Marie Vassilieff, Traje de arlequina para o Baile banal, 1924 ©Pierre Delbo, DR, Coleção Claude Bernès
UNE JOURNEE AVEC MARIE VASSILIEFF – exposição de 16 de Maio a 21 de Julho de 2019
Marie Vassilieff (1884-1957) pintora e escultora russa, foi uma figura central de Montparnasse na primeira metade do século XX tanto por seu trabalho de artista plástica como pelo papel que desempenhou federando intelectuais, artistas e críticos em Paris entre os anos 1910-1930. Em 1911, fundou a Academia Russa de Pintura e Escultura na avenue du Maine, e em 1912, abriu a "Académie Vassilieff" que se tornou um ponto de encontro para a vanguarda da arte da época com a participação de artistas como Modigliani, Ossip Zadkine, Jacques Lipchitz e Chaïm Soutine. Ela descompartimentou as belas artes e artes aplicadas, tratando com o mesmo cuidado seu trabalho pictórico e sua fabricação de bonecas e cenários de teatro. Marie Vassilieff desenhou para Paul Poiret em 1923 o frasco de perfume Arlequinade. Dirigiu os ateliês de figurino para a temporada teatral de 1923-1924 do ballet sueco Rolf de Maré, e criou um mobiliário barroco e antropomórfico para a Exposição Internacional de Artes Industriais Decorativas e Modernas. «Um dia com Marie Vassilieff» é uma homenagem a essa artista na forma de uma exposição dupla: uma parte na Villa Vassilieff onde encontrava-se o seu atelier e a outra parte na Fondation des Artistes em Nogent sur Marne onde Marie faleceu. Artista, mulher emigrante, Marie foi através de sua pesquisa, sua abordagem artística e sua vida, resolutamente contemporânea. A exposição oferece um confronto entre as obras de Vassilieff e obras de artistas contemporâneos: Liv Schulman, Laura Lamiel, Yto Barrada, Mercedes Azpilicueta, Carlotta Bailly Borg, Michel François , Thu Van Tran, Flora Moscovici, Christian Hidaka, Mohamed Larbi Rahhali, Anne Le Troter, Emilie Notéris.
Villa Vassilieff, chemin du Montparnasse, 21, avenue du Maine 75015 Paris
Maison Nationalde des Artistes – 14 rue Charles VII, 94130 Nogent sur Marne
Marie Vassilieff (1884-1957) pintora e escultora russa, foi uma figura central de Montparnasse na primeira metade do século XX tanto por seu trabalho de artista plástica como pelo papel que desempenhou federando intelectuais, artistas e críticos em Paris entre os anos 1910-1930. Em 1911, fundou a Academia Russa de Pintura e Escultura na avenue du Maine, e em 1912, abriu a "Académie Vassilieff" que se tornou um ponto de encontro para a vanguarda da arte da época com a participação de artistas como Modigliani, Ossip Zadkine, Jacques Lipchitz e Chaïm Soutine. Ela descompartimentou as belas artes e artes aplicadas, tratando com o mesmo cuidado seu trabalho pictórico e sua fabricação de bonecas e cenários de teatro. Marie Vassilieff desenhou para Paul Poiret em 1923 o frasco de perfume Arlequinade. Dirigiu os ateliês de figurino para a temporada teatral de 1923-1924 do ballet sueco Rolf de Maré, e criou um mobiliário barroco e antropomórfico para a Exposição Internacional de Artes Industriais Decorativas e Modernas. «Um dia com Marie Vassilieff» é uma homenagem a essa artista na forma de uma exposição dupla: uma parte na Villa Vassilieff onde encontrava-se o seu atelier e a outra parte na Fondation des Artistes em Nogent sur Marne onde Marie faleceu. Artista, mulher emigrante, Marie foi através de sua pesquisa, sua abordagem artística e sua vida, resolutamente contemporânea. A exposição oferece um confronto entre as obras de Vassilieff e obras de artistas contemporâneos: Liv Schulman, Laura Lamiel, Yto Barrada, Mercedes Azpilicueta, Carlotta Bailly Borg, Michel François , Thu Van Tran, Flora Moscovici, Christian Hidaka, Mohamed Larbi Rahhali, Anne Le Troter, Emilie Notéris.
Villa Vassilieff, chemin du Montparnasse, 21, avenue du Maine 75015 Paris
Maison Nationalde des Artistes – 14 rue Charles VII, 94130 Nogent sur Marne
Obra de Arthur Hoffner © Matthieu Camille Colin
SALON DE MONTROUGE – de 27 de Abril a 22 de Maio de 2019
Fundado em 1955, o Salon de Montrouge revela, incentiva e acompanha a cada ano o emergente cenário da arte contemporânea, todas as disciplinas combinadas, com o objetivo de oferecer aos jovens talentos uma plataforma de exposição, encontro e visibilidade entre os profissionais de arte contemporânea e do público em geral. A direção artística do Salão, em sua 64° edição, foi conferida à Ami Barak e à Marie Gautier acompanhados por um comitê de seleção composto por personalidades profissionais do mundo da arte contemporânea. O Salão oferece uma oportunidade para apreciar a criação na França. Além de artistas recém-formados de todo o país, a exposição revela personalidades de diversos contextos culturais, evidenciados pela presença de criadores do resto da Europa, África, Ásia e América. São 52 artistas (entre eles, 31 mulheres) selecionados e 12 nacionalidades representadas. Vincent Le Bourdon, responsável pela cenografia, criou uma série de espaços modulares concebidos para acomodar cada projeto artístico e divididos em quatro territórios. A cenografia cria caminhos abertos e oferece diversos pontos de vista. Testemunha de seu tempo, o Salão de Montrouge reflete o estado da arte atual: um mundo com horizontes plurais, mas também uma comunidade mais igualitária, onde as mulheres artistas estão mais presentes e mais valorizadas.
Le Beffroi – 2, place Emile Crespin, 92120 Montrouge
Fundado em 1955, o Salon de Montrouge revela, incentiva e acompanha a cada ano o emergente cenário da arte contemporânea, todas as disciplinas combinadas, com o objetivo de oferecer aos jovens talentos uma plataforma de exposição, encontro e visibilidade entre os profissionais de arte contemporânea e do público em geral. A direção artística do Salão, em sua 64° edição, foi conferida à Ami Barak e à Marie Gautier acompanhados por um comitê de seleção composto por personalidades profissionais do mundo da arte contemporânea. O Salão oferece uma oportunidade para apreciar a criação na França. Além de artistas recém-formados de todo o país, a exposição revela personalidades de diversos contextos culturais, evidenciados pela presença de criadores do resto da Europa, África, Ásia e América. São 52 artistas (entre eles, 31 mulheres) selecionados e 12 nacionalidades representadas. Vincent Le Bourdon, responsável pela cenografia, criou uma série de espaços modulares concebidos para acomodar cada projeto artístico e divididos em quatro territórios. A cenografia cria caminhos abertos e oferece diversos pontos de vista. Testemunha de seu tempo, o Salão de Montrouge reflete o estado da arte atual: um mundo com horizontes plurais, mas também uma comunidade mais igualitária, onde as mulheres artistas estão mais presentes e mais valorizadas.
Le Beffroi – 2, place Emile Crespin, 92120 Montrouge
Théo Mercier, Time to get stoned, 2019, embalagens para ovos de celulose moldada, ovos de galinha ocos, poliestireno
THEO MERCIER – EVERY STONE SHOULD CRY – exposição de 23 de Abril a 30 de Junho de 2019
Théo Mercier, nascido em 1984, é um artista plástico e diretor de cena francês. Mercier explora a interseção entre antropologia, etnografia, geopolítica e turismo. Entre produções coreografadas e explorações materiais, ele combina as práticas do criador e do colecionador, usando-as para estabelecer um intercâmbio abundante entre o passado, o presente e o futuro. Nesta exposição, Théo Mercier questiona a noção da domesticação da natureza pelo homem, seja ela animal, vegetal ou mineralógica. « Já não vivemos com a natureza mas com a idéia que temos dela e que se presta a todas as fantasias. O perigo ecológico nos espreita e a degradação da nossa relação com a natureza é patente ». Mercie expõe uma espécie de gabinete de curiosidades com objetos e esculturas que perturbam o olhar do espectador jogando com a ambiguidade entre o que é natural e o que é artificial, manufaturado ou não. Suas esculturas aparecem frequentemente num equilíbrio instável, à beira do colapso. Ele transforma uma das salas de exposição numa espécie de casa de animais gigantes, A ideia é de que o visitante possa desempenhar vários papéis ao mesmo tempo. Estará no seu papel habitual, o de consumidor, mas também o de animal. A instalação permite deslocar o ponto de vista do observador: todos estes objetos que o homem destina ao bem-estar do seu cão ou gato, é a ele que são subitamente destinados. Mercier olha o mundo com humor, elegância e leveza.
Musée de la Chasse et de la Nature – 62, rue des Archives, 75003 Paris
www.chassenature.org
© Patricia Petersen, What Rough Beast, Its Hour Come Round at Last?
CIRCULATION(S) – exposição de 20 de Abril a 30 de Junho de 2019
O espaço 104 Paris acolhe a nona edição do Festival Circulation(s) dedicado à jovem fotografia europeia. O festival oferece um olhar cruzado sobre a Europa e tem como vocação destacar jovens talentos e introduzir o público na criação artística contemporânea, com base na seleção por um júri de profissionais de cerca de trinta artistas de uma convocatória internacional, artistas convidados, uma galeria e uma escola também convidadas. A direção artística foi confiada à dupla Audrey Hoareau e François Cheval, co-fundadores de The Red Eye, uma estrutura com projetos dedicados à fotografia internacional. O Red Eye e a equipe do festival Circulation(s) compartilham um compromisso comum na defesa de fotógrafos que fazem uma análise crítica e inovadora do mundo. Adorna Corações, a galeria convidada, está localizada no coração do Porto. O espaço da galeria aborda a fotografia de forma contemporânea e transversal, com seis exposições por ano oferecendo uma programação equilibrada e forte. A escola convidada é a Work-Show-Grow, uma nova estrutura baseada em Londres para fotógrafos emergentes. A filosofia da W-S-S-G baseia-se na convicção de que o progresso no trabalho criativo não é necessariamente um processo solitário num mundo competitivo e seu ensino centra-se no intercâmbio e no trabalho colaborativo. Circulation(s) é um evento que não se resume na simples apresentação de trabalhos. Este festival destina-se sobretudo a dar significado, ou seja, o real analisado e dissecado.
104 - 5 Rue Curial, 75019 Paris
O espaço 104 Paris acolhe a nona edição do Festival Circulation(s) dedicado à jovem fotografia europeia. O festival oferece um olhar cruzado sobre a Europa e tem como vocação destacar jovens talentos e introduzir o público na criação artística contemporânea, com base na seleção por um júri de profissionais de cerca de trinta artistas de uma convocatória internacional, artistas convidados, uma galeria e uma escola também convidadas. A direção artística foi confiada à dupla Audrey Hoareau e François Cheval, co-fundadores de The Red Eye, uma estrutura com projetos dedicados à fotografia internacional. O Red Eye e a equipe do festival Circulation(s) compartilham um compromisso comum na defesa de fotógrafos que fazem uma análise crítica e inovadora do mundo. Adorna Corações, a galeria convidada, está localizada no coração do Porto. O espaço da galeria aborda a fotografia de forma contemporânea e transversal, com seis exposições por ano oferecendo uma programação equilibrada e forte. A escola convidada é a Work-Show-Grow, uma nova estrutura baseada em Londres para fotógrafos emergentes. A filosofia da W-S-S-G baseia-se na convicção de que o progresso no trabalho criativo não é necessariamente um processo solitário num mundo competitivo e seu ensino centra-se no intercâmbio e no trabalho colaborativo. Circulation(s) é um evento que não se resume na simples apresentação de trabalhos. Este festival destina-se sobretudo a dar significado, ou seja, o real analisado e dissecado.
