano. O Petit Palais recebeu o excepcional empréstimo por cinco anos de oito pinturas inglesas do movimento pré-rafaelite, de uma coleção particular e estrangeira. Os visitantes poderão descobrir pinturas de William Holman Hunt, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, John William Inchbold, Frederic Leighton, Lawrence Alma-Tadema e John William Waterhouse.
Musée Petit Palais - Av. Winston Churchill, 75008 Paris
petitpalais.paris.fr
Hôtel de la Marine, salão dos Almirantes e salão de honra © Ambroise Tézenas CMN
HÔTEL DE LA MARINE
Localizado na Place de la Concorde, entre a Champs-Élysées e as Tuileries, o Hôtel de la Marine é um conjunto arquitetônico magnífico criado no século XVIII por Ange-Jacques Gabriel, o primeiro arquiteto do rei Luís XV. Até 1789, albergou o Garde-Meuble da Coroa antes de se tornar, durante mais de duzentos anos, e até 2015, quartel-general do Estado-Maior Naval. Após um imenso projeto de restauração dos quartos e mobiliário que durou quase 4 anos, o Hôtel de la Marine, abriu as suas portas para o publico que poderá visitar os apartamentos decorados no século XVIII pelo Intendente do Garde-Meuble e os salões cerimoniais do século XIX. O acesso é feito pelo pátio do Intendente, coberto por um surpreendente telhado de vidro, após cruzar o pátio principal conectado com a Place de la Concorde e a Rue Royale. Este último espaço, com livraria, cafetaria e restaurante, permanecerá de livre acesso ao público. Os restantes espaços sumptuosos, datados dos séculos XVIII e XIX, serão acessíveis por reserva e acompanhados por um novo dispositivo de mediação, em várias linguas,denominado "Confidant". Graças a um auricular inteligente, os visitantes poderão interagir com os quartos e o seu mobiliário de uma forma muito mais imersiva e natural. Dois espaços de restaurantes complementarão a visita patrimonial para oferecer um verdadeiro lugar para viver. Um restaurante, cujo menu será assinado pelo chefe Jean-François Piège e o Café Lapérouse, decorado por Cordelia de Castellane, será acessível durante todo o dia a partir das arcadas da Place de la Concorde e do pátio de honra. No Outono de 2021, o antigo depósito das tapeçarias do Garde-Meuble albergará as galerias de exposição da Coleção Al Thani, uma vasta coleção de objetos históricos e decorativos propriedade do sheik Tamin ben Hamad Al Thani, o Emir do Qatar.
Hôtel de la Marine - 2 place de la Concorde - 75008 Paris
Localizado na Place de la Concorde, entre a Champs-Élysées e as Tuileries, o Hôtel de la Marine é um conjunto arquitetônico magnífico criado no século XVIII por Ange-Jacques Gabriel, o primeiro arquiteto do rei Luís XV. Até 1789, albergou o Garde-Meuble da Coroa antes de se tornar, durante mais de duzentos anos, e até 2015, quartel-general do Estado-Maior Naval. Após um imenso projeto de restauração dos quartos e mobiliário que durou quase 4 anos, o Hôtel de la Marine, abriu as suas portas para o publico que poderá visitar os apartamentos decorados no século XVIII pelo Intendente do Garde-Meuble e os salões cerimoniais do século XIX. O acesso é feito pelo pátio do Intendente, coberto por um surpreendente telhado de vidro, após cruzar o pátio principal conectado com a Place de la Concorde e a Rue Royale. Este último espaço, com livraria, cafetaria e restaurante, permanecerá de livre acesso ao público. Os restantes espaços sumptuosos, datados dos séculos XVIII e XIX, serão acessíveis por reserva e acompanhados por um novo dispositivo de mediação, em várias linguas,denominado "Confidant". Graças a um auricular inteligente, os visitantes poderão interagir com os quartos e o seu mobiliário de uma forma muito mais imersiva e natural. Dois espaços de restaurantes complementarão a visita patrimonial para oferecer um verdadeiro lugar para viver. Um restaurante, cujo menu será assinado pelo chefe Jean-François Piège e o Café Lapérouse, decorado por Cordelia de Castellane, será acessível durante todo o dia a partir das arcadas da Place de la Concorde e do pátio de honra. No Outono de 2021, o antigo depósito das tapeçarias do Garde-Meuble albergará as galerias de exposição da Coleção Al Thani, uma vasta coleção de objetos históricos e decorativos propriedade do sheik Tamin ben Hamad Al Thani, o Emir do Qatar.
Hôtel de la Marine - 2 place de la Concorde - 75008 Paris
MUSEU DO DOMINIO REAL DE MARLY
O museu do Domaine royal de Marly é uma viagem no tempo durante a qual a surpreendente história do Château de Marly é revelada. Embora o castelo tenha sido destruido, a sua importância histórica é imensa. Construído em 1679, o Château de Marly era uma residência de recreio onde Luís XIV vinha para se retirar longe do tumulto da Corte de Versalhes. O palácio, cuja arquitetura lembrava um cenário de teatro, e a máquina maravilhosa de Marly, que abastecia o jardim de água, eram invejados em toda a Europa. Ao contrário da vida oficial em Versalhes, Marly era um lugar à parte, onde Luís XIV expressava seus gostos pessoais. O soberano rodiava-se com ilustres convidados, aos quais oferecia uma infinidade de diversões: caça, concertos, jogos, bailes, passeios. O percurso do museu começa com uma apresentação da arquitetura única de Marly e dos jardins em relação aos vestígios atualmente visíveis no parque. Os segredos da máquina Marly são revelados, um mecanismo gigantesco cuja construção exigiu o planejamento do Sena para alimentar os jogos de água nos jardins do rei. O resto do percurso é dedicado à atmosfera íntima de Marly, que com o tempo se tornou uma verdadeira residência real, um instrumento de poder para o rei. O parque do museu é um esplendor. O museu do Domaine royal de Marly é um complemento essencial para descobrir Versalhes e o mundo de Luís XIV.
Musée du Domaine royal de Marly - 1 Grille royale – Parc de Marly 78160 Marly-le-Roi
www.musee-domaine-marly.fr
O museu do Domaine royal de Marly é uma viagem no tempo durante a qual a surpreendente história do Château de Marly é revelada. Embora o castelo tenha sido destruido, a sua importância histórica é imensa. Construído em 1679, o Château de Marly era uma residência de recreio onde Luís XIV vinha para se retirar longe do tumulto da Corte de Versalhes. O palácio, cuja arquitetura lembrava um cenário de teatro, e a máquina maravilhosa de Marly, que abastecia o jardim de água, eram invejados em toda a Europa. Ao contrário da vida oficial em Versalhes, Marly era um lugar à parte, onde Luís XIV expressava seus gostos pessoais. O soberano rodiava-se com ilustres convidados, aos quais oferecia uma infinidade de diversões: caça, concertos, jogos, bailes, passeios. O percurso do museu começa com uma apresentação da arquitetura única de Marly e dos jardins em relação aos vestígios atualmente visíveis no parque. Os segredos da máquina Marly são revelados, um mecanismo gigantesco cuja construção exigiu o planejamento do Sena para alimentar os jogos de água nos jardins do rei. O resto do percurso é dedicado à atmosfera íntima de Marly, que com o tempo se tornou uma verdadeira residência real, um instrumento de poder para o rei. O parque do museu é um esplendor. O museu do Domaine royal de Marly é um complemento essencial para descobrir Versalhes e o mundo de Luís XIV.