104 - 5 Rue Curial, 75019 Paris
Markus Lüpertz, Nú de costas, 2006, óleo sobre tela, 190 x 130 cm, © Markus Lüpertz,/ADAGP, cortesia da Galeria Michael Werner, Colônia & Nova York
MARKUS LÜPERTZ – OSER LA PEINTURE – exposição de 13 de Abril a 8 de Setembro de 2019
A propriedade Caillebotte em « Ousar a pintura » expõe as obras do artista Markus Lüpertz. Markus nasceu em 1941 na atual República Tcheca e emigrou com seus mais para a Alemanha do oeste em 1948. A exposiçãp reúne pinturas e desenhos desde o início de sua vida até os mais recentes trabalhos, os bronzes, expostos no parque, que para o artista são o prolongamento do seu trabalho da tela. Ao contrário do Pop art, Lüpertz interessa-se pelo impacto visual do motivo e não pelas imagens de objetos. Ele recorre a uma abstração com figuras e traça um novo caminho para a pintura histórica. Para explorar o motivo ele usa a série, a repetição e as variações como as séries de Tendas, Motivos alemãs, Mercúrio, Nús de costas e Arcádia, série que continua aberta até hoje. A partir de 1964, o artista constrói a série Ditirambos que caracteriza-se pela introdução de formas simplificadas, colocando o motivo no centro das suas composições em proporções monumentais. A partir de 1980, Lüpertz representa os nús masculinos na série Nús de costas. Ele combina os corpos massivos, opacos e desmembrados com outros motivos. Esses elementos desarticulados são marcas de uma história cujas cicatrizes devem permanecer presentes. Na série Arcádia, termo que significa um lugar ideal, elogiado pela chamada poesia bucólica, o artista mistura esses motivos com motivos de capacetes de aço, misturando a visão idílica de um passado sonhado e a história contemporânea.
As obras de Markus Lüpertz são apreciadas no mundo inteiro e estão conservadas em prestigiosas coleções particulares e públicas.
Propriété Caillebotte - 8 Rue de Concy, 91330 Yerres
proprietecaillebotte.com
Guillaume Apollinaire, Autoretrato em cavaleiro mascarado decapitado, 1918, Paris, musée de l'Armée
PICASSO ET LA GUERRE – Exposição de 5 de Abril a 28 de Julho de 2019
A exposição Picasso e a guerra explora as diferentes formas em que a guerra nutriu e influenciou o trabalho de Picasso ao longo de sua carreira artística. Picasso (1881-1973) foi o contemporâneo das duas guerras mundias e de outros conflitos maiores mas nunca foi soldado e viveu como civil durante as guerras. O espanhol Picasso residiu na França a partir de 1901. Quando a Primeira Guerra atingiu a França, ela afetou seus amigos mais próximos que tinham ido para a frente. A eclosão da Guerra Espanhola deu a Picasso novas responsabilidades como diretor do Museu do Prado em Madrid, e depois do bombardeio de Guernica, ele pintou a tela monumental homônima. Durante a Segunda Guerra, a arte moderna e a de Picasso em particular, descrita como degenerada na Europa dominada pelos nazistas, encontrou um sucesso crescente nos Estados Unidos. Picasso, retirado em seu ateliê parisiense, tornou-se o epicentro de uma rede de relações com pintores e intelectuais franceses, mas também alemães. O artista passou a se comprometer e comprometer sua arte em benefício de causas políticas. A guerra e seus motivos, mas também a paz e seus símbolos passaram a integrar a obra de Picasso após a guerra. A exposição cronológica apresenta as obras de Picasso e seus arquivos pessoais, fotografias, cartas, jornais, evocando a realidade e os modos de difusão dos conflitos contemporâneos à sua produção.
Musée de l’Armée - Hôtel national des Invalides - 129, rue de Grenelle, 75007 Paris
www.musee-armee.fr
Abraham Janssens, A inconstância, em torno de 1617, óleo sobre tela, Copenhague, Statens Museum of Kunst © SMK Photo/ Jakob Skou-Hansen
A LUA, da viagem real às viagens imaginárias – exposição de 3 de Abril a 22 de Julho de 2019
A celebração do quinquagésimo aniversário dos primeiros passos do homem na Lua oferece a oportunidade de celebrar a longa relação dos homens com este astro familiar, através de obras de arte que incorporaram as múltiplas formas desta relação. Esta exposição, dividida em cinco partes, oferece aos visitantes a oportunidade de contemplar criações artísticas desde a antiguidade até os dias atuais, da Europa e de outros lugares, inspiradas na lua. A exposição começa com a verdadeira viagem em julho de 1969 e depois volta atrás no tempo, através das viagens à Lua sonhadas pela literatura e pelas artes. A segunda parte, a Lua observada, expõe a primeira tentativa de desenhar a Lua, feita por Thomas Harriot em 1609. A partir de Galileu, instrumentos cada vez mais precisos tornaram possível explorar a sua superfície. No fim do século XVII, Cassini realiza um mapa mais preciso que os anteriores, que permanecerá sendo uma referência até o surgimento da fotografia. A seção as três faces da Lua evoca o seu lado benéfico e protetor como o seu lado mutável e inquietante para os homens. A quarta parte da exposição mostra que, desde a antiguidade, este astro distante tem sido uma divindade próxima, de forma humana, algumas vezes masculina, outras feminina. A última parte da exposição mostra a Lua como fonte de inspiração, uma experiência da beleza por si só, um último passeio meditativo sob o luar.
Grand Palais - 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
A celebração do quinquagésimo aniversário dos primeiros passos do homem na Lua oferece a oportunidade de celebrar a longa relação dos homens com este astro familiar, através de obras de arte que incorporaram as múltiplas formas desta relação. Esta exposição, dividida em cinco partes, oferece aos visitantes a oportunidade de contemplar criações artísticas desde a antiguidade até os dias atuais, da Europa e de outros lugares, inspiradas na lua. A exposição começa com a verdadeira viagem em julho de 1969 e depois volta atrás no tempo, através das viagens à Lua sonhadas pela literatura e pelas artes. A segunda parte, a Lua observada, expõe a primeira tentativa de desenhar a Lua, feita por Thomas Harriot em 1609. A partir de Galileu, instrumentos cada vez mais precisos tornaram possível explorar a sua superfície. No fim do século XVII, Cassini realiza um mapa mais preciso que os anteriores, que permanecerá sendo uma referência até o surgimento da fotografia. A seção as três faces da Lua evoca o seu lado benéfico e protetor como o seu lado mutável e inquietante para os homens. A quarta parte da exposição mostra que, desde a antiguidade, este astro distante tem sido uma divindade próxima, de forma humana, algumas vezes masculina, outras feminina. A última parte da exposição mostra a Lua como fonte de inspiração, uma experiência da beleza por si só, um último passeio meditativo sob o luar.
Grand Palais - 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
GERARD MAS, Call Center Lady. 2016.
Résine polychrome. 48,5 x 37 x 21 cm, ed.7.
Courtesy 3 Punts Galeria.
HEY ! MODERN ART & POP CULTURE #4 – exposição de 23 de Março a 2 de Agôsto de 2019
A criação da revista HEY! modern art & pop culture em 2010 por Anne & Julien
foi a oportunidade para Halle Saint Pierre, centro cultural parisiense da arte bruta e da arte singular, de alargar o seu projeto artístico, acolhendo uma série de exposições dos «outsiders pop», os movimentos figurativos contemporâneos revelados pela dupla. Anne & Julien com a capacidade de revelar novos talentos e abrir áreas de exploração até então desconhecidas, e em conexão com as preocupações e interesses da atualidade, fazem emergir mundos esquecidos através de temas e obras que tendem a tornar visível uma vanguarda, e revelando assuntos que oferecem uma alternativa à visão de uma cultura normativa unilateral.
HEY! busca a diferença, a autonomia da obra e milita pela reapropriação generosa e sincera da arte fora do mercado da arte. Ela milita pela arte como expressão de emoções sem pretexto ou álibi. Iniciada em 2011, esta série de exposições trouxe à tona o desejo comum de explorar, experimentar caminhos diferentes dos da cultura oficial. Dedicado ao outsider pop, esta edição de 2019 apresenta 36 artistas de 17 países numa valorização de obras exclusivamente figurativas.
Halle Saint Pierre - 2, rue Ronsard - 75018 Paris.
hallesaintpierre.org
Viktor PERELMAN, Correspondente operário, 1925, oleo sobre tela, 70 X 100cm, Moscou, Galeria nacional Trétiakov © diretos reservados/ foto coleção da Galeria nacional Trétiakov, Moscou
ROUGE. ART ET UTOPIE AU PAYS DES SOVIETS – exposição de 20 de Março a 1° de Julho de 2019
A Revolução de Outubro de 1917 provocou uma perturbação da ordem social, com repercussões decisivas na criação artística. Muitos artistas aderem ao projeto comunista e querem participar através dos seus trabalhos na construção da nova sociedade. Esses artistas se opõem na definição do que deve ser a arte do socialismo. Mas no final da década de 1920, os debates foram encerrados com o estabelecimento do regime stalinista. Isso levou ao estabelecimento gradual do realismo socialista, uma doutrina estética que gradualmente governou todos os setores da criação. Nos países capitalistas, esses debates são acompanhados de perto: múltiplos intercâmbios artísticos ocorrem com a jovem Rússia soviética, que atrai intelectuais e artistas curiosos. A exposição conta essa história, suas tensões, seus impulsos, uma história em que inovações plásticas e restrições ideológicas levantam a questão de uma possível politização das artes. A primeira parte da exposição destaca os debates que animaram a cena artística soviética no rescaldo da revolução e continuaram durante a década de 1920, girando em torno do projeto de fusão da arte na vida. Esta utopia foi frustrada pela hostilidade do poder bolchevique para com as vanguardas. A concentração do poder nas mãos de Staline, total a partir de 1929, pôs fim ao pluralismo. Enquanto a repressão recai sobre a arte de esquerda, chegou-se a um consenso em torno da figuração, considerada a mais adequada para penetrar nas massas e apresentar-lhes os modelos do novo homem socialista. Um grupo de artistas modernistas desempenha um papel central na lenta definição dos fundamentos pictóricos do realismo socialista oferecendo uma pintura monumental celebrando heróis idealizados. A exposição conclui com uma seleção de obras que refletem o advento do dogma socialista realista, através de pinturas de caráter acadêmico Inteiramente sujeita à ideologia, a arte perde seu vigor e inovação.
Grand Palais - 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
www.grandpalais.fr/fr/evenement/rouge
A Revolução de Outubro de 1917 provocou uma perturbação da ordem social, com repercussões decisivas na criação artística. Muitos artistas aderem ao projeto comunista e querem participar através dos seus trabalhos na construção da nova sociedade. Esses artistas se opõem na definição do que deve ser a arte do socialismo. Mas no final da década de 1920, os debates foram encerrados com o estabelecimento do regime stalinista. Isso levou ao estabelecimento gradual do realismo socialista, uma doutrina estética que gradualmente governou todos os setores da criação. Nos países capitalistas, esses debates são acompanhados de perto: múltiplos intercâmbios artísticos ocorrem com a jovem Rússia soviética, que atrai intelectuais e artistas curiosos. A exposição conta essa história, suas tensões, seus impulsos, uma história em que inovações plásticas e restrições ideológicas levantam a questão de uma possível politização das artes. A primeira parte da exposição destaca os debates que animaram a cena artística soviética no rescaldo da revolução e continuaram durante a década de 1920, girando em torno do projeto de fusão da arte na vida. Esta utopia foi frustrada pela hostilidade do poder bolchevique para com as vanguardas. A concentração do poder nas mãos de Staline, total a partir de 1929, pôs fim ao pluralismo. Enquanto a repressão recai sobre a arte de esquerda, chegou-se a um consenso em torno da figuração, considerada a mais adequada para penetrar nas massas e apresentar-lhes os modelos do novo homem socialista. Um grupo de artistas modernistas desempenha um papel central na lenta definição dos fundamentos pictóricos do realismo socialista oferecendo uma pintura monumental celebrando heróis idealizados. A exposição conclui com uma seleção de obras que refletem o advento do dogma socialista realista, através de pinturas de caráter acadêmico Inteiramente sujeita à ideologia, a arte perde seu vigor e inovação.
Grand Palais - 3 Avenue du Général Eisenhower, 75008 Paris
www.grandpalais.fr/fr/evenement/rouge
GEORGES DORIGNAC, Mulher inclinada, sanguine e pedra negra sobre papel, 62 X 48 cm. Paris, Galeria Malaquais © Galeria Malaquais, Paris, foto : Laurent Lecat
GEORGES DORIGNAC, CORPS ET AME - exposição de 15 de Março a 8 de Setembro de 2019
A importante exposição dedicada ao artista frances «Georges Dorignac (1879-1925), corpo e alma», deseja resgatar Dorignac ao seu legítimo lugar na história da arte moderna. Artista livre, em perpétua busca, sua obra é original e marcada por rupturas. Ele traçou um caminho independente e muito pessoal, explorando técnicas, temas e inspirações. Acima de tudo, Dorignac foi um grande desenhista. Ele seduziu artistas e críticos com uma série de desenhos de forma contrastante e matéria intensa e compacta, as chamadas folhas «negras». A exposição reúne oitenta e cinco obras e também mostra várias correspondências entre as obras de Georges Dorignac e as dos mestres que o inspiraram. Seguindo um percurso cronológico, a exposição apresenta a obra do artista em três seções, desde o seu início em 1901 - data da sua instalação em Montmartre, rue du Chevalier de la Barre - e acompanha a transformação da sua arte até à sua morte em 1925. A primeira seção reúne pinturas, desenhos e esboços dos primeiros tempos do pintor (1902-1910) influenciado na época por Signac. A segunda seção é a mais importante e significativa da obra do artista. Inclui cerca de cinquenta obras, carvão e sanguine, incluindo as notáveis folhas "negras". Em 1912, Georges Dorignac renunciou ao prestígio da cor para se limitar apenas aos recursos do negro. O preto permite ao artista trabalhar a realidade pela massa e expressar o sentimento. Na série de máscaras, ele esculpi o desenho como uma escultura. Nos seus nús, ele escava nas profundezas dos corpos. Inspirado por Millet, ele dezenha o corpo no trabalho mas sem se interessar pelo contexto social. A última seção revela os projetos de decoração profanas e religiosas em tapeçaria, cerâmica, vitral e mosaico, que Dorignac empreende de 1913 até o início dos anos 1920. A pintura do Cristo na Cruz, inspirada pela arte bizantina, devida a sua dimensão será exposta na basílica do Sacre-Coeur. Uma obra de grande sensibilidade e que não nos deixa indiferente.
Musée de Montmartre Jardins Renoir - 12, rue Cortot , 75018 Paris
www.museedemontmartre.fr
A importante exposição dedicada ao artista frances «Georges Dorignac (1879-1925), corpo e alma», deseja resgatar Dorignac ao seu legítimo lugar na história da arte moderna. Artista livre, em perpétua busca, sua obra é original e marcada por rupturas. Ele traçou um caminho independente e muito pessoal, explorando técnicas, temas e inspirações. Acima de tudo, Dorignac foi um grande desenhista. Ele seduziu artistas e críticos com uma série de desenhos de forma contrastante e matéria intensa e compacta, as chamadas folhas «negras». A exposição reúne oitenta e cinco obras e também mostra várias correspondências entre as obras de Georges Dorignac e as dos mestres que o inspiraram. Seguindo um percurso cronológico, a exposição apresenta a obra do artista em três seções, desde o seu início em 1901 - data da sua instalação em Montmartre, rue du Chevalier de la Barre - e acompanha a transformação da sua arte até à sua morte em 1925. A primeira seção reúne pinturas, desenhos e esboços dos primeiros tempos do pintor (1902-1910) influenciado na época por Signac. A segunda seção é a mais importante e significativa da obra do artista. Inclui cerca de cinquenta obras, carvão e sanguine, incluindo as notáveis folhas "negras". Em 1912, Georges Dorignac renunciou ao prestígio da cor para se limitar apenas aos recursos do negro. O preto permite ao artista trabalhar a realidade pela massa e expressar o sentimento. Na série de máscaras, ele esculpi o desenho como uma escultura. Nos seus nús, ele escava nas profundezas dos corpos. Inspirado por Millet, ele dezenha o corpo no trabalho mas sem se interessar pelo contexto social. A última seção revela os projetos de decoração profanas e religiosas em tapeçaria, cerâmica, vitral e mosaico, que Dorignac empreende de 1913 até o início dos anos 1920. A pintura do Cristo na Cruz, inspirada pela arte bizantina, devida a sua dimensão será exposta na basílica do Sacre-Coeur. Uma obra de grande sensibilidade e que não nos deixa indiferente.
Musée de Montmartre Jardins Renoir - 12, rue Cortot , 75018 Paris
www.museedemontmartre.fr
Thomas Houseago, Serpente, 2008
Tuf-cal, cânhamo, ferro, oilbar, grafite, madeira, 244 X 155 X 120 cm. Coleção Baron Guillaume Kervyn de Volkaersbeke ©Thomas Houseago ©ADAGP, Paris, 2019 Foto : Fredrik Nilsen Studio
THOMAS HOUSEAGO, ALMOST HUMAN – exposição de 15 de Março a 14 de Julho de 2019
Figura de destaque na cena artística internacional, Thomas Houseago é um escultor e pintor nascido em Leeds (Reino Unido) em 1972. Vive e trabalha em Los Angeles desde 2003. Usando materiais como madeira, gesso, ferro ou bronze, ele faz parte de uma linha de escultores que se concentram em uma representação da figura humana no espaço. A retrospectiva Almost Human é apresentada nas salas monumentais do museu, que fazem parte integrante da cenografia. O edifício, os baixos-relevos, a Torre Eiffel, também permitiram ao artista ancorar a sua obra no ambiente arquitetônico do museu. Muitas vezes monumentais, suas esculturas preservam os restos do processo de fabricação e oscilam entre força e fragilidade. A exposição retraça as diferentes evoluções da obra do artista, desde as suas obras dos anos noventa até as suas últimas criações. O itinerário, principalmente cronológico, é estruturado em torno de quatro salas, que correspondem às grandes etapas geográficas da vida do artista e à sua relação intrínseca com os materiais. A exposição abre com esculturas antropomórficas dos primeiros tempos do artista. A segunda sala da exposição é pensada em torno de esculturas híbridas e experimentais. Elas servem de ponte entre as obras figurativas do seu início de carreira e os conjuntos arquitetônicos e imersivos, que compõem a maior parte da produção atual de Thomas Houseago. A terceira sala é dedicada ao gigantismo e à escuridão, onde a perturbadora sensação de isolamento e introspecção se espalha. O Homem com pressa, um imponente colosso de bronze que toma posse da verticalidade do lugar, é contrariado pela horizontalidade da escultura reclinada Wood Skeleton I (Pai) e pelo longo friso de parede da série Black Paintings. A quarta sala é um espaço imersivo dedicado à apresentação do trabalho do Cast Studio. Acompanhado de um filme e de fotografias que contam sua concepção, essa escultura - moldada em argila - transcreve fisicamente o ateliê do artista através de seus movimentos e ações, marcando assim seu retorno à dimensão performativa de seus primeiros trabalhos.
Musée d’Art moderne de la Ville de Paris - 11 Avenue du Président Wilson, 75116 Paris www.mam.paris.fr
Figura de destaque na cena artística internacional, Thomas Houseago é um escultor e pintor nascido em Leeds (Reino Unido) em 1972. Vive e trabalha em Los Angeles desde 2003. Usando materiais como madeira, gesso, ferro ou bronze, ele faz parte de uma linha de escultores que se concentram em uma representação da figura humana no espaço. A retrospectiva Almost Human é apresentada nas salas monumentais do museu, que fazem parte integrante da cenografia. O edifício, os baixos-relevos, a Torre Eiffel, também permitiram ao artista ancorar a sua obra no ambiente arquitetônico do museu. Muitas vezes monumentais, suas esculturas preservam os restos do processo de fabricação e oscilam entre força e fragilidade. A exposição retraça as diferentes evoluções da obra do artista, desde as suas obras dos anos noventa até as suas últimas criações. O itinerário, principalmente cronológico, é estruturado em torno de quatro salas, que correspondem às grandes etapas geográficas da vida do artista e à sua relação intrínseca com os materiais. A exposição abre com esculturas antropomórficas dos primeiros tempos do artista. A segunda sala da exposição é pensada em torno de esculturas híbridas e experimentais. Elas servem de ponte entre as obras figurativas do seu início de carreira e os conjuntos arquitetônicos e imersivos, que compõem a maior parte da produção atual de Thomas Houseago. A terceira sala é dedicada ao gigantismo e à escuridão, onde a perturbadora sensação de isolamento e introspecção se espalha. O Homem com pressa, um imponente colosso de bronze que toma posse da verticalidade do lugar, é contrariado pela horizontalidade da escultura reclinada Wood Skeleton I (Pai) e pelo longo friso de parede da série Black Paintings. A quarta sala é um espaço imersivo dedicado à apresentação do trabalho do Cast Studio. Acompanhado de um filme e de fotografias que contam sua concepção, essa escultura - moldada em argila - transcreve fisicamente o ateliê do artista através de seus movimentos e ações, marcando assim seu retorno à dimensão performativa de seus primeiros trabalhos.
Musée d’Art moderne de la Ville de Paris - 11 Avenue du Président Wilson, 75116 Paris www.mam.paris.fr
Gustave Guillaumet
A Fome
1868
oleo sobre tela
Musée Cirta, Constantine
© Max Roy
L’ALGERIE DE GUSTAVE GUILLAUMET – exposição de 9 de Março a 2 de Junho de 2019
A exposição de A Argélia de Gustave Guillaumet (1840-1887) apresenta aspectos desconhecidos da criação do artista. O trabalho plástico original de Gustave Guillaumet permite observar criticamente a pintura produzida na Argélia colonial e renova profundamente os temas do orientalismo. O Orientalismo geralmente dá uma imagem idealizada ou anedótica do Norte da África, o trabalho de Guillaumet é notável por retratar a dureza da vida em uma região desértica. Guillaumet é o único artista francês a ter representado os trágicos acontecimentos que afetaram a população argelina nas primeiras décadas de colonização. Testemunha da conquista, denunciou uma situação dramática que dizimou o país entre 1866 e 1868. Um terço da população argelina morreu em consequência de epidemias e fome. Em parte devido à seca, mas também resultado do empobrecimento das populações rurais argelinas cujas terras foram confiscadas.
Guillaumet viajou para a Argélia dez vezes entre 1861 e 1867. A exposição está organizada em torno de três temas principais: a obra em seu contexto histórico e a atração do deserto, a visão etnográfica da vida cotidiana e cenas interiores. Com as paisagens saharauis do sul, o pintor compõe uma outra Argélia, através da busca de um mundo primitivo e da observação de uma luminosidade inalterável. A série de Interiores Saharianos faz parte da observação da vida quotidiana dos habitantes dos oásis . Ele foi um dos primeiros artistas a entrar na esfera íntima. Guillaumet foi um cronista sensível de um período de perturbações intensas e dolorosas.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
A exposição de A Argélia de Gustave Guillaumet (1840-1887) apresenta aspectos desconhecidos da criação do artista. O trabalho plástico original de Gustave Guillaumet permite observar criticamente a pintura produzida na Argélia colonial e renova profundamente os temas do orientalismo. O Orientalismo geralmente dá uma imagem idealizada ou anedótica do Norte da África, o trabalho de Guillaumet é notável por retratar a dureza da vida em uma região desértica. Guillaumet é o único artista francês a ter representado os trágicos acontecimentos que afetaram a população argelina nas primeiras décadas de colonização. Testemunha da conquista, denunciou uma situação dramática que dizimou o país entre 1866 e 1868. Um terço da população argelina morreu em consequência de epidemias e fome. Em parte devido à seca, mas também resultado do empobrecimento das populações rurais argelinas cujas terras foram confiscadas.