Musée du Domaine royal de Marly - 1 Grille royale – Parc de Marly 78160 Marly-le-Roi
www.musee-domaine-marly.fr
CHÂTEAU D’AUVERS
No centro da aldeia de Auvers-sur-Oise, o Château d´Auvers, é um lugar único, combinando patrimônio e experiência impressionista numa paisagem preservada. O Château d’Auvers foi construido em 1635 por um financista italiano no estilo das vilas renascentistas italianas. Ele construiu um ninfeu (edifício dedicado às ninfas, divindades associadas à água e à natureza) em mosaico de conchas inspirado na Antiguidade que é um dos raros exemplos que restam na França. A propriedade é rodeada por três tipos de jardins: o renascentista italiano, o jardim francês e o jardim inglês. O jardim renascentista desenvolve-se em socalcos horizontais que abrem amplas perspectivas sobre o vale do Oise, paisagem que inspirou muitos pintores impressionistas e pós-impressionistas. O domínio do Château tem duas oranjeiras: a oranjeira do norte, que abriga o ninfeu, e a oranjeira do sul, onde se realizam exposições temporárias. O Château d'Auvers também oferece um percurso multimídia dedicado ao impressionismo « Visão Impressionista, Nascimento e Descendência ». Este percurso oferece todas as chaves para descobrir este movimento e os pintores que vieram a Auvers e ao Vale do Oise para se inspirar: Daubigny, Cézanne, Pissarro e Van Gogh. Um projeto cultural inovador e contemporâneo sobre o Impressionismo, em um castelo dos séculos XVII e XVIII.
Château d’Auvers - Orangerie Sud - rue François Mitterrand - 95430 Auvers-sur-Oise
www.chateau-auvers.fr
No centro da aldeia de Auvers-sur-Oise, o Château d´Auvers, é um lugar único, combinando patrimônio e experiência impressionista numa paisagem preservada. O Château d’Auvers foi construido em 1635 por um financista italiano no estilo das vilas renascentistas italianas. Ele construiu um ninfeu (edifício dedicado às ninfas, divindades associadas à água e à natureza) em mosaico de conchas inspirado na Antiguidade que é um dos raros exemplos que restam na França. A propriedade é rodeada por três tipos de jardins: o renascentista italiano, o jardim francês e o jardim inglês. O jardim renascentista desenvolve-se em socalcos horizontais que abrem amplas perspectivas sobre o vale do Oise, paisagem que inspirou muitos pintores impressionistas e pós-impressionistas. O domínio do Château tem duas oranjeiras: a oranjeira do norte, que abriga o ninfeu, e a oranjeira do sul, onde se realizam exposições temporárias. O Château d'Auvers também oferece um percurso multimídia dedicado ao impressionismo « Visão Impressionista, Nascimento e Descendência ». Este percurso oferece todas as chaves para descobrir este movimento e os pintores que vieram a Auvers e ao Vale do Oise para se inspirar: Daubigny, Cézanne, Pissarro e Van Gogh. Um projeto cultural inovador e contemporâneo sobre o Impressionismo, em um castelo dos séculos XVII e XVIII.
Château d’Auvers - Orangerie Sud - rue François Mitterrand - 95430 Auvers-sur-Oise
www.chateau-auvers.fr
AUVERS-SUR-OISE E O ITINERARIO DE VAN GOGH
Na segunda metade do século XIX, a cidade de Auvers-sur-Oise tornou-se uma destinação privilegiada para os artistas que desejavam pintar ao ar livre. A variedade de paisagens e o carater ainda rural do vale do rio Oise inspiraram pintores como Vincent Van Gogh, Cézanne, Pissarro, Corot e Daubigny. A charmosa Auvers sur Oise soube preservar esse patrimônio paisagístico e cultural através dos itinerários de pintores. Por uma inesperada descoberta, o itinerário de Van Gogh ganhou mais uma etapa. Com seus quadros, Van Gogh imortalizou a prefeitura e a igreja da cidade, o Albergue Ravoux onde viveu, os campos de trigo e o cemitério onde ele repousa junto com seu irmão Théo. A última etapa do itinerário Van Gogh foi acrescida graças à descoberta do pesquisador Wouter van der Veen. Durante o recém confinamento, Wouter se deparou com um cartão postal antigo da cidade que mostra alguns tocos deformados, raízes visíveis, à beira de uma pequena estrada. A legenda indica « Auvers-sur-Oise – rua Daubigny ». Ele comparou esse motivo com uma pintura de Van Gogh e descobriu que essas raízes de árvores teriam servido de modelo para o último quadro pintado pelo artista no dia 27 de julho de 1890, intitulado Raízes. O pintor de 37 anos, que estava em Auvers-sur-Oise, suicidou-se nessa noite com uma bala no peito. Ele morreu dois dias depois, após muito sofrimento, em seu quarto no Albergue Ravoux. Passaram-se 130 anos e a descoberta da etapa Racines (Raízes), inaugurada em Auvers-sur-Oise no dia 28 de Julho passado, parece dissipar a nuvem de mistério que envolvia o último dia de vida do pintor. O lugar, aliado ao estudo das cores da tinta "característica, neste lugar, do final do dia", permite, segundo o perito, deduzir que Van Gogh teria pintado todo o dia em frente a estas raízes antes de terminar a sua vida. Para o pesquisador, esta descoberta não se limita a uma reconstrução dos fatos, mas permite uma melhor interpretação do trabalho que é Raízes. Wouter diz ter entendido este quadro há apenas dois meses atrás. «Um matagal é algo que você corta, mas onde a vida fica. Para mim, é uma mensagem de despedida. Ele está desistindo. Mas a vida continua.»