Guillaumet viajou para a Argélia dez vezes entre 1861 e 1867. A exposição está organizada em torno de três temas principais: a obra em seu contexto histórico e a atração do deserto, a visão etnográfica da vida cotidiana e cenas interiores. Com as paisagens saharauis do sul, o pintor compõe uma outra Argélia, através da busca de um mundo primitivo e da observação de uma luminosidade inalterável. A série de Interiores Saharianos faz parte da observação da vida quotidiana dos habitantes dos oásis . Ele foi um dos primeiros artistas a entrar na esfera íntima. Guillaumet foi um cronista sensível de um período de perturbações intensas e dolorosas.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
Edouard Vuillard
A camisa listrada
1895
oleo sobre tela
65,7 x 58,7 cm
Washington, National Gallery of Art, Collection of
Mr. and Mrs. Paul Mellon, 1983.1.38
© Washington, National Gallery of Art
LES NABIS ET LE DECOR – exposição de 13 de Março a 30 de Junho de 2019
Verdadeiros pioneiros da decoração moderna, Bonnard, Vuillard, Maurice Denis, Sérusier, defenderam uma arte directamente ligada à vida, permitindo introduzir a beleza no quotidiano. O interesse pelo ornamental ocupa um lugar importante na criação dos artistas Nabis, grupo que se formou no final da década de 1880, seguindo o pensamento de William Morris, o iniciador do movimento Arts & Crafts na Ingleterra nos anos 1860. Os artistas Nabis ampliam suas experiências técnicas no campo da pintura, da estampa, da tapeçaria, do papel de parede, do vitral. Fascinados pelas gravuras japonesas que descobriram durante uma exposição organizada em 1890 em Paris, inspiraram-se nessas imagens expressivas para desenvolver uma nova gramática estilística. Eles desenvolveram uma arte com formas simplificadas, linhas flexíveis, destinados a embelezar interiores contemporâneos. Suas composições distinguem-se pelo uso de cores vivas, linhas onduladas, perspectiva sem profundidade. Uma parte significativa da exposição é dedicada às criações dos Nabis no campo da tapeçaria, papel de parede, vitrais e cerâmica. Seu percurso em quatro partes abrange temas importantes, como a associação simbólica das mulheres e da natureza no trabalho de juventude de Bonnard, Maurice Denis, Vuillard e Ker-Xavier Roussel, ou o tema dos interiores de Vuillard. A exposição conclui com a apresentação de temas sagrados que evocam a paixão de algum Nabis pelo esoterismo e o espiritual.
Musée du Luxembourg - 19 rue Vaugirard, 75006 Paris
https://museeduluxembourg.
Verdadeiros pioneiros da decoração moderna, Bonnard, Vuillard, Maurice Denis, Sérusier, defenderam uma arte directamente ligada à vida, permitindo introduzir a beleza no quotidiano. O interesse pelo ornamental ocupa um lugar importante na criação dos artistas Nabis, grupo que se formou no final da década de 1880, seguindo o pensamento de William Morris, o iniciador do movimento Arts & Crafts na Ingleterra nos anos 1860. Os artistas Nabis ampliam suas experiências técnicas no campo da pintura, da estampa, da tapeçaria, do papel de parede, do vitral. Fascinados pelas gravuras japonesas que descobriram durante uma exposição organizada em 1890 em Paris, inspiraram-se nessas imagens expressivas para desenvolver uma nova gramática estilística. Eles desenvolveram uma arte com formas simplificadas, linhas flexíveis, destinados a embelezar interiores contemporâneos. Suas composições distinguem-se pelo uso de cores vivas, linhas onduladas, perspectiva sem profundidade. Uma parte significativa da exposição é dedicada às criações dos Nabis no campo da tapeçaria, papel de parede, vitrais e cerâmica. Seu percurso em quatro partes abrange temas importantes, como a associação simbólica das mulheres e da natureza no trabalho de juventude de Bonnard, Maurice Denis, Vuillard e Ker-Xavier Roussel, ou o tema dos interiores de Vuillard. A exposição conclui com a apresentação de temas sagrados que evocam a paixão de algum Nabis pelo esoterismo e o espiritual.
Musée du Luxembourg - 19 rue Vaugirard, 75006 Paris
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Nguzunguzu, figura fixada na proa de uma canoa © Museum der Kulturen, Derek Li Wan Po
OCEANIE – exposição de 12 de Março a 7 de Julho de 2019
A exposição Oceânia apresenta todo o mundo insular do Pacífico, da Nova Guiné a Rapa Nui (Ilha de Páscoa), do Havaí a Aotearoa (Nova Zelândia). Vindas deste vasto território pontilhado de ilhas, as artes da Oceânia consistem num conjunto de estilos, associados a muitos grupos culturais e linguísticos, e a tradições dinâmicas, que se transformam com as mudanças históricas. A exposição enfatiza a relação entre culturas e povos e, nesse sentido, integra uma reflexão contemporânea sobre o mundo da Oceânia.
Os estudos feitos nas últimas décadas tornaram possível a tomada de consciência da riqueza e variedade dos gêneros artísticos insulares e compreendê-los melhor, pelo que as obras emblemáticas já não são necessariamente consideradas como a expressão da tradição, mas evocam também momentos da história de culturas marcadas pelo comércio, abaladas pela colonização, pela evangelização e, mais recentemente, pelas alterações climáticas. Quatro temas principais marcam a exposição: viagem, ancoragem, encontro e memória. De grandes e cuidadosamente esculpidas canoas a ornamentos corporais, de divindades a vídeos e instalações contemporâneos, a exposição conta como a memória ancestral e o olhar crítico, a tradição e a modernidade coincidem nas artes oceânicas. Reunindo quase duzentas obras antigas e contemporâneas, Oceânia conta a história das culturas e povos insulares e apresenta um panorama da arte insular do Pacífico.
Musée du Quai Branly - 37 Quai Branly, 75007 Paris
www.quaibranly.fr
A exposição Oceânia apresenta todo o mundo insular do Pacífico, da Nova Guiné a Rapa Nui (Ilha de Páscoa), do Havaí a Aotearoa (Nova Zelândia). Vindas deste vasto território pontilhado de ilhas, as artes da Oceânia consistem num conjunto de estilos, associados a muitos grupos culturais e linguísticos, e a tradições dinâmicas, que se transformam com as mudanças históricas. A exposição enfatiza a relação entre culturas e povos e, nesse sentido, integra uma reflexão contemporânea sobre o mundo da Oceânia.
Os estudos feitos nas últimas décadas tornaram possível a tomada de consciência da riqueza e variedade dos gêneros artísticos insulares e compreendê-los melhor, pelo que as obras emblemáticas já não são necessariamente consideradas como a expressão da tradição, mas evocam também momentos da história de culturas marcadas pelo comércio, abaladas pela colonização, pela evangelização e, mais recentemente, pelas alterações climáticas. Quatro temas principais marcam a exposição: viagem, ancoragem, encontro e memória. De grandes e cuidadosamente esculpidas canoas a ornamentos corporais, de divindades a vídeos e instalações contemporâneos, a exposição conta como a memória ancestral e o olhar crítico, a tradição e a modernidade coincidem nas artes oceânicas. Reunindo quase duzentas obras antigas e contemporâneas, Oceânia conta a história das culturas e povos insulares e apresenta um panorama da arte insular do Pacífico.
Musée du Quai Branly - 37 Quai Branly, 75007 Paris
www.quaibranly.fr
O Cavaleiro
Foto : ©Patrick Gries / Éditions Xavier Barral
EVOLUTION – exposição até 29 de setembro de 2019 na cidade de Nemours
A exposição "Evolução" combinando arte e ciência pretende despertar o desejo de compreensão do visitante. Reunindo cerca de cinquenta impressões fotográficas, a exposição oferece um vasto panorama do mundo dos vertebrados. Os vários exemplos de arquitectura óssea revelam as origens comuns entre as espécies e estimulam o questionamento sobre o mecanismo da evolução. As fotografias apresentadas foram feitas durante uma campanha, sem precedentes, cujo objetivo era criar um acervo fotográfico dos espécimes mais significativos entre os principais grupos de vertebrados. Foram feitas cerca de 500 fotografias em cinco instituições científicas. Foram necessários ao fotógrafo Patrick Gries dois anos de trabalho noturno na Galeria de Paleontologia e Anatomia Comparativa do Museu Nacional de História Natural. Ele tirou fotos dos esqueletos como modelos vivos. Em seguida, retocou as fotos removendo as estruturas metálicas que mantêm os ossos juntos. O resultado é deslumbrante com os esqueletos parecendo emergir do nada. A exposição e o livro que a acompanha foram concebidos pelo editor Xavier Barral e o autor Jean-Baptiste de Panafieu.
MUSÉE DE PRÉHISTOIRE D’ÎLE-DE-FRANCE - 48, avenue Étienne Dailly - 77140 Nemours
www.musee-prehistoire-idf.fr
A exposição "Evolução" combinando arte e ciência pretende despertar o desejo de compreensão do visitante. Reunindo cerca de cinquenta impressões fotográficas, a exposição oferece um vasto panorama do mundo dos vertebrados. Os vários exemplos de arquitectura óssea revelam as origens comuns entre as espécies e estimulam o questionamento sobre o mecanismo da evolução. As fotografias apresentadas foram feitas durante uma campanha, sem precedentes, cujo objetivo era criar um acervo fotográfico dos espécimes mais significativos entre os principais grupos de vertebrados. Foram feitas cerca de 500 fotografias em cinco instituições científicas. Foram necessários ao fotógrafo Patrick Gries dois anos de trabalho noturno na Galeria de Paleontologia e Anatomia Comparativa do Museu Nacional de História Natural. Ele tirou fotos dos esqueletos como modelos vivos. Em seguida, retocou as fotos removendo as estruturas metálicas que mantêm os ossos juntos. O resultado é deslumbrante com os esqueletos parecendo emergir do nada. A exposição e o livro que a acompanha foram concebidos pelo editor Xavier Barral e o autor Jean-Baptiste de Panafieu.
MUSÉE DE PRÉHISTOIRE D’ÎLE-DE-FRANCE - 48, avenue Étienne Dailly - 77140 Nemours
www.musee-prehistoire-idf.fr
Edouard Manet
Un bar aux Folies-Bergère, 1882
óleo sobre tela
96 x 130 cm
The Courtauld Gallery, Londres
(Samuel Courtauld Trust)
LA COLLECTION COURTAULD, le parti de l’impressionnisme – exposição de 20 de Fevereiro a 17 de Junho de 2019
Samuel Couurtauld (1876-1947), industrial inglês que fêz fortuna na indústria textil, foi um grande colecionador de arte, mecenas e fundador do Courtauld Institute of Art e da Courtauld Gallery em Londres em 1932. Sua coleção de obras de arte foi construída de forma deslumbrante com a cumplicidade de sua esposa Elizabeth entre 1923 e 1929. Ela reúne um conjunto excepcional de obras impressionistas e pós-impressionistas.
A exposição que se apresenta em Paris, inclui cerca de cento e dez pinturas e obras gráficas, incluindo um conjunto de dez aquarelas de William Turner adquiridas por Stephen, o irmão de Samuel. Através desta coleção baseada na eleição de grandes figuras, acompanhamos o desenvolvimento do Impressionismo desde a década de 1860. O percurso da exposição é marcado pela presença privilegiada de Cézanne e Seurat, ao lado de Manet, Monet, Renoir, Degas, Toulouse-Lautrec, Modigliani, Van Gogh, Gauguin. O nível de excelência e o escopo da maioria das obras espelham a percepção e a precisão audaciosa dos colecionadores no contexto britânico da época.
Fondation Louis Vuitton - 8, avenue du Mahatma Gandhi, Bois de Boulogne, 75016 Paris.
www.fondationlouisvuitton.fr
Samuel Couurtauld (1876-1947), industrial inglês que fêz fortuna na indústria textil, foi um grande colecionador de arte, mecenas e fundador do Courtauld Institute of Art e da Courtauld Gallery em Londres em 1932. Sua coleção de obras de arte foi construída de forma deslumbrante com a cumplicidade de sua esposa Elizabeth entre 1923 e 1929. Ela reúne um conjunto excepcional de obras impressionistas e pós-impressionistas.
A exposição que se apresenta em Paris, inclui cerca de cento e dez pinturas e obras gráficas, incluindo um conjunto de dez aquarelas de William Turner adquiridas por Stephen, o irmão de Samuel. Através desta coleção baseada na eleição de grandes figuras, acompanhamos o desenvolvimento do Impressionismo desde a década de 1860. O percurso da exposição é marcado pela presença privilegiada de Cézanne e Seurat, ao lado de Manet, Monet, Renoir, Degas, Toulouse-Lautrec, Modigliani, Van Gogh, Gauguin. O nível de excelência e o escopo da maioria das obras espelham a percepção e a precisão audaciosa dos colecionadores no contexto britânico da época.