Na segunda metade do século XIX, a cidade de Auvers-sur-Oise tornou-se uma destinação privilegiada para os artistas que desejavam pintar ao ar livre. A variedade de paisagens e o carater ainda rural do vale do rio Oise inspiraram pintores como Vincent Van Gogh, Cézanne, Pissarro, Corot e Daubigny. A charmosa Auvers sur Oise soube preservar esse patrimônio paisagístico e cultural através dos itinerários de pintores. Por uma inesperada descoberta, o itinerário de Van Gogh ganhou mais uma etapa. Com seus quadros, Van Gogh imortalizou a prefeitura e a igreja da cidade, o Albergue Ravoux onde viveu, os campos de trigo e o cemitério onde ele repousa junto com seu irmão Théo. A última etapa do itinerário Van Gogh foi acrescida graças à descoberta do pesquisador Wouter van der Veen. Durante o recém confinamento, Wouter se deparou com um cartão postal antigo da cidade que mostra alguns tocos deformados, raízes visíveis, à beira de uma pequena estrada. A legenda indica « Auvers-sur-Oise – rua Daubigny ». Ele comparou esse motivo com uma pintura de Van Gogh e descobriu que essas raízes de árvores teriam servido de modelo para o último quadro pintado pelo artista no dia 27 de julho de 1890, intitulado Raízes. O pintor de 37 anos, que estava em Auvers-sur-Oise, suicidou-se nessa noite com uma bala no peito. Ele morreu dois dias depois, após muito sofrimento, em seu quarto no Albergue Ravoux. Passaram-se 130 anos e a descoberta da etapa Racines (Raízes), inaugurada em Auvers-sur-Oise no dia 28 de Julho passado, parece dissipar a nuvem de mistério que envolvia o último dia de vida do pintor. O lugar, aliado ao estudo das cores da tinta "característica, neste lugar, do final do dia", permite, segundo o perito, deduzir que Van Gogh teria pintado todo o dia em frente a estas raízes antes de terminar a sua vida. Para o pesquisador, esta descoberta não se limita a uma reconstrução dos fatos, mas permite uma melhor interpretação do trabalho que é Raízes. Wouter diz ter entendido este quadro há apenas dois meses atrás. «Um matagal é algo que você corta, mas onde a vida fica. Para mim, é uma mensagem de despedida. Ele está desistindo. Mas a vida continua.»