Fondation Louis Vuitton - 8, avenue du Mahatma Gandhi, Bois de Boulogne, 75016 Paris.
www.fondationlouisvuitton.fr
Union Avenue, Harare, Zimbábue, 2016 © Guy Tillim, Cortesia de Stevenson, Cidade do Cabo e Joanesburgo
GUY TILLIM- MUSEUM OF THE REVOLUTION – exposição de 26 de Fevereiro a 2 de Junho de 2019
O fotógrafo sul-africano Guy Tillim (nascido em 1962) através do seu novo projeto, a série o Museu da Revolução, observou os efeitos da descolonização nas principais capitais africanas. Longas viagens levaram-no de 2014 a 2018 a Joanesburgo, Durban, Maputo, Luanda, Nairobi etc. As avenidas, nomeadas e renomeadas, atuam como testemunhas silenciosas dos fluxos e refluxos das mudanças políticas, econômicas e sociais e tornaram-se o museu das duas grandes revoluções que surgiram nos países africanos nos últimos sessenta e cinco anos: dos regimes coloniais aos regimes pós-coloniais, com empréstimos de práticas socialistas e do nacionalismo africano aos Estados capitalistas.
Nessa série, Guy Tillim se interessa pelo espaço urbano como uma zona de inscrição onde os vestígios do passado colonial são visíveis e onde as novas orientações políticas são afirmadas. Tillim foi o vencedor do Prémio HCB 2017 (apoiado pela Hermès Corporate Foundation) com este projeto, Tillim faz parte da geração pós-David Goldblatt que marcou profundamente o cenário fotográfico sul-africano dos anos 1990 e 2000.
Fondation Henri Cartier Bresson - 79 rue des Archives – 75003 Paris
www.henricartierbresson.org
O fotógrafo sul-africano Guy Tillim (nascido em 1962) através do seu novo projeto, a série o Museu da Revolução, observou os efeitos da descolonização nas principais capitais africanas. Longas viagens levaram-no de 2014 a 2018 a Joanesburgo, Durban, Maputo, Luanda, Nairobi etc. As avenidas, nomeadas e renomeadas, atuam como testemunhas silenciosas dos fluxos e refluxos das mudanças políticas, econômicas e sociais e tornaram-se o museu das duas grandes revoluções que surgiram nos países africanos nos últimos sessenta e cinco anos: dos regimes coloniais aos regimes pós-coloniais, com empréstimos de práticas socialistas e do nacionalismo africano aos Estados capitalistas.
Nessa série, Guy Tillim se interessa pelo espaço urbano como uma zona de inscrição onde os vestígios do passado colonial são visíveis e onde as novas orientações políticas são afirmadas. Tillim foi o vencedor do Prémio HCB 2017 (apoiado pela Hermès Corporate Foundation) com este projeto, Tillim faz parte da geração pós-David Goldblatt que marcou profundamente o cenário fotográfico sul-africano dos anos 1990 e 2000.
Fondation Henri Cartier Bresson - 79 rue des Archives – 75003 Paris
www.henricartierbresson.org
Cueco Marinette-Tondo-Coleção Villa Datris-Foto Franck Couvreur
TISSAGE TRESSAGE, QUAND LA SCULPTURE DEFILE A PARIS – exposição de 15 de Fevereiro a 29 de Junho de 2019
O Espaço Monte-Cristo apresenta uma belíssima exposição de esculturas feitas com a arte da tecelagem e a arte de trançar. A arte textil, e sobretudo a tapeçaria, teve destaque desde a Idade Média até o século XIX nas artes decorativas. Sua introdução no mundo moderno começou na década de 1920, com pioneiras como Anni Albers, na Alemanha e depois nos Estados Unidos e Sonia Delaunay na França. Elas se apropriaram das técnicas tradicionais para afasta-las das artes decorativas e integrá-las em uma reflexão artística abstrata. No final dos anos 50, Sheila Hicks e Magdalena Abakanowicz introduziram estas técnicas na escultura. Raymonde Acier e Annette Messager, artistas feministas dos anos 60-70, propuseram um nova visão da feminidade privilegiando as artes manuais, a tecelagem, a arte da trança, confinadas então à usagem doméstica, no espaço de exposição e no vocabulário artístico contemporâneo. Os artistas contemporâneos libertam-se das duas vocações primárias, úteis e decorativas, atribuídas aos têxteis e encontram a essência simbólica do fio, do nó, do elo. Essa exposição reune vinte artistas, talentos reconhecidos ou emergentes, como Caroline Achaintre, Pierre Daquin, Sonia Delaunay, Sheila Hicks, Chiharu Shiota, Meschac Gaba, Annette Messager, Amélie Giacomini & Laura Sellies, Laure Prouvost. A artista Marinette Cueco, que trabalha tecendo ervas, teve carta branca para investir um grande espaço da exposição.
Fondation Villa Datris Paris – 9, rue Monte-Cristo – 75020 Paris
O Espaço Monte-Cristo apresenta uma belíssima exposição de esculturas feitas com a arte da tecelagem e a arte de trançar. A arte textil, e sobretudo a tapeçaria, teve destaque desde a Idade Média até o século XIX nas artes decorativas. Sua introdução no mundo moderno começou na década de 1920, com pioneiras como Anni Albers, na Alemanha e depois nos Estados Unidos e Sonia Delaunay na França. Elas se apropriaram das técnicas tradicionais para afasta-las das artes decorativas e integrá-las em uma reflexão artística abstrata. No final dos anos 50, Sheila Hicks e Magdalena Abakanowicz introduziram estas técnicas na escultura. Raymonde Acier e Annette Messager, artistas feministas dos anos 60-70, propuseram um nova visão da feminidade privilegiando as artes manuais, a tecelagem, a arte da trança, confinadas então à usagem doméstica, no espaço de exposição e no vocabulário artístico contemporâneo. Os artistas contemporâneos libertam-se das duas vocações primárias, úteis e decorativas, atribuídas aos têxteis e encontram a essência simbólica do fio, do nó, do elo. Essa exposição reune vinte artistas, talentos reconhecidos ou emergentes, como Caroline Achaintre, Pierre Daquin, Sonia Delaunay, Sheila Hicks, Chiharu Shiota, Meschac Gaba, Annette Messager, Amélie Giacomini & Laura Sellies, Laure Prouvost. A artista Marinette Cueco, que trabalha tecendo ervas, teve carta branca para investir um grande espaço da exposição.
Fondation Villa Datris Paris – 9, rue Monte-Cristo – 75020 Paris
CALDER – PICASSO – exposição de 19 de Fevereiro a 25 de Agosto de 2019
A nova exposição do Museu Picasso de Paris conta como Alexander Calder (1898-1976) e Pablo Picasso (1881-1973) observaram constantemente o trabalho um do outro. A comparação das obras desses grandes inovadores da arte moderna leva a uma constatação: a exploração do vazio foi um dos temas comuns de seus experimentos plásticos, da figuração à abstração. Tanto Calder como Picasso jogam com as particularidades que existem para apresentar e representar o não-espaço, seja dando forma a uma subtração da massa, como nas esculturas delicadas e poéticas de Calder, seja expressando as contorções do tempo, como em muitas figuras de Picasso. Calder apreende a questão do vácuo com curiosidade e ambição intelectual, mobilizando forças sem precedentes que desafiam os limites dimensionais. Picasso personaliza esta exploração integrando uma dimensão mais subjectiva. A exposição apresenta cerca de 120 obras que nos permitem estudar, numa perspectiva mais ampla, como estes dois artistas, cada um à sua maneira, trataram desta questão do vazio e desafiaram o movimento das massas. Na vida Calder e Picasso encontraram-se quatro vezes havendo uma admiração recíproca, mas permaneceram a uma distância respeitosa.
Musée Picasso Paris – 5, rue de Thorigny, 75003 Paris
www.museepicassoparis.fr
A nova exposição do Museu Picasso de Paris conta como Alexander Calder (1898-1976) e Pablo Picasso (1881-1973) observaram constantemente o trabalho um do outro. A comparação das obras desses grandes inovadores da arte moderna leva a uma constatação: a exploração do vazio foi um dos temas comuns de seus experimentos plásticos, da figuração à abstração. Tanto Calder como Picasso jogam com as particularidades que existem para apresentar e representar o não-espaço, seja dando forma a uma subtração da massa, como nas esculturas delicadas e poéticas de Calder, seja expressando as contorções do tempo, como em muitas figuras de Picasso. Calder apreende a questão do vácuo com curiosidade e ambição intelectual, mobilizando forças sem precedentes que desafiam os limites dimensionais. Picasso personaliza esta exploração integrando uma dimensão mais subjectiva. A exposição apresenta cerca de 120 obras que nos permitem estudar, numa perspectiva mais ampla, como estes dois artistas, cada um à sua maneira, trataram desta questão do vazio e desafiaram o movimento das massas. Na vida Calder e Picasso encontraram-se quatro vezes havendo uma admiração recíproca, mas permaneceram a uma distância respeitosa.
Musée Picasso Paris – 5, rue de Thorigny, 75003 Paris
www.museepicassoparis.fr
Cartaz de Floralies Internationales Nantes 2019
FLORALIES INTERNATIONALES – NANTES de 2 a 19 de Maio de 2019 na cidade de Nantes
Criada em 1956, a exposição de flores Floralies International - Nantes, que acontece a cada cinco anos, celebra em 2019 sua 12ª edição sob o tema "Flores para viver" e ilustra a sentença do escritor e filósofo do Renascimento Michel de Montaigne: « Se a vida é apenas uma passagem, nesta passagem semeemos ao menos flores »
Apresentada nos 45 000 m² do belo Parque Floral de La Beaujoire, localizado nas margens do rio Erdre, a cenografia inclui seis pavilhões e sete atmosferas ornamentais exibidas no interior e ao ar livre e conta o ciclo da vida.
Com uma participação internacional e inédita, Floralies oferece um show exótico representado por cada país, e um mundo de plantas, tradições, culturas e know-how a serem descobertos.
Quanto às tendências e inovações, além das criações florais e paisagísticas de designers confirmados ou emergentes, um novo espaço será dedicado este ano à inovação através do Design Vegetal e Digital. A cidade de Angers, famosa por seu polo internacional em pesquisa e inovação na área vegetal, criará um espaço interativo inspirado no design de circuitos de computador alimentando uma árvore central. A designer floral "Hâpy » realizará uma instalação abstrata e utópica, inspirada nos jardins selvagens de Piet Oudolf, com uma abordagem sustentável para a paisagem urbana.
Floralis oferecerá também um espetáculo com a apresentação noturna de Naturya, o primeiro show floral e musical dirigido por Axel Montel. As decorações e figurinos dos trinta artistas serão realizadas pelo renomado artesão-florista Gilles Pavan.
A edição 2019 de Floralies promete ser rica e inovadora.
EXPONANTES - Parc des Expositions - Route de Saint-Joseph de Porterie - 44300 Nantes
www.comite-des-floralies.com
Criada em 1956, a exposição de flores Floralies International - Nantes, que acontece a cada cinco anos, celebra em 2019 sua 12ª edição sob o tema "Flores para viver" e ilustra a sentença do escritor e filósofo do Renascimento Michel de Montaigne: « Se a vida é apenas uma passagem, nesta passagem semeemos ao menos flores »
Apresentada nos 45 000 m² do belo Parque Floral de La Beaujoire, localizado nas margens do rio Erdre, a cenografia inclui seis pavilhões e sete atmosferas ornamentais exibidas no interior e ao ar livre e conta o ciclo da vida.
Com uma participação internacional e inédita, Floralies oferece um show exótico representado por cada país, e um mundo de plantas, tradições, culturas e know-how a serem descobertos.
Quanto às tendências e inovações, além das criações florais e paisagísticas de designers confirmados ou emergentes, um novo espaço será dedicado este ano à inovação através do Design Vegetal e Digital. A cidade de Angers, famosa por seu polo internacional em pesquisa e inovação na área vegetal, criará um espaço interativo inspirado no design de circuitos de computador alimentando uma árvore central. A designer floral "Hâpy » realizará uma instalação abstrata e utópica, inspirada nos jardins selvagens de Piet Oudolf, com uma abordagem sustentável para a paisagem urbana.
Floralis oferecerá também um espetáculo com a apresentação noturna de Naturya, o primeiro show floral e musical dirigido por Axel Montel. As decorações e figurinos dos trinta artistas serão realizadas pelo renomado artesão-florista Gilles Pavan.
A edição 2019 de Floralies promete ser rica e inovadora.
EXPONANTES - Parc des Expositions - Route de Saint-Joseph de Porterie - 44300 Nantes
www.comite-des-floralies.com
Luigi Ghirri, Calvi, 1976. Coleção particular. Courtesy Matthew Marks Gallery © Succession Luigi Ghirri
LUIGI GHIRRI, CARTES ET TERRITOIRES PHOTOGRAPHIES DES ANNÉES 1970 – exposição de 12 de Fevereiro a 2 de Junho de 2019
Luigi Ghirri (1943-1992) é um fotógrafo e geógrafo italiano. Luigi pousou um olhar afetuoso na Itália. Sua fotografia mostra as transformações que o homem provocou nas paisagens de sua província natal de Emilia-Romagna. Precursor no seu campo, ele é um dos primeiros fotógrafos na Europa a utilizar a cor numa busca puramente artística. Luigi Ghirri experimentou um inegável fascínio pelas representações do mundo, suas reproduções, imagens, cartazes, modelos e mapas, e pela maneira como essas representações se inserem no mundo, como um sinal dentro da cidade e da paisagem. Luigi Ghirri abordou seriamente a fotografia em 1970, usando exclusivamente o filme colorido. Ele trabalhou em Modena e nas suas imediações. Ao longo da década, ele criou um extenso repertório de imagens a partir da qual elaborou uma reflexão original sobre a linguagem fotográfica e percorreu uma série de itinerários poéticos através da cultura e geografia italiana. A exposição é um panorama da obra de Ghirri da década de 1970 e reúne catorze séries diferentes: casas e jardins suburbanos, imagens publicitárias modernas, o mundo imaginário dos parques de diversão, os detalhes cartográficos de um atlas. Além de seu trabalho fotográfico inovador, Ghirri foi um pensador e um autor influente.
Jeu de Paume – 1 place de la Concorde, 75008 Paris
www.jeudepaume.org/
Luigi Ghirri (1943-1992) é um fotógrafo e geógrafo italiano. Luigi pousou um olhar afetuoso na Itália. Sua fotografia mostra as transformações que o homem provocou nas paisagens de sua província natal de Emilia-Romagna. Precursor no seu campo, ele é um dos primeiros fotógrafos na Europa a utilizar a cor numa busca puramente artística. Luigi Ghirri experimentou um inegável fascínio pelas representações do mundo, suas reproduções, imagens, cartazes, modelos e mapas, e pela maneira como essas representações se inserem no mundo, como um sinal dentro da cidade e da paisagem. Luigi Ghirri abordou seriamente a fotografia em 1970, usando exclusivamente o filme colorido. Ele trabalhou em Modena e nas suas imediações. Ao longo da década, ele criou um extenso repertório de imagens a partir da qual elaborou uma reflexão original sobre a linguagem fotográfica e percorreu uma série de itinerários poéticos através da cultura e geografia italiana. A exposição é um panorama da obra de Ghirri da década de 1970 e reúne catorze séries diferentes: casas e jardins suburbanos, imagens publicitárias modernas, o mundo imaginário dos parques de diversão, os detalhes cartográficos de um atlas. Além de seu trabalho fotográfico inovador, Ghirri foi um pensador e um autor influente.
Jeu de Paume – 1 place de la Concorde, 75008 Paris
www.jeudepaume.org/
MADELINE Paul, La Sédelle en automne, oléo sobre tela, 65x81cm© Vincent Escudero, musée de Chateauroux
PEINDRE DANS LA VALLÉE DE LA CREUSE, 1830 – 1930 – exposição de 1° de Fevereiro a 26 de Maio de 2019 em Rueil-Malmaison
A partir de 1830, quase 400 pintores vindos de toda a Europa encantam-se pelo vale do rio Creuse e durante quase cem anos o vale serviu-lhes de fonte de inspiração. É a chegada do trem em Limoges que permite que os pintores coloquem seus cavaletes nas margens da Creuse. E é nesse vale que Claude Monet inaugura as suas séries e, em suas telas, as águas do rio parecem vivas. A exposição « Pintar no Vale da Creuse » oferece um passeio através de pinturas e trabalhos gráficos, e demonstra o papel que este vale desempenhou nas grandes aventuras que marcaram a história da arte. Durante um século, as paisagens entre a região do Berry e do Limousin revelam o seu interesse artístico aos pintores clássicos, modernos ou de vanguarda que sabem capturar a sua beleza. Os 140 trabalhos apresentados na exposição retraçam a história do centro artístico do Vale da Creuse que atrae os artistas de paisagem em busca de motivos pitorescos. Uma parte importante da exposição está dedicada às paisagens impressionistas em torno de duas grandes figuras: Claude Monet e Armand Guillaumin. Este último trabalha lá durante trinta anos e transforma a Creuse em um local de referência artística. Entre 1900 e 1930, as paisagens da Creuse continuam a atrair pintores em busca de inovações plásticas como Othon Friesz ou Francis Picabia, mas a represa de Éguzon em 1926 põe fim a esta aventura. A elaboração desta exposição única é o resultado de um importante trabalho realizado sob a orientação de Veronique Alemany, curadora científica da exposição e historiadora de arte.
berengere@observatoire.f
Atelier Grognard - 6 avenue du Château-de-Malmaison
A partir de 1830, quase 400 pintores vindos de toda a Europa encantam-se pelo vale do rio Creuse e durante quase cem anos o vale serviu-lhes de fonte de inspiração. É a chegada do trem em Limoges que permite que os pintores coloquem seus cavaletes nas margens da Creuse. E é nesse vale que Claude Monet inaugura as suas séries e, em suas telas, as águas do rio parecem vivas. A exposição « Pintar no Vale da Creuse » oferece um passeio através de pinturas e trabalhos gráficos, e demonstra o papel que este vale desempenhou nas grandes aventuras que marcaram a história da arte. Durante um século, as paisagens entre a região do Berry e do Limousin revelam o seu interesse artístico aos pintores clássicos, modernos ou de vanguarda que sabem capturar a sua beleza. Os 140 trabalhos apresentados na exposição retraçam a história do centro artístico do Vale da Creuse que atrae os artistas de paisagem em busca de motivos pitorescos. Uma parte importante da exposição está dedicada às paisagens impressionistas em torno de duas grandes figuras: Claude Monet e Armand Guillaumin. Este último trabalha lá durante trinta anos e transforma a Creuse em um local de referência artística. Entre 1900 e 1930, as paisagens da Creuse continuam a atrair pintores em busca de inovações plásticas como Othon Friesz ou Francis Picabia, mas a represa de Éguzon em 1926 põe fim a esta aventura. A elaboração desta exposição única é o resultado de um importante trabalho realizado sob a orientação de Veronique Alemany, curadora científica da exposição e historiadora de arte.
berengere@observatoire.f
Atelier Grognard - 6 avenue du Château-de-Malmaison
La Piscine © A. Leprince M.A.I.A.D. Roubaix
LA PISCINE – o museu de artes e indústria da cidade de Roubaix
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
A cidade de Roubaix é situada no noroeste da França e faz parte da área metropolitana da cidade de Lille. Reconhecida como cidade de arte e história, ela permanece famosa por seu patrimônio arquitetônico e pelo boom econômico que experimentou durante a Revolução Industrial no século XIX, graças à indústria têxtil, da qual foi uma das capitais mundiais no início do século XX. Esta antiga cidade tem enfrentado muitos desafios ligados à desindustrialização, desde que suas principais indústrias caíram em declínio em meados da década de 1970. Mas é uma cidade plena de iniciativas e com uma identidade forte, que não deixa indiferente. A grande atração é o museu de arte e indústria La Piscine, localizado na antiga piscina municipal construída no estilo art-deco entre 1927 e 1932 pelo arquiteto Albert Baert. Após funcionar 50 anos, a piscina foi abandonada em 1985. Em 2001, a piscina mais bonita da França foi transformada em museu pelo arquiteto Jean-Paul Philippon que respeitou a totalidade dos espaços. A bacia projetada como um jardim de esculturas decorativas, revela seu lindo mosaico de pasta de vidro. Espaços originais apresentam a coleção de cerâmica, de arte decorativa, tecidos, pinturas e esculturas dos século XIX e XX. Devido ao imenso sucesso do museu, ele foi recentemente ampliado com edifícios contemporâneos em uma coerência harmoniosa com o sítio histórico. Loja, restaurante e biblioteca completam a oferta do museu.
La Piscine - 23, rue de l’Espérance, 59100 Roubaix
www.roubaix-lapiscine.com
Atelier des Lumières ©Culturespaces/E.Spiller
ATELIER DES LUMIERES
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
Localizada entre Bastille e Nation, uma antiga fundição de ferro criada no século XIX no leste parisiense, foi transformada em um local que oferecerá exposições imersivas monumentais, o Atelier des Lumières. A fundição é um componente essencial da experiência artística. Mais do que apenas um médium, o lugar forja a identidade do projeto, por seus volumes, sua história, seu caráter industrial. Graças à sua monumental arquitectura, salientada pela estrutura metálica original que marca o grande salão, a antiga fundição de ferro oferece um cenário ideal para estas exposições digitais. No salão, os visitantes encontrarão elementos monumentais (chaminé, torre de secagem, bacia, reservatório de água) projetados para desenvolver interações com o público. Com 140 projetores de vídeo e um sistema de som espacial, esse equipamento multimídia exclusivo cobrirá 3.300 m2 de superfícies do chão ao teto com paredes de até 10 metros de altura. O Atelier des Lumières recebe os visitantes em dois espaços: o Hall de 1500 m2 e o Studio de 160 m2. No Halle será projetado continuamente um ciclo de exposições digitais e imersivas, alternando um longo programa dedicado às grandes figuras da história da arte, e um programa curto, mais contemporâneo. No Studio os visitantes descobrirão talentos confirmados ou emergentes. Espaço dedicado à criação contemporânea, dará carta branca aos artistas digitais capazes de criar um universo visual original. No final do estúdio, um bar propõe uma refeição leve.
Atelier des Lumières - 38 rue Saint-Maur - 75011 Paris
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Simulação Van Gogh, A noite estrelada © Culturespaces/Gianfranco Iannuzzi
VAN GOGH – A NOITE ESTRELADA – exposição de 22 de Fevereiro a 31 de Dezembro de 2019
A nova exposição digital do Atelier des Lumières propõe uma imersão nas pinturas de Vincent van Gogh (1853-1890), o pintor holandês, cujo genialidade não foi reconhecida durante a sua vida. Preenchendo todo o espaço do Atelier, essa nova criação visual e sonora retraça a vida atormentada do artista que, durante os dez últimos anos de sua vida, pintou mais de dois mil quadros que se encontram agora espalhados pelo mundo. A exposição percorre toda a imensa produção do artista que evoluiu radicalmente com o percorrer dos anos. Desde suas pinturas holandesas como Os comedores de batatas até sua produção na cidade de Arles no sul da França tal os Girassóis, o Quarto de dormir e A Noite Estrelada. A exposição revela as pinceladas expressivas de Van Gogh e o espaço se ilumina com as cores audaciosas de suas pinturas. As tonalidades escuras se avivam com a presença das cores claras e quentes, A exposição evoca o mundo interior poético e caótico desse imenso pintor e ressalta o permanente diálogo entre a luz e a sombra.
Atelier des Lumières – 38, rue Saint Maur – 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
A nova exposição digital do Atelier des Lumières propõe uma imersão nas pinturas de Vincent van Gogh (1853-1890), o pintor holandês, cujo genialidade não foi reconhecida durante a sua vida. Preenchendo todo o espaço do Atelier, essa nova criação visual e sonora retraça a vida atormentada do artista que, durante os dez últimos anos de sua vida, pintou mais de dois mil quadros que se encontram agora espalhados pelo mundo. A exposição percorre toda a imensa produção do artista que evoluiu radicalmente com o percorrer dos anos. Desde suas pinturas holandesas como Os comedores de batatas até sua produção na cidade de Arles no sul da França tal os Girassóis, o Quarto de dormir e A Noite Estrelada. A exposição revela as pinceladas expressivas de Van Gogh e o espaço se ilumina com as cores audaciosas de suas pinturas. As tonalidades escuras se avivam com a presença das cores claras e quentes, A exposição evoca o mundo interior poético e caótico desse imenso pintor e ressalta o permanente diálogo entre a luz e a sombra.