Cité de l’Économie © Charlotte Donker
CITÉCO – a Cidade da Economia
A Cidade da Economia, Citéco, é o primeiro museu interativo europeu dedicado à economia
com uma missão educativa e pedagógica. Situado no centro de Paris, no Hôtel Gaillard, uma mansão do século XIX, residência do banqueiro Émile Gaillard e obra-prima da arquitetura neo-renascentista classificada como Monumento Histórico, o edifício reflete o status social de seu proprietário e seus gostos artísticos. Em 1923, a Banque de France adquiriu a mansão, estabelecendo uma de suas sucursais. O primeiro desafio do museu foi o de adaptar a sua cenografia nos antigos aposentos de uma mansão particular e nos espaços de uma agência bancária. A exposição permanente ocupa 2.400 m2, abrangendo a extraordinária riqueza patrimonial do Hôtel Gaillard ao longo de várias salas emblemáticas, incluindo o Gabinete do Director, o Salão de Baile e a antiga sala dos cofres rodeada por um fosso de 5 metros de profundidade cheio de água. O percurso museal aborda as noções econômicas passo a passo em francês, inglês e espanhol em seis sequências: trocas, atores, mercados, instabilidades, regulações e tesouro. A cenografia surpreende, convida a ler e a participar de forma lúdica com uma grande diversidade de abordagens: vídeos originais, jogos multimídia individuais e coletivos, manipulações interativas. A museografia interativa e sua oferta cultural visam seduzir todos os públicos.
CITÉCO - 1, place du Général-Catroux 75017 Paris
A Cidade da Economia, Citéco, é o primeiro museu interativo europeu dedicado à economia
com uma missão educativa e pedagógica. Situado no centro de Paris, no Hôtel Gaillard, uma mansão do século XIX, residência do banqueiro Émile Gaillard e obra-prima da arquitetura neo-renascentista classificada como Monumento Histórico, o edifício reflete o status social de seu proprietário e seus gostos artísticos. Em 1923, a Banque de France adquiriu a mansão, estabelecendo uma de suas sucursais. O primeiro desafio do museu foi o de adaptar a sua cenografia nos antigos aposentos de uma mansão particular e nos espaços de uma agência bancária. A exposição permanente ocupa 2.400 m2, abrangendo a extraordinária riqueza patrimonial do Hôtel Gaillard ao longo de várias salas emblemáticas, incluindo o Gabinete do Director, o Salão de Baile e a antiga sala dos cofres rodeada por um fosso de 5 metros de profundidade cheio de água. O percurso museal aborda as noções econômicas passo a passo em francês, inglês e espanhol em seis sequências: trocas, atores, mercados, instabilidades, regulações e tesouro. A cenografia surpreende, convida a ler e a participar de forma lúdica com uma grande diversidade de abordagens: vídeos originais, jogos multimídia individuais e coletivos, manipulações interativas. A museografia interativa e sua oferta cultural visam seduzir todos os públicos.
CITÉCO - 1, place du Général-Catroux 75017 Paris
La Piscine © A. Leprince M.A.I.A.D. Roubaix
LA PISCINE – o museu de artes e indústria da cidade de Roubaix
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
Atelier des Lumières ©Culturespaces/E.Spiller
ATELIER DES LUMIERES
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
FUNDAÇÃO PIERRE GIANADDA, Martigny, Suiça
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Telhado do Grande Arco da Défense, visto do drone © Riad Kneife
LA GRANDE ARCHE DE LA DEFENSE
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
Confluentia, de Bina Baitel. Tecelagem Atelier Françoise Vernaudon © Eric Roger/Cité Internationale de la Tapisserie
CITE INTERNATIONALE DE LA TAPISSERIE em Aubusson
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
CHATEAU DU CLOS LUCE
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
www.vinci-closluce.com
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
www.vinci-closluce.com
Jardins de Valloires © R. Duthilleul SMBS -GLP
JARDINS DE VALLOIRES na Picardia
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Abadia de Auberive - ala oeste
L’ABBAYE DE L’AUBERIVE
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Les Caves du Louvre
LES CAVES DU LOUVRE
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
"Axis Mundi" de Charles Sandison
MUDO – Musée de l’Oise – Beauvais
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
Abadia de Royaumont
Abadia e Fundação Royaumont – cerca de 35 km ao norte de Paris
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
Parc du Petit Prince
Parc du Petit Prince – Parque do Pequeno Príncipe – Alsácia
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
.
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
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Château de Chaumont sur Loire
©E. Sander
Château de Chaumont sur Loire – a menos de duas horas de Paris
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
Domaine de Villarceaux
Dominio de Villarceaux - cercanias de Paris
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
Villa des Brillants à Meudon
Musée Rodin – Villa des Brillants – Meudon (a 20 minutos de Paris)
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