Atelier des Lumières – 38, rue Saint Maur – 75011 Paris
www.atelier-lumieres.com
A CIDADE DE SÈTE E O MUSEU PAUL VALERY
A cidade de Sète, a 30 minutos de Montpellier, está localizada entre o Mediterrâneo e o lago de Thau. Com seus típicos bairros atravessados por canais que refletem as fachadas coloridas das docas, Sète é um balneário concorrido. Conservou toda a autenticidade devido aos seus portos, em pleno coração da cidade. O cume do Monte Saint-Clair oferece uma vista da cidade, também chamada de "Veneza de Languedoc", devido à sua rede de canais. Localizado nas encostas do Monte Saint Clair, em um terraço com vista para o Cemitério Marinho e o Mediterrâneo, o Museu Paul Valéry tem uma vista e localização excepcionais. Sua arquitetura projetada pelo arquiteto Guy Guillaume data do início dos anos 70 e se encaixa na lógica dos edifícios de Corbusier. Os jardins circundantes apresentam regularmente eventos ao ar livre. As coleções do museu abrangem cerca de 8.000 obras. A coleção de Belas Artes é composta de obras do século XVII até os dias de hoje complementadas por outras coleções sendo uma de Paul Valéry, o grande poeta da modernidade.
Musée Paul Valery - 148 Rue François Desnoyer, 34200 Sète
museepaulvalery-sete.fr
FUNDAÇÃO PIERRE GIANADDA, Martigny, Suiça
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
http://www.gianadda.ch
Martigny no Cantão de Valais na Suíça é uma cidade rodeada de vinhas e pomares, perto de diversas estações de esqui e trilhas de caminhadas no verão. Martigny é uma cidade de arte com esculturas de artistas nas esquinas das ruas, com a arte romana, a arte contemporânea, e a presença da prestigiosa Fundação Gianadda, lugar de exposição de arte. Em 1976, com a morte acidental de Pierre Gianadda, seu irmão Léonard construiu em sua memória, no local de um templo celta, um grande edifício feito de concreto, colocado sobre o templo. A Fundação abriga duas exposições permanentes : um museu arqueológico com os achados das escavações na cidade, que atesta o passado galo-romano da antiga cidade de Valais, e um museu do automóvel com uma impressionante coleção de mais de 40 carros das principais marcas europeias da década de 1890-1940, o que o torna o mais importante conjunto dedicado ao automóvel no país. O salão principal do edifício destina-se a importantes exposições temporárias de coleções públicas e particulares e concertos de música clássica com artistas prestigiosos. Seus jardins apresentam um dos conjuntos públicos mais importantes de esculturas na Europa, com grandes obras dos principais artistas internacionais da escultura do século XX.
Fondation Pierre Gianadda - Rue du Forum 59, 1920 Martigny, SUIÇA
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"São Martinho", Escola Creto-veneziana, em torno de 1500 © Petit Palais
COLEÇÃO DE ÍCONES E DAS ARTES CRISTÃS DO ORIENTE
O Petit Palais inaugurou uma bela sala dedicada à sua notável coleção de ícones e artes cristãs do Oriente. Esse conjunto dará uma visão da arte sagrada e das práticas do culto do Oriente cristão do século X ao século XIX, desde a Grécia até a Etiópia, passando pelos Balcãs, pelas ilhas do Mediterrâneo e a Rússia. Os ícones desta coleção são oriundos de diferentes escolas de pintura presentes no mundo ortodoxo do século XV ao XIX. A queda de Constantinopla em 1453 levou ao fim do Império Bizantino onde foram criadas estas pinturas sobre madeira com fundo dourado representando o Cristo, a Virgem ou os santos. Os objetos de culto permaneceram em uso nas comunidades cristãs da Grécia e dos Balcãs que, após a queda de Constantinopla, passaram sob domínio otomano. A Creta, possessão de Veneza e onde numerosos artistas de Constantinopla encontraram refúgio, se tornou o novo centro de produção ligada à Itália. A Rússia, nova guardiã da herança ortodoxa, continuou a produzir ícones procedentes de diferentes centros artísticos, que desde a Idade Média, tinham copiado as regras do Império Bizantino. Uma magnífica coleção !
Petit Palais - Avenue Winston Churchill, 75008 Paris
www.petitpalais.paris.fr/
Telhado do Grande Arco da Défense, visto do drone © Riad Kneife
LA GRANDE ARCHE DE LA DEFENSE
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
La Défense é o bairro do business na região parisiense, onde se instalaram os bancos e companhias de seguro. Ele está situado no prolongamento do eixo histórico de Paris que começa no Louvre, segue pela avenida Champs Elysées, pelo Arco do Triunfo na Etoile e prossegue até a ponte de Neuilly e o Grande Arco da Défense. E’ um bairro que foi erigido nos anos 1960 e é constituido majoritariamente de grandes imóveis e arranha-céus. Após 3 anos de obras, o telhado do Arco da Défense, a 110 m de altura, foi inaugurado e aberto ao público. Quatro cápsulas de vidro panorâmicas levam o visitante diretamente ao 35° andar onde um grande terraço expõe uma vista inesperada de 360° sobre Paris e o Grande Paris. Na parte interior foi criado um espaço cultural dedicado ao fotojornalismo : a Arca do Fotojornalismo, cuja direção artística será assegurada por Jean-François Leroy, o diretor do festival Visa pour l'image. Um restaurante gastronômico , um fast food e um auditório completam essa nova estrutura. O preço de acesso ao telhado é de 15 euros.
Centro de Criação Contemporânea Olivier Debré (CCCOD) em Tours
CENTRE DE CREATION CONTEMPORAINE OLIVIER DEBRE (CCC OD) - cidade de Tours
Tours, cidade de história, arte e cultura situada no vale do Loire, inaugura em pleno coração da cidade, o novo centro de arte contemporânea Olivier Debré. O edifício dos anos 50 préexistente, emblemático de um patrimônio arquitetural e expressão da memória coletiva, foi preservado e completado pela proposição original da agência dos irmãos arquitetos portugueses Manuel e Francisco Aires Mateus - um novo volume com revestimento de pedra que se eleva acima de uma galeria de vidro. O interior compõ-se de três núcleos principais : uma nave visível em permanência do exterior, uma galeria branca, o white cub, um espaço de grandes volumes que recebe luz a partir de uma iluminação zenital indireta. E a galeria escura, que oferece a possibilidade de um escuro total, um pedido que tornou-se recorrente nas práticas de exposições contemporâneas (videos, obras luminosas, digital…). Pequenas galerias, em torno das duas grandes, oferecem outros espaços de exposição. Dois auditórios acolherão conferências e projeções. A livraria propõe uma seleção de livros de arte e no primeiro andar o Café será um ponto de encontro de referência da cidade. A arquitetura do CCC OD é luminosa, sóbria e de agradável percurso.
CCC OD - Jardin François 1er, 37000 Tours
www.cccod.fr
Tours, cidade de história, arte e cultura situada no vale do Loire, inaugura em pleno coração da cidade, o novo centro de arte contemporânea Olivier Debré. O edifício dos anos 50 préexistente, emblemático de um patrimônio arquitetural e expressão da memória coletiva, foi preservado e completado pela proposição original da agência dos irmãos arquitetos portugueses Manuel e Francisco Aires Mateus - um novo volume com revestimento de pedra que se eleva acima de uma galeria de vidro. O interior compõ-se de três núcleos principais : uma nave visível em permanência do exterior, uma galeria branca, o white cub, um espaço de grandes volumes que recebe luz a partir de uma iluminação zenital indireta. E a galeria escura, que oferece a possibilidade de um escuro total, um pedido que tornou-se recorrente nas práticas de exposições contemporâneas (videos, obras luminosas, digital…). Pequenas galerias, em torno das duas grandes, oferecem outros espaços de exposição. Dois auditórios acolherão conferências e projeções. A livraria propõe uma seleção de livros de arte e no primeiro andar o Café será um ponto de encontro de referência da cidade. A arquitetura do CCC OD é luminosa, sóbria e de agradável percurso.
CCC OD - Jardin François 1er, 37000 Tours
www.cccod.fr
Confluentia, de Bina Baitel. Tecelagem Atelier Françoise Vernaudon © Eric Roger/Cité Internationale de la Tapisserie
CITE INTERNATIONALE DE LA TAPISSERIE em Aubusson
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
A cidade de Aubusson, no departamento da Creuse, inaugurou a Cité internacional da tapeçaria. Descobrimos uma bela construção, reabilitação da antiga Escola Nacional de Arte Decorativa, que abriga um museu, um espaço de formação, de criação e um centro de documentação. A tapeçaria de Aubusson, que foi inscrita na lista representativa do patrimonio cultural imaterial da humanidade pela UNESCO em 2009, abrange quase seis séculos de produção. Importada de Flandres no século XIV, conheceu seu apogeu no século XVII quando Colbert lhe concedeu o título de Manufatura Real e desde 1939 conhece um grande renascimento. Frédérique Paoletti e Catherine Rouland se inspiraram da técnica da decoração de teatro para elaborar a cenografia do museu apresentando a tapeçaria em suas diferentes épocas. A coleção do museu inclui 440 tapeçarias e 50 peças de mobiliário tecidas, obras de arte gráfica, instrumentos de tecelagem e peças de bordado sarraceno. Um imenso espaço de 700m², chamado de « nave da tapeçaria », nos faz mergulhar nesse maravilhoso universo. Encontramos tapeçarias que transpõem obras de Robert Delaunay, Georges Braque, Le Corbusier, Vasarely, Jean Lurçat. Outro espaço é totalmente dedicado à criação contemporânea. São obras originais de artistas tecidas em Aubusson: trabalhos de Mathieu Mercier, Olivier Nottelier, Cécile Le Talec, entre outros. Um mundo em plena ebulição artística que revela criações surpreendentes e artistas talentosos.
Cité internationale de la Tapisserie - Rue des Arts, 23200 Aubusson
www.cite-tapisserie.fr
CHATEAU DU CLOS LUCE
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
www.vinci-closluce.com
O castelo do Clos Lucé em Amboise, no vale do Loire, tem uma longa história, mas trataremos da parte que mais nos interessa. Essa mansão de tijolos rosados e pedra calcária transformou-se em residência de verão dos reis da França em 1490. O oratório, construido nessa época, é uma verdadeira jóia da arquitetura gótica. O rei Francisco I recebeu, em Clos Lucé, a nata dos intelectuais da época, impregnados do espírio do Renascimento. Foi em Clos Lucé que Leonardo da Vinci, convidado pelo rei Francisco I, residiu nos três últimos anos de sua vida. Aos 64 anos, da Vinci deixa Roma e traz consigo todos os seus manuscritos e três pinturas : a Mona Lisa, São João Batista e Santa Ana. Ele falece em seu quarto em 1519. Nos últimos 60 anos, o castelo foi restaurado pelos atuais proprietários e seu aspecto da época restituido : o salão de recepção, o quarto de da Vinci, o seu atelier, o oratório e a cozinha. As maquetes do mestre estão expostas em quatro salas. No magnífico jardim renascentista, um percurso permite penetrar no universo de Leonardo da Vinci com vinte maquetes gigantes de suas invenções e telas translúcidas que revelam as diferentes facetas de sua obra.
Château de Clos Lucé – Parc Leonardo da Vinci 2 rue du Clos Lucé, 37400 Amboise, Val du Loire
www.vinci-closluce.com
Jardins de Valloires © R. Duthilleul SMBS -GLP
JARDINS DE VALLOIRES na Picardia
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Os jardins paisagísticos de Valloires merecem o selo de Jardim Remarcável. Situados ao lado de uma muito bem conservada Abadia Cisterciense do século XII, os jardins foram criados em 1987 por Gilles Clément para valorizar o local histórico e acolher uma coleção de plantas vindas da Asia e da América do Norte. Gilles Clément, biólogo, botânico e paisagista desenvolveu, ao longo de toda a sua carreira, as noções de Jardim em Movimento e Jardim Planetário. As plantas de Valloires são classificadas por critérios estéticos e não geográficos. São 8 hectares de jardins que evoluem segundo as estações do ano em espaços variados e coloridos. O Jardim à francesa evoca a história dos monges e a arquitetura da abadia. A alamêda de cerejeiras floresce no mês de abril oferecendo um espetáculo grandioso. O roseiral de Valloires contém mais de 200 variedades locais, antigas ou raras. O Jardim das ilhas é de inspiraçāo inglêsa e os vegetais sāo reunidos segundo o perfume, a folhagem, a floraçāo. No Jardim dos 5 sentidos encontramos os vegetais que permitem tratamentos e curas e no Jardim da Evoluçāo descobrimos, de modo cronológico,a vida das plantas por mais de 400 milhões de anos. Uma viagem no túnel do tempo vegetal. Um encanto ! No local, o restaurante Table du Jardinier serve um cardápio com criações em torno dos vegetais surpreendendo o paladar.
Jardins de Valloires – 80120 Argoules / tel : 03.22.23.53.55
www.jardins-de-valloires.com
Abadia de Auberive - ala oeste
L’ABBAYE DE L’AUBERIVE
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Há lugares que nos encantam ao primeiro contato. A abadia de Auberive da ordem cisterciana é um deles. Foi com muita emoção que fiz a sua descoberta, onde história, arte e natureza convergem. A abadia, situada em Haute-Marne, foi construída no século XII em pleno movimento monacal. Os monges canalizaram as águas do rio Aube, criaram um sistema de canais, um moinho e desenvolveram a piscicultura. A movimentada história francesa, da Guerra dos 100 anos à Guerra das religiões no século XVI, marcaram e destruiram grande parte do monumento. A sua recontrução se deu nos séculos XVII e XVIII dando-lhe um aspecto de castelo com uma fachada monumental de estilo clássico. Diferentes proprietários se sucederam até sua aquisição, em 2005, por Jean-Claude Volot, o maior colecionador particular do expressionismo contemporâneo figurativo e arte singular na França. Volot transformou a abadia em centro de arte contemporânea e mais de 2.500 obras, de sua coleção, estão aí armazenadas. Rodeada de jardins e com três pomares no seu parque de 6.5 hectares, a abadia abriga um patrimônio ecológico significativo. Um paraíso a ser visitado sem demora.
Abbaye d’Auberive – 52.160 Auberive (Haute Marne) / tel : 03.25.84.20.20
www.abbaye-auberive.com
Les Caves du Louvre
LES CAVES DU LOUVRE
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
Situado no subsolo de uma magnífica mansão do século XVIII, a mansão de Trudon, as Caves do Louvre desvendam todos os segredos do universo do vinho. A visita da adega é feita de uma forma dinâmica, interativa e lúdica como explica Nicolas Paradis, o criador do projeto. Munido do smartphone, com o aplicativo baixado gratuitamente e que nos dará todas as explicações, começamos uma verdadeira viagem sensorial. O circuito atravessa um belo espaço em abóbada de 600m², com uma elegante decoração em madeira e metal. O percurso é organizado a fim de despertar os cinco sentidos. A sala do tato, por exemplo, permite comprender os diferentes tipos de solo. Na sala do olfato devemos identificar os diferentes aromas que encontramos no vinho. As informações, jogos, videos nos explicam todas as etapas da elaboração do vinho. Finalizamos a visita provando um bom vinho escolhido pelo simpático sommelier. Uma viagem lúdica e cultural ao mundo vinícola e sem sair de Paris !
Les Caves du Louvre - 52 rue de l’arbre sec - 75001 Paris
Visita todos os dias de 10:00h às 18:00h
www.cavesdulouvre.com
"Axis Mundi" de Charles Sandison
MUDO – Musée de l’Oise – Beauvais
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
A cidade de Beauvais fica a 1:10h de distância de Paris pelo trem. Situada na regiāo da Picardia, ela tem o charme das cidades do norte com seus prédios em tijolo vermelho e uma populaçāo acolhedora. A Maladrerie (leprosário) Saint Lazare de Voisinlieu é o conjunto hospitalar medieval melhor conservado do norte da Europa ocidental com suas construções do século XII e XIII. A catedral Saint Pierre, inacabada, é uma obra prima da arquitetura gótica. Na sua proximidade, encontramos um conjunto arquitetural remarcável, recentemente renovado para abrigar o museu do Oise, o MUDO. Entra-se no museu por um pequeno castelo do século XIV, ornamentado com uma belíssima pintura mural de sereias músicas. Uma ala liga a entrada ao antigo palácio episcopal, construido no século XVI. De estilo renascentista, o palácio acolhe uma interessante coleçāo de pinturas do século XIX. O museu propõe duzentas obras que abrangem o século através de paisagens, da arte sacra, de pinturas históricas e das artes decorativas. Admiramos pinturas de Camille Corot, Thomas Couture, Paul Huet, Alfred Sisley e delicadas paisagens executadas por pintores escandinavos. O museu também propõe confrontar esse acervo com obras contemporâneas. O artista francês Ange Leccia realizou um vídeo que explora as possibilidades da luz e do movimento em uma obra de grande sensibilidade pictural. O museu convidou o artista escocês Charles Sandison para investir o último andar do palácio. Nesse imenso espaço sob as vigas de madeira, Sandison criou o evento com sua nova obra numérica, Axis Mundi, uma visāo contemporânea da história e do acervo do museu.
MUDO – Musée de l'Oise 1, rue du Musée – 60000 Beauvais / tel 03.44.10.40.50
Aberto todos os dias exceto nas terças feiras.
www.mudo.oise.fr
Abadia de Royaumont
Abadia e Fundação Royaumont – cerca de 35 km ao norte de Paris
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
A abadia real de Royaumont é um monumento histórico excepcional. Antigo monastério cisterciense construido entre 1228 e 1235 com o apoio de Luis IX, sua história é movimentada. Vendida como bem nacional na época da Revolução francesa, torna-se uma fábrica de fiaçāo de algodāo e, sucessivamente, um noviciado e um hospital de guerra entre 1915 e 1918. Desde 1964 a Fundaçāo Royaumont ocupa e conserva o local. A abadia ergue-se majestuosa entre lagos e florestas em um espaço natural preservado. Os prédios da abadia estão organizados em torno de um soberbo claustro abobadado. Os 120 monges da abadia faziam suas refeições no que é hoje considerado um dos mais belos exemplos de refeitório na França. O parque, as ruinas românticas (a igreja foi destruida durante a Revoluçāo francesa), seus jardins, como o dos « 9 quadrados » de inspiraçāo medieval, e o novo jardim-horta contribuem ao encanto desse lugar. E a música ressoa entre agosto e outubro. Concertos de altíssimo nivel sāo dados no refeitório pois a vocaçāo da Fundaçāo é cultural e sobretudo musical com o seu centro internacional para artistas da música e dança. E’ uma maneira maravilhosa de apreciar as salas góticas da abadia.
Fondation Royaumont – 95270 Asnières-sur-Oise – tel : 01.30.35.59.91 / www.royaumont.com / visites@royaumont.com
Aberto todos os dias de 10:00h até 18:00h
Parc du Petit Prince
Parc du Petit Prince – Parque do Pequeno Príncipe – Alsácia
Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.
Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
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Um parque temático poético e lúdico foi inaugurado perto da cidade de Mulhouse na Alsácia. Inspirado do universo filosófico e fantástico do Pequeno Príncipe, esse parque de atração é inovador no seu conceito. Ele se posiciona como o primeiro parque aéreo do mundo e promete a todos os fãs do Pequeno Príncipe uma experiência emocional única. São 31 atrações e vários espetáculos repartidos em torno de três grandes temas, para uma imersão no universo poético da obra de Saint-Exupéry : o vôo, a viagem de um planeta a outro e os animais . Vôo, com dois grandes balões que representam dois dos planetas do Pequeno Príncipe e o Aerobar, onde se pode beber um trago a 35m de altura. Viajar de um planeta a outro com atrações em 2D, 3D ou 4D. Encontro com os animais, através da fazenda das borboletas, da dansa dos carneiros e do encontro com os filhotes de raposa.
Um dia de encanto garantido para adultos e crianças.
Parc du Petit Prince – 68190 Ungersheim / contact@parcdupetitprince.com
http://www.parcdupetitprince.com/
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Château de Chaumont sur Loire
©E. Sander
Château de Chaumont sur Loire – a menos de duas horas de
Paris
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
O Castelo de Chaumont sur Loire, é uma maravilhosa propriedade do século XVI que pertenceu à Rainha Catarina de Médicis e depois à sua rival Diana de Poitiers. O Castelo acolheu, ao longo da sua história, numerosas personagens célebres como Nostradamus, o escultor Nini, e Benjamin Franklin. No fim do século XIX, o castelo conheceu, com a sua última proprietária particular a Princesa de Broglie, um intenso periodo de glória e festas que reuniram a nobreza de toda a Europa.
O monumento atual é mobiliado e decorado no espírito das grandes mansões do fim do século XIX, e é um dos castelos mais mobiliado do vale do Loire. Ele evoca a arte de viver dos meios afortunados do fim do século XIX.
Chaumont sur Loire possui um belíssimo parque histórico de 21 hectares realizado no estilo paisagístico inglês oferecendo uma vista fabulosa do selvagem rio Loire. O parque também acolhe obras de arte criadas « in situ » por artistas plásticos de renome internacional, uma horta com uma variedade de legumes antigos e esquecidos e um novo parque desenhado por Louis Benech, o Près du Goualoup, destinado a acolher jardins perenes orgânicos, sem agro tóxicos
A visita dura en torno de 4 horas (aparelhos multimédia disponíveis em português !) e restauração variada (do restaurante gastronômico ao fast food).
Domaine de Chaumont-sur- Loire – 41150 Chaumont sur Loire – tel : 02.54.20.99.22
http://www.domaine-chaumont.fr/
Domaine de Villarceaux
Dominio de Villarceaux - cercanias de Paris
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
A uma hora de Paris, no Val d’Oise, o dominio de Villarceaux é um dos mais belos lugares históricos da região. Do ano 1000 ao século das Luzes, ele encarna uma harmonia preservada entre patrimônio e natureza e constitui o primeiro monumento inteiramente eco-administrado da Europa.
Na sua parte baixa encontramos o solar e dependências (século XVI), o pavilhão de Ninon de Lenclos, figura intelectual e célebre cortesã do século XVII e amante do marquês de Villarceaux, o terraço medieval que acolhe um jardim de ervas medicinais, o canteiro sobre água (século XVI), os terraços à moda italiana e a lagoa da Vinette. Na parte de cima, o castelo do século XVIII com seu mobiliario, objetos, revestimento de madeira e quadros de grandes mestres. A preservaçāo desse patrimônio faz do lugar uma das raras testemunhas da arte de viver no campo no século XVIII. Vale a pena a visita !
Entrada franca. De 1° de Junho a fim de agosto aberto todas as tardes exceto segunda feira. De Abril a 1° de Junho e de Setembro a fim de Outubro aberto nas quartas, sábados e domingos de 14:00h às 17:00h.
http://villarceaux.iledefrance.fr/
Villa des Brillants à Meudon
Musée Rodin – Villa des Brillants – Meudon (a 20 minutos de Paris)
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
O Museu Rodin de Meudon é bem menos conhecido do que o de Paris e no entanto é um encanto.
Rodin adquiriu a Villa des Brillants, nas alturas de Meudon, em 1895. Ela tornou-se rapidamente um lugar de passagem obrigatória para a intelligentsia francesa e estrangeira da época e onde o poeta Rilke, secretário de Rodin, residiu por algum tempo. Rodin concebeu o lugar como um todo, reunindo a sua casa, as oficinas de modelagem e sua coleçāo de antiguidades, sem separaçāo entre a intimidade e a criaçāo. Ele ergueu em seu jardim o frontispício do castelo de Issy diante do qual o seu túmulo foi edificado com a estátua do Pensador acima.
Hoje, os visitantes descobrem a casa do artista, o seu quadro íntimo e o espaço onde estāo expostas as obras preparatórias do artista, em gesso, o que nos faz comprender o processo de criaçāo de Rodin. A restauraçāo da casa, feita em 1997 a partir de fotografias da época, permitiu recontituir o quadro de vida e de trabalho do escultor. A Villa des Brillants, última residência de Rodin, tornou-se um lugar de memória.
Musée Rodin Meudon- Villa des Brillants – 19, avenue Auguste Rodin – 92190 Meudon – tel : 01.41.14.35.00
www.musee-rodin.fr
